tag:blogger.com,1999:blog-19516877014618784812024-03-13T16:19:03.135-07:00Hablemos del arte y los artistas"La mano del pintor...vuela...y, enamorada de su propio movimiento,
dibuja formas que aparecen espontáneamente.
André BretonRoberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.comBlogger89125tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-88959570052221316122012-09-12T15:11:00.002-07:002012-09-12T15:18:58.904-07:00Baiguana: Variaciones de una leyenda cubanaRoberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-9993711095866739842012-09-12T15:09:00.002-07:002012-09-12T15:09:42.729-07:00<br />
<i>“Cierta dulce y amable dignidad la investía </i><br />
<i>de no sé qué prestigio lejano y singular. </i><br />
<i>Más que muchas princesas, princesa parecía...”</i><br />
<i> </i><br />
<i>“Gratia plena” por Amado Nervo (fragmento)</i><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgJwPlEFt_rDbaBQVv7rPG_TRKNlPOzTgiy1a6pSR01W327VivnmLv7SzR1-FO632ht7sBhAshmJg5N9avcMaET6fBApoDQAXa9loc7z6POZecC9Jnkasdtb8VoppcOAPniIzkKARY57Q/s1600/Baiguana+copy.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgJwPlEFt_rDbaBQVv7rPG_TRKNlPOzTgiy1a6pSR01W327VivnmLv7SzR1-FO632ht7sBhAshmJg5N9avcMaET6fBApoDQAXa9loc7z6POZecC9Jnkasdtb8VoppcOAPniIzkKARY57Q/s320/Baiguana+copy.jpg" width="242" /></a></div>
Baiguana Obra de Luis Torres<br />
<br />
Desde siempre cada vez que iba a la provincia de Matanzas no podía dejar de visitar a una discreta montaña conocida como el Pan de Matanzas, que con sus 382 metros de altura, la más alta de la provincia, parecía dominarlo todo y más, pues ejercía en mí una extraña fascinación de la que nunca me he podido apartar. Pasaba las horas mirando aquella figura en piedra que desafiante y altiva yacía coronando el promontorio del que contaba una secular leyenda se trataba del cuerpo de Baiguana, joven y autóctona belleza del Yucayo, que según viejos manuscritos era la la más pura e imponderable belleza en proporción y armonía de la que nos hablan los poetas.<br />
<br />
Cuenta la leyenda prehispánica que la joven Baiguana, enamorada de la vida y la belleza, era pródiga en dar su afecto a todo el que lo pretendía, pues ella al igual que todos los seres sensibles era generosa en dar amor. Mas el cacique Macuaní, que en múltiples ocasiones pretendió a la bella Baiguana, sin lograrlo jamás y llenó de celos, torvos pensamientos y sentimientos de la peor especie, comenzó a urdir un plan para hacer creer a los miembros de la tribu que la bella Baiguana, con sus supuestos escarceos amorosos entre los más jóvenes y ardientes guerreros a los que, según él, hacía enloquecer de pasión turbando sus sentidos y logrando que abandonaran sus deberes, ponía en peligro el futuro inmediato de la tribu.<br />
<br />
Puso el cacique Macuaní su plan en marcha y rodeado de sus mejores chamanes se dirigió al río Canimao, para pretender allí hablar con el dios Baguá. Al amparo de la más oscura soledad y rodeado de sus más fieles acólitos a la orilla del río y tras una inmesa piedra, que todavía se conserva como mudo testigo de una de las más grandes historias de traición y muerte, fue concebido el horrendo crimen.<br />
<br />
Al día siguiente le fue dado a la bella Baiguana un pescado preparado de la más exquisita manera y ella, sin sospechar que el suculento manjar escondía un poderoso veneno, comió del mismo y casi de inmediato su vida se apagó sobre el petreo lecho que coronaba la elevación. Al día siguiente nadie volvió a ver a la bella Baiguana, pero si todos los habitantes del Yucayo, y más allá, vieron alzarse coronando la cumbre de la montaña el cuerpo de una mujer que parece dormir. Otras veces cuentan que en lo más espeso del bosque, en ciertos días del año, se ha visto el rostro de una bella mujer que nos sonrie, mientras el viento parece mecerla entre los árboles.<br />
<br />
Roberto Cayuso<br />
Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-84333265697608818142012-01-16T22:32:00.000-08:002012-01-16T22:52:03.414-08:00Recuerdos de La Habana<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinIBjw0one5Xln4CT7Y5HZN2JklEmMaATHPCewPhtc4VZY8EdhcYVwbxiSKVpJ8k8HJ9aOd-QFAsMpJSSCcRBrj_ZRcub0-V1Oy0vq5czIZaXbzq8qvsaUC2QO5pSPtN8yb1rt7-zRe9s/s1600/02-Ciudad" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 214px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinIBjw0one5Xln4CT7Y5HZN2JklEmMaATHPCewPhtc4VZY8EdhcYVwbxiSKVpJ8k8HJ9aOd-QFAsMpJSSCcRBrj_ZRcub0-V1Oy0vq5czIZaXbzq8qvsaUC2QO5pSPtN8yb1rt7-zRe9s/s320/02-Ciudad" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5698486493543453346" /></a><div style="text-align: center;">Ciudad de La Habana</div><div style="text-align: center;"><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJbP7Wwhm4DNgI5_4xosW2VE3hNnFHvlUhkeSd7hC64OB47j9CCIEO-9BeniuI-VaS3O2n-6V0-mTsKfbHjbkxyHsAUq9ZtuDNtNlYvMldVqeen2lUMIDYx0Fv0sdwL6Pm3NZlgIBBVHY/s1600/01-Ciudad.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 318px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJbP7Wwhm4DNgI5_4xosW2VE3hNnFHvlUhkeSd7hC64OB47j9CCIEO-9BeniuI-VaS3O2n-6V0-mTsKfbHjbkxyHsAUq9ZtuDNtNlYvMldVqeen2lUMIDYx0Fv0sdwL6Pm3NZlgIBBVHY/s320/01-Ciudad.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5698486315383959074" /></a><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6WBPteYXvJshQQ2yxy9uPUUvle4d0V0Ie41W0vyt7InZdpg6qXOddunnAgmPJt3PgP4ixEdZg425S8lVdMVjqeBgux8PHN4rAP6EK4aERA6FVxpjuD6iHPTE2f7idMX9J-H36eNPAmIQ/s1600/02-Catedral+" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 214px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6WBPteYXvJshQQ2yxy9uPUUvle4d0V0Ie41W0vyt7InZdpg6qXOddunnAgmPJt3PgP4ixEdZg425S8lVdMVjqeBgux8PHN4rAP6EK4aERA6FVxpjuD6iHPTE2f7idMX9J-H36eNPAmIQ/s320/02-Catedral+" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5698486092879993442" /></a><div style="text-align: center;">Catedral de La Habana</div><div style="text-align: center;"><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyNYTijqfgP5mO5tymTLe5cLpXLpBBRHUr3H74UGNY2ZqsF_pHLTEvldpslNQ-OBshcxl1q64fU3-IQ-2pyU6tUphUFEzpe3xpFOXCP0EbdA0Q6uXE6RqNCKBbLkT18MV2EvupAxGN-AE/s1600/01-Catedral" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyNYTijqfgP5mO5tymTLe5cLpXLpBBRHUr3H74UGNY2ZqsF_pHLTEvldpslNQ-OBshcxl1q64fU3-IQ-2pyU6tUphUFEzpe3xpFOXCP0EbdA0Q6uXE6RqNCKBbLkT18MV2EvupAxGN-AE/s320/01-Catedral" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5698485885957060082" /></a><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZRlWQVclDgf15Ijl0tGRJWgGRw0mfABWN7hWdQDCpMNTi6dGOwNW4XNw_9b7WC0ou9eHHkJWctf_ISDSNNVgofe76UwlgyR0u7jfk7CZIWT69mz4FqUDhCeZBmzfeq93NtPRL3pQRLq8/s1600/Cancio.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 214px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZRlWQVclDgf15Ijl0tGRJWgGRw0mfABWN7hWdQDCpMNTi6dGOwNW4XNw_9b7WC0ou9eHHkJWctf_ISDSNNVgofe76UwlgyR0u7jfk7CZIWT69mz4FqUDhCeZBmzfeq93NtPRL3pQRLq8/s320/Cancio.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5698485680195660738" /></a><div style="text-align: center;">Arcadio Cancio</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Si miramos con detenimiento la pintura de Cancio y pensamos en la ciudad de La Habana, nos vamos a percatar de inmediato de un cierto paralelo entre ambas. Por un lado La Habana, según palabras de Alejo Carpentier, -nace de la superposición de estilos diferentes e innovados en donde poco a poco, de lo abigarrado, de lo entremezclado, de lo encajado en realidades distintas, han ido surgiendo las constantes de un empaque general que en la actualidad distingue a La Habana de otras ciudades del continente-.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Por otra parte la pintura de Arcadio Cancio, al igual que La Habana, está formada de estilos tan diferentes con los que crea una manera de hacer que además de muy personal lo ubica dentro de una corriente estilística que hoy conocemos como la Escuela de La Habana. En la construcción que Cancio hace de sus cuadros vemos una fusión entre elementos del arte barroco y el gótico, expresados con una perspectiva cubista donde los planos de color nos llegan unas veces por superposición y otras por degradación del color.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div> </div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">En cada pintura de Cancio hay un homenaje a su ciudad. Eso lo vemos en la costrucción de cada uno de sus cuadros de exteriores donde vemos toda una suerte de columnas de estilizados fustes y gloriosos capiteles en los que se mezclan con balcones y coloridos vitrales de medio punto como aquellos que etenuaban la luz en las casonas habaneras. Arcos y enrejados pasan de ser elementos arquitectónicos para convertirse en magia fluída de color, luz y sombras.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">En el centro de todo ese espectáculo de abigarradas formas y colores resalta la mujer como eje central en muchas de sus obras. En ocasiones desnudas, pero sin erotismo flotan en el gran escenario que Cancio les prepara. Otras veces aparecen vestidas con extraños ropajes de exhuberantes colores donde conversan mientras descansan en remedos de comadritas como buscando alivio en la frescura del interior del inclemente sol tropical.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Al igual que el aroma de ciertas fragancias tienen la virtud de despertar recuerdos que el tiempo sepultó en nuestra memoria. La pintura de Cancio despierta en el espectador recuerdos de vivencias que no podemos precisar si fueron reales o imaginadas. Esa es la magia de un creador de sueños hechos realidades y capaces de transportarnos a través de nuestros recuerdos hacia paisajes que más que vividos son sentidos.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto Cayuso</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><br /></div><div><br /></div><div><br /></div><div><br /></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-39998100625226634972011-10-31T19:44:00.000-07:002011-11-01T22:53:52.679-07:00Apuntes sobre la pintura cubana (1)<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHIs_lrpd_8TFsbybh8DMKS4rt8rUn_u3sltrtNghVVpW5tXXp5Kmm6h2T9wP9OhOKdySe_5pEEMbkLn6o8ltGA06FeOj6QC7rQZZwVxiYy1NjnUgtg4n8Ck-6BKS-kOXBPbjhKbdoD68/s1600/Lam.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 274px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHIs_lrpd_8TFsbybh8DMKS4rt8rUn_u3sltrtNghVVpW5tXXp5Kmm6h2T9wP9OhOKdySe_5pEEMbkLn6o8ltGA06FeOj6QC7rQZZwVxiYy1NjnUgtg4n8Ck-6BKS-kOXBPbjhKbdoD68/s400/Lam.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5669860237968224866" /></a><br /><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Durante los años cuarenta se vivieron algunos de los momentos más importantes de la pintura cubana. Fue durante esa época cuando cristalizó una peculiar concepción de lo cubano donde lo criollo se mezcla con elementos clásicos para así crear una bóveda antillana y mítica. Lam logra durante ese período uno de los más importantes momentos de su larga carrera . Portocarrero, Mariano, Cundo Bermúdez, Mario Carreño, Amelia Peláez, Felipe Orlando y muchos otros artistas igualmente lograron destacarse durante esos años. Sociedades como el Lyceum y la Sociedad Nuestro Tiempo, contribuyeron a la divulgación del arte cubano, mientras que eran apoyados por críticos como Guy Pérez Cisneros, Lezama Lima, Joaquín Texidor y otros muchos.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Obras como la “Jungla” de Lam, ”Interior del Cerro” de Portocarrero, “La Pitahalla” de Amelia Peláez, “Danza Afrocubana” de Mario Carreño son verdaderas obras maestras creadas entonces.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">A finales de los cuarenta la atmósfera para un cambio en el arte, ya estaba creada. Pogolotti en 1932, había realizado una obra totalmente abstracta, se trata de “Cosmogonía” dode se advierte la influencia de Arp. Esta obra podría ser considerada, tal vez, la primera pintura abstracta en la historia del arte cubano.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Pero no será hasta 1949 en que llega a Cuba un artista rumano llamado Sandu Darie, que había pertenecido al destacado grupo “Madis” de París, que se prodduce un verdadero interés por la abstracción en cualquiera de sus modalidades.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Por esa misma época Carreño comienza la ejecución de obras del llamado abstraccionismo geométrico o arte concreto, donde se encuentran algunas de sus mejores y más auténticas producciones.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Roberto Cayuso</span></div><div><br /></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-80240075247878525482011-09-26T22:39:00.000-07:002011-09-28T15:45:04.869-07:00Arte de la participación (performing arts & happening)<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKeZwrcdAtyWtbgS6p-gaBulgKxXkxt6dIVp6zTWsZNFt5cX0LmcbgaEBHrv9-hsmXMN8NKgCu5T_uHDaVwcWWH5n36rLuKGcH0vWTPkgyridP4xvmR-_Jf-S08LpNnG8cC1cRXuuEfd8/s1600/52-Hugo_Ball_Cabaret_Voltaire.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 245px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKeZwrcdAtyWtbgS6p-gaBulgKxXkxt6dIVp6zTWsZNFt5cX0LmcbgaEBHrv9-hsmXMN8NKgCu5T_uHDaVwcWWH5n36rLuKGcH0vWTPkgyridP4xvmR-_Jf-S08LpNnG8cC1cRXuuEfd8/s320/52-Hugo_Ball_Cabaret_Voltaire.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5656911235474118706" /></a><div style="text-align: center;">Hugo Ball (1886-1927)</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Esta es una expresión artística en el que tanto actores como espectadores van a contribuir en la creacion de la obra o lo que es lo mismo en su presentación, pues aquí, y por primera vez, la interracción de ambas partes van a a dar origen al <i>“performing arts” (artes escénicas)</i> que contiene, entre otros, al <i>"happening"</i> que, aunque no es teatro desarrolla una acción que lo acerca al concepto del <i>“living-theathre”</i> en un intento de fusionar las áreas de la vida y el arte en una de las más puras expresiones del arte efímero.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">En este nuevo escenario artístico que nos trajo el arte participativo, ya no será tomado en cuenta el arte de plasmar la creación artística en diferentes soportes como ha venido haciéndose. Ahora, esta nueva manera de hacer arte va a decirse lo mismo en una “extraña” forma poética que va a expresarse gestualmente. No se requieren soportes y apenas escenarios. Lo que se busca es la participación a través de la reacción del espectador que así va a ser parte de la obra mientras reacciona, en ocasiones, con hostilidad ante la agresión visual, auditiva o ambas a la vez a la que es sometido.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">El precursor inmediato del arte participativo lo fue el movimiento Dada con figuras como Hugo Ball que realizó, en el cabaret Voltaire, de Zurich y tan temprano como en 1916, lecturas de sus poemas como preludio de los <i>“performings” </i>de finales de los años sesenta.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Como ejemplo interesante de la influencia que ejerció el movimiento Dada en el posterior arte de paricipación vamos a reproducir este viejo escrito:</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><i>“Max Ernst, junto con otro artista llamado Baargeld, organizaban exposiciones donde hacían que el público saliera indignado. Una de ellas obligaba a pasar entre unos urinarios, mientras una niña vestida para primera comunión recitaba poemas obscenos, en medio de la sala se levantaba un gran bloque de madera que sostenía una hacha enganchada por una cadena y se invitaba al público a que destruyera aquel objeto a hachazos. Al fondo se encontraba un acuario con agua teñida de rojo, simulando sangre, y en el fondo yacía un despertador junto a un brazo femenino, mientras que en la superficie flotaba una cabellera de mujer. En las paredes colgaban varios collages de diversos artistas cuyo contenido provocaban malestar entre los espectadores. Durante varias ocasiones el público intentó saquear el lugar, hasta que días más tarde la exposición fue prohibida”.</i></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Los <i>"happenings"</i>, que como ya dijimos en un principio, integran el conjunto del llamado <i>“performing arts”, manteniendo</i> una cierta afinidad con el llamado teatro de participación que floreció a finales de la década de 1960.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Roberto Cayuso</span></div><div><br /></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-59487765893559150742011-08-13T16:11:00.000-07:002011-08-14T21:34:17.558-07:00La pintura mágica de Miguel Ordoqui<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHeHwpS4wM45Xma4h8t4fVZFrvhgatRB_cUtTVQMN2N1mqyE-HFwav0zH9iteJS2pPwWKk7dsYVPWpNNe4m9MvNBlpvNgk4Ipp4VPgoeNd_m94h6MNqWLJMeUACXR4nbqKcPchfQlq_JA/s1600/02+copy.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 240px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHeHwpS4wM45Xma4h8t4fVZFrvhgatRB_cUtTVQMN2N1mqyE-HFwav0zH9iteJS2pPwWKk7dsYVPWpNNe4m9MvNBlpvNgk4Ipp4VPgoeNd_m94h6MNqWLJMeUACXR4nbqKcPchfQlq_JA/s320/02+copy.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5640482805574956722" /></a>
<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrHjM7q2ae1GS__RTcpiOD3UGFVwJGkukw-KrkW9GTFgYA19MOeGzPcjUj_r9OEf-awTWIO2iT0t7B22VJuJyfDUr1U4aEE_rGWtrNmeFsmEr1OB-s95m7es3k8LeyJR7wNOB3USoV6NA/s1600/01+copy.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 260px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrHjM7q2ae1GS__RTcpiOD3UGFVwJGkukw-KrkW9GTFgYA19MOeGzPcjUj_r9OEf-awTWIO2iT0t7B22VJuJyfDUr1U4aEE_rGWtrNmeFsmEr1OB-s95m7es3k8LeyJR7wNOB3USoV6NA/s320/01+copy.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5640482650293534306" /></a>
<br /><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">La obra de Ordoqui es ante todo y sobre todo la definición de la forma. Es uno de esos pocos creadores para quienes la forma de la vida y los impulsos de las personas son un lenguaje cifrado lleno de los más poéticos secretos. Nada le resulta ajeno en la propuesta de la vida y es de ella que se nutre su pintura.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">
<br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Pintor expresionista nos muestra a través de sus obras un universo en el que todo es factible y puede cualquier cosa suceder, pues aquí no hay más freno que el de su imaginación con la que logra que cada una de sus obras sea es una nueva sorpresa para el espectador.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">
<br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Más allá del tema escogido por Ordoqui para la construcción de cada una de sus pinturas nunca deja de sorprendernos por la gracia y ligereza que imprime a cada uno de sus modelos como, por ejemplo, en la articulación que hace de un brazo, de una muñeca, sorprendida en el instántaneo desarrollo del gesto, un giro del cuello, el dorso de una mano o una torsión de las caderas.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">
<br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">En la pintura de Ordoqui los personajes que pueblan sus telas nos llegan mediante colores fuertes y en ocasiones hasta agresivos, con los que va estableciendo planos de color en donde van a interactuar los personajes de sus construcciones plásticas. Potenciando a través del color el impacto emocional del espectador.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">
<br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Si analizamos detenidamente los temas de mascaradas y jolgorios, abundantes en la obra de Ordoqui, vamos a ver que tras la exageración y distorsión de los temas y personajes de sus telas existe otra lectura que subyace bajo el fulgor del oropel y es la que nos habla de los sentimientos, la fantasía y los sueños donde para nada cuentan ni la luz ni la perspectiva, que son alteradas intencionalmente.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">
<br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto J. Cayuso </span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-74099063861106980372011-07-28T20:58:00.000-07:002011-07-30T00:43:23.697-07:00Bauhaus<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoDgMM_ZHpzGAW0RJwVZnhHEx-xyVMqGbWfWdZ5wx6OBKHNatDEaBDOGHbbs25pPbZimDrMT-fJb5Iryhl-nadNvtmetxurREzwwBiXOeAzPdy-MiLUi5Rb6xy-4Vbhq5LQW6iuHLWL2c/s1600/50-Bauhaus-maestros.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 130px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoDgMM_ZHpzGAW0RJwVZnhHEx-xyVMqGbWfWdZ5wx6OBKHNatDEaBDOGHbbs25pPbZimDrMT-fJb5Iryhl-nadNvtmetxurREzwwBiXOeAzPdy-MiLUi5Rb6xy-4Vbhq5LQW6iuHLWL2c/s320/50-Bauhaus-maestros.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5634619137059442930" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">Los maestros de la Bauhaus: Josef Albers,Hinnerk Scheper, Geoerg Muche, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Joost Schimdt,Walter Gropius, Marcel Breuer, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölz y Oscar Schlemmer.</span></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Bauhaus (Casa de la Construcción) fue el nombre de la escuela de Arquitectura y Artes Aplicadas más importante de todos los tiempos y pilar fundamental del futuro movimiento modernista. Nació la Bauhaus de la fusión de dos escuelas de Weimar: la Superior de Artes Plásticas y la escuela de Artes y Oficios. Su creador en 1919 lo fue el arquitecto alemán Walter Gropius (1883-1969), quien además fue su director hasta 1928.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Desde sus comienzos los objetivos de la Bauhaus estuvieron perfectamente delineados y en esencia planteaba la integración de las artes, sean éstas de las llamadas “mayores” o “menores”, en función de la creación de un mejor habitat para el hombre.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Partiendo del concepto de que entre las artes plásticas la arquitectura es fundamental, pues es dentro de ella -edificio o casa- donde el hombre pasa la mayor parte de su tiempo, mientras lo rodean diferentes objetos tanto “industriales” como artísticos que dan vida y añaden funcionalidad a su epacio habitacional. Fue una época donde el objeto utilitario, de uso común, no sólo no está reñido con el object d’art; sino que fue transformado en una verdadera muestra del nuevo arte industrial.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Fuentes, cafeteras, mesas, sillas, tapices y todo cuanto seamos capaces de imaginar dentro del diseño gráfico e industrial fue creado y se fusionó con todo tipo de estructuras arquitectónicas donde la pintura no fue ajena, pues debemos recordar a Paul Klee (1879-1940) que en 1921 pasó a formar parte del profesorado de la Bauhaus. Otro destacado profesor de la misma institución, entre 1922 y 1933, lo fue el artista ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) que fungió como profesor de pintura libre, color y elementos de la forma.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">“Nada existe ya -en sí-, toda imagen se convierte en el símbolo de un pensamiento, que nos empuja a construir.” y “donde deben marchar unidos la utilidad, el diseño, lo específico del material y la estética”. Con palabras como ésta Walter Gropius nos contaba de caminos de grandeza y nuevos horizontes creativos que lamentablemente se vieron afectados de manera irremediable durante la Segunda Guerra Mundial</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto J. Cayuso</span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-66637616226202574792011-06-12T16:47:00.000-07:002011-06-14T00:08:20.335-07:00Benito Quinquela Martín<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0MY0yTNoT4FQz5RFdXtb6BjrGBNX1fizAitwq9lnsfXnDmHcOM9kwSUrAhQoQkHRCprri81eNxNQx7o2U_tQq3It2YwHgf1jyP02AMju5zEoOxouRXSkJIuXCiowOvk6uaLxLYH8FokY/s1600/Quinquela.02" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 216px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0MY0yTNoT4FQz5RFdXtb6BjrGBNX1fizAitwq9lnsfXnDmHcOM9kwSUrAhQoQkHRCprri81eNxNQx7o2U_tQq3It2YwHgf1jyP02AMju5zEoOxouRXSkJIuXCiowOvk6uaLxLYH8FokY/s320/Quinquela.02" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5617492688384803138" /></a><div style="text-align: center;">Lámina 03</div><div style="text-align: center;"><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLGpm8FzRm3Kv63utwB0Spfuujgtjn6ehIHTztpHrx1ZM4GB4Sh7SZpYFGi3RCVq7PdfOHaN6dB0zPcQtNGiiLDmKF7xH14K-0ByI_Q0OCrGYDtjqRCI7ExTVoYo3-pLO-C1F8l6n_QUM/s1600/Quinquela.01" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 270px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLGpm8FzRm3Kv63utwB0Spfuujgtjn6ehIHTztpHrx1ZM4GB4Sh7SZpYFGi3RCVq7PdfOHaN6dB0zPcQtNGiiLDmKF7xH14K-0ByI_Q0OCrGYDtjqRCI7ExTVoYo3-pLO-C1F8l6n_QUM/s320/Quinquela.01" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5617491316095368354" /></a><div style="text-align: center;">Lámina 02</div><div style="text-align: center;"><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMTGKn_yd39iDIFfkTgk9EmxQBWFCGHq6bC_q-nXa86b_IRaRvT7XQCfbi5bCMX3xkL2twjxNz_QcA3mcuA7QkbRjmkCtghuXQlEcaZYZYvus52kvb5k1HTA6E6EkqdhNyUVUJ8Yr1VUA/s1600/Quinquela.03" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 270px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMTGKn_yd39iDIFfkTgk9EmxQBWFCGHq6bC_q-nXa86b_IRaRvT7XQCfbi5bCMX3xkL2twjxNz_QcA3mcuA7QkbRjmkCtghuXQlEcaZYZYvus52kvb5k1HTA6E6EkqdhNyUVUJ8Yr1VUA/s320/Quinquela.03" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5617489762378216994" /></a><div style="text-align: center;">Lámina 01</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Benito Quinquela Martín fue un niño huérfano nacido en Buenos Aires en 1890 y adoptado seis años más tarde por Manuel Chinchella y Justina Molina. Tuvo una breve instrucción académica formal, pues ya a los nueve años lo vemos trabajando de carbonero en el puerto. Posteriormente (1907) comenzó a estudiar arte y a partir de ese momento la pintura pasó a ser su eterna compañera.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Benito Quinquela no vino al mudo del arte para ser un representante más de la belleza formal ni para ser un idealista. Lo que él quería era mostrar a la gente de La Boca en ese diario y duro faenar, como en su caso con jornadas de trabajo hasta 1908 de más de ocho horas cargando bolsas de carbón que exedían los 70 kg. de peso, y lo consiguió de manera extraordinaria a través de excelentes composiciones donde la emoción plástica que nos transmite radica en la agresividad de colores empastados y enmarcados por esa incisiva línea con la que dibuja (lámina 01) y que nos transporta a una inquietante realidad de intenso dramatismo, donde siempre vemos prevalecer el sentimiento sobre el pensamiento.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">En cada cuadro de La Boca donde aparece el hombre, Benito suele representarlo mediante una extraña caligrafía que los hace parecer como seres que hormiguean entre puentes y aparejos, subordinados al color de los barcos surtos en el puerto, para lograr así acentuar más el dramatisco de la obra (lámina 02). En la pintura de Quinquela hay un incuestionable toque de realismo social (lámina 03) que siempre pienso se debe, entre otras, a la influencia que en él ejerció el Dr. Alfredo Palacios, abogado, diputado y senador argentino, para quien Quinquela fue durante una época una especie de activista político.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Tratar de ubicar a Quinquela dentro del naturalismo o el posimpresionismo, como en ocasiones se ha tratado de hacer, no me parece acertado, pues sólo basta detenerse brevemente y analizar algunas de sus obras para notar que el color, en muchas de sus producciones, tiende en espíritu a la clara expresión de un sentimiento más que servir a la identificación de un objeto conocido. En muchas de sus escenas portuarias además de observar en la línea del horizonte grandes chimeneas lanzar su humo al viento, como en una deliberada manera de bajar la intensidad del color, pues tal parece como si Benito no quisiera que los colores vibraran demasiado y por ello los oscurece para que así estén más en consonancia con aquello de que la vida del puerto es dura y el hollín lo empaña todo.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">La personalidad de Benito Quinquela Martín se presenta al análisis, lo mismo desde el punto de vista de lo que representó para la pintura de su época, como de la esencia expresiva de sus obras en el entramado social. Su concepto del arte y del lugar que corresponde al artista en la sociedad está indudablemente marcado por su personal experiencia de duro laborar como carbonero en “La Boca”.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Roberto J. Cayuso</span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-84004762794376588102011-05-30T19:23:00.000-07:002011-06-20T08:00:23.331-07:00Visiones del color (Pedro Avila Gendis)<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixQDudxFuAAsaEliopmkT4K17tTkmy8b0_T-afEpQE0jBHnfRvHEotHUrPXjGjpCFHWESWpKzaEEx5xJctVO1ifn7RZ6kUt7CgiJ75TALVAL_OwTn6GVr4DRUnhqMGTVlaFHZzdyo0bwY/s1600/180.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 193px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixQDudxFuAAsaEliopmkT4K17tTkmy8b0_T-afEpQE0jBHnfRvHEotHUrPXjGjpCFHWESWpKzaEEx5xJctVO1ifn7RZ6kUt7CgiJ75TALVAL_OwTn6GVr4DRUnhqMGTVlaFHZzdyo0bwY/s320/180.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5612702288306455170" /></a><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWIE_3j2yshmcItJ1zSagWXEnDpYGGs_J9CTi9_ay_x5tNHIgmC3oJCQOUter4jISaTYm1ZBzTaU9huiYUk2m-fJcIdUUgHl-j3PSRddEdkdVlD46mdCAzt6shjl45naJa97QBd6CWV9U/s1600/187.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 191px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWIE_3j2yshmcItJ1zSagWXEnDpYGGs_J9CTi9_ay_x5tNHIgmC3oJCQOUter4jISaTYm1ZBzTaU9huiYUk2m-fJcIdUUgHl-j3PSRddEdkdVlD46mdCAzt6shjl45naJa97QBd6CWV9U/s320/187.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5612701985378888834" /></a><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisY9yoeNceZmeI0lI3kyGi2Jx6fEisgtSv92PZGCqp6gGVPMi5nw-b1_oxFceKSH4amdP942asqt6ct4GMnYQqwWmkjAbf0I4I3bu1QC9S96n7yQwhtjPW-fsumqEp3Czsw92kH6ktCIU/s1600/Caja.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 227px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisY9yoeNceZmeI0lI3kyGi2Jx6fEisgtSv92PZGCqp6gGVPMi5nw-b1_oxFceKSH4amdP942asqt6ct4GMnYQqwWmkjAbf0I4I3bu1QC9S96n7yQwhtjPW-fsumqEp3Czsw92kH6ktCIU/s320/Caja.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5612700297963935426" /></a><br /><div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">El sentido del orden, la combinación de planos y transparencias, el expresarse por las manchas y hacer del color un estallido de la personalidad, ha sido norma pictórica en artífices de distintas regiones y naturalezas. Pedro Avila (Camaguey, 1959) se inscribe en ese tipo de pintores.</span></div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Como lanzado al ruedo de la pintura que quiere agradar, produce visiones eclécticas que de alguna manera tienden un puente entre la gestualidad abstracta y el espacio de seguimiento fauve que no ha dejado de estar presente en los realizadores contemporáneos. Posiblemente bajo la influencia ocular del colorido paisajístico cubano, nos entrega ahora una lluvia de pinceladas, gestos y diseños, que quieren golpearnos con la furia de las tonalidades, y esa luz que sabe ubicar en el lugar preciso dentro del cuadro...</span></div></div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Visiones del color es un documental dedicado al artista Pedro Avila donde se recogen, en sus doce minutos de duración, críticas y comentarios de valiosos especialistas así como algunas de sus más recientes obras. Art Works Productions, tiene el placer de presentar al gran público este trabajo documental -bilingue- en inglés y español de uno de los más importantes exponentes del expresionismo abstracto en la actualidad y poseedor de numerosas exposiciones, premios y distinciones en diferentes partes del orbe.</span></i></div><div style="text-align: justify;"><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></i></div><div style="text-align: justify;"><i><b><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;"> <span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">Producción y dirección de Roberto J. Cayuso </span></span></span></b></i></div><div style="text-align: justify;"><i><b><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><br /></span></span></span></b></i></div><div style="text-align: justify;"><i><b><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">www.youtube.com/watch?v=0e1UFI7XlI4</span></span></span></b></i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-50168855256702297102011-04-17T19:52:00.000-07:002011-04-22T23:46:04.674-07:00El Neoclásico<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJt1_rcSvue7h9kc8zfINLFRywso_T9aLICUGaOcsA5R9Yho6Tru7qXF8LU2wo_vZ5vAyCpxYragHOvutUz6kvOHR1iWGuJwFCHjvHPityLGcMlMUnOsFQbGZBEjSX5zx4pJPew98RE-w/s1600/48-jacques-louis-david_the-death-of-marat.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 251px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJt1_rcSvue7h9kc8zfINLFRywso_T9aLICUGaOcsA5R9Yho6Tru7qXF8LU2wo_vZ5vAyCpxYragHOvutUz6kvOHR1iWGuJwFCHjvHPityLGcMlMUnOsFQbGZBEjSX5zx4pJPew98RE-w/s320/48-jacques-louis-david_the-death-of-marat.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5596752109490730930" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">"Muerte de Marat" por Jacques-Louis David</span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><br /></span></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjE3J8dYBoJTuxH43xlK_yc2_UJsNaTpbGJ8KsgGVYyi9Nw9mgJhgTJ56T-coJwJZbTzpLgzVsJmXa82FF1qM8Ff8VWRd_5Td4hdsthRjjacTSVAVoJVawLq_C6nB1vRzHVuxIwr3oFB2M/s1600/47-Retrato+de+Mme.+Recamier" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 206px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjE3J8dYBoJTuxH43xlK_yc2_UJsNaTpbGJ8KsgGVYyi9Nw9mgJhgTJ56T-coJwJZbTzpLgzVsJmXa82FF1qM8Ff8VWRd_5Td4hdsthRjjacTSVAVoJVawLq_C6nB1vRzHVuxIwr3oFB2M/s320/47-Retrato+de+Mme.+Recamier" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5596751903471445442" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">"Retrato de Mme. Recamier" por Jacques-Louis David</span><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"> </span></div><div style="text-align: left;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:180%;color:#CC6600;"><span class="Apple-style-span" style=" line-height: 25px;font-size:18px;"><br /></span></span></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCtFMW58kgfZtm6If5Gh7OpnYAdMkPH-ZlY6Zs2XHX_tKsdh6Hq77Sqq0d4JkAlNumaB4Ndat9JVyknU0JQuft8x-Sc1Ci6hQgM0FXg6Ca4EW9f6VCg4BROqBr68BVUq8TKy1H1EuCxMU/s1600/45-Grande+Odalisque.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 186px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCtFMW58kgfZtm6If5Gh7OpnYAdMkPH-ZlY6Zs2XHX_tKsdh6Hq77Sqq0d4JkAlNumaB4Ndat9JVyknU0JQuft8x-Sc1Ci6hQgM0FXg6Ca4EW9f6VCg4BROqBr68BVUq8TKy1H1EuCxMU/s320/45-Grande+Odalisque.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5596751653265486146" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style=" color: rgb(27, 4, 49); font-family:Georgia, 'Times New Roman', sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">“Grande Odalisque” por Jean-Dominique Ingres </span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style=" color: rgb(27, 4, 49); font-family:Georgia, 'Times New Roman', sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><br /></span></span></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtKuVRrBXWQpoXjg33gf3Br5s60Lli7qccfweItUYoo_0mGmeGQb_DYI-4o-JfhVfFFCV6Z5Zo_hyphenhyphenuBQE1r2UPGzN0ceM5rhmzB8-l9uGVEeWMhPnsmbL6KYUQY48qyIgbvTllpmS1Cks/s1600/46-El+juramento+de+los+Horacios..jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 248px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtKuVRrBXWQpoXjg33gf3Br5s60Lli7qccfweItUYoo_0mGmeGQb_DYI-4o-JfhVfFFCV6Z5Zo_hyphenhyphenuBQE1r2UPGzN0ceM5rhmzB8-l9uGVEeWMhPnsmbL6KYUQY48qyIgbvTllpmS1Cks/s320/46-El+juramento+de+los+Horacios..jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5596751503412464482" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">"El juramento de los Horacios" por Jacques-Louis David </span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"> </div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Para entender lo que representó el neoclásico en la pintura tenemos que verlo como una especie de retorno a los ideales clásicos; un movimiento estético que en un principio muchos consideraron como un estilo “frío e imitativo de los modelos de Grecia y Roma”, mientras por otra parte tenía mucho de reacción ante los excesos del tema mundano o cortesano que caracterizó al movimiento rococo, última fase del barroco y antecedente inmediato del neoclásico.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Se ha repetido de manera incesante que “al no disponer de modelos de pintura clásica los artistas neoclásicos se basaron en la esculturas clásicas para la realización de sus obras, a las que posteriormente aplicaban un color convencional o simplemente dejaban sin color”. Definitivamente la vida suele ser más complicada y ayer igual que hoy la mayoría de los amantes de las artes han sido y son lo suficientemente profundos como para aceptar una explicación tan difundida como simplista, que sólo ha logrado añadir confusíon a uno de los períodos más importantes en la historia del arte.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Cualquier espectador situado ante la “Grande Odalisque” del pintor francés Jean-Dominique Ingres (1780-1867), no verá nada semejante al frío mármol escultórico, pues por el contrario va a maravillarse al ver como el artista supo sacar partido a líneas y colores para crear la belleza de un desnudo de turgentes y palpitantes carnes que invitan a ser tocadas. Por otro lado como alguién puede referirse de la pintura el Juramento de los Horacios de David como “la aplicación de un color convencional.” De esta obra, y sin entrar en un análisis profundo, hay dos aspectos claves que no queremos dejar de señalar; el primero tiene que ver en como David balancea la luz de ambos grupos laterales para resaltar la figura central que porta tres espadas y viste una túnica roja que surcada de pliegues establece un espectacular juego de luz y sombras sobre un fondo que casi al perderse en el negro crea un ambiente de dramático heroismo y acentuada tridimensionalidad.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Y para aquellos que dicen que los artistas neoclásicos “al no disponer de modelos de pintura clásica se basaron en las esculturas del período clásico para la realización de sus obras”. Nada más lejos de la verdad resulta esta afirmación, pues lo que en muchas ocasiones hicieron fue desarrollar sus obras en base a viejas leyendas históricas o la propia mitología griega o romana. Tomando como ejemplo el cuadro que nos ocupa -El Juramento de los Horacios- del cual se conoce que su autor, Jacques-Louis David (1748-1825) tomó este episodio del historiador romano Livy, para exaltar los ideales republicanos de la Francia de finales del siglo XVIII.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">La pintura neoclásica posee algunas características de estilo y formas que las hacen facilmente reconocibles. Una de ellas es aquella donde se resaltan las virtudes patrióticas o ciudadanas en los temas representados (ver Muerte de Marat por David). La simple y serena belleza de algunos personajes como en el caso del retrato de Mme. Recamier, es otra de las características de una escuela que por sobre todo se destacó por la representación de temas de sobria y austera moralidad. </span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto J. Cayuso </span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-69472376104803758252011-04-10T20:43:00.001-07:002011-04-10T22:18:28.398-07:00La vanguardia<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj16gikwbK1lvjA1KUI3joXsKwsUDlaqdUlbjSFymf3EEX8JV3I4uvGRaxPDx90zjEDPlv3tj0eMMo4-erPrif6c1fjlkocydrLH447oUKExK-y7SCN9GRQ2P_xspXWLy3zpCq17pXF4B4/s1600/cover.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 368px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj16gikwbK1lvjA1KUI3joXsKwsUDlaqdUlbjSFymf3EEX8JV3I4uvGRaxPDx90zjEDPlv3tj0eMMo4-erPrif6c1fjlkocydrLH447oUKExK-y7SCN9GRQ2P_xspXWLy3zpCq17pXF4B4/s400/cover.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5594171646418920802" /></a><br /><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Sin entrar a considerar las condiciones socio-políticas que produjeron la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y que en no poca medida influyeron en el nacimiento y posterior desarrollo de la más grande revolución plástica de todos los tiempos que va a cambiar para siempre la forma de hacer y entender un nuevo arte que tenía su antecedente inmediato con los post-impresionistas y otros artistas anteriores que de manera aislada, a través de sus trabajos, fueron decisivos en la nueva formulación de colores y contenidos que los van a colocar como precursores de ese nuevo arte que ha de traer consigo el siglo XX. En este nuevo siglo del cual muchos fuimos testigos de la mayor revolución estética nunca antes vista y en donde serán desmontados siglos de una manera de hacer arte y que trajo como consecuencia la mayor revolución estética de la historia cuyo sello distintivo será el progresivo abandono de un arte imitativo para dar paso a una expresión nacida de la emoción y el sentimiento.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">La exposición universal de París de 1900, que duró desde el 15 de abril al 12 de noviembre fue el punto de arranque para que esta ciudad se convirtiera en el centro de diversos movimientos artísticos que iban a dominar el escenario plástico durante casi medio siglo. Aquí tuvieron su desarrollo la mayoría de las nuevas corrientes plásticas y aquí también se les dio acogida a numerosos artistas, que además fueron apoyados para expresarse y exponer sus obras sin ningún tipo de limitaciones, en una ciudad, donde está documentado que en los primeros cincuenta años del siglo XX existieron unas 130 galerías en las que expusieron unos 60,000 artistas </span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Conscientes de formar parte de una revolución artística en la que se encontraban algunos de los más notables creadores del momento, muchos de estos artistas trabajaron en grupos de mayor o menor extensión y así contribuyeron al desarrollo de nuevas formas de sentir y hacer un arte en el que los más variados estilos van a sucederse con una velocidad nunca antes vista en la historia del arte.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">En 1905 nació oficialmente en Paris el fauvismo, en el Salón de Otoño y al año siguiente alcanzó su punto culminante en el Salón de los Independientes, iniciándose así una nueva forma de hacer que fue decisiva en el posterior desarrollo de la pintura y el arte en general del siglo XX y que es justamente el punto de partida de lo que hoy conocemos como el arte contemporáneo.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Con los fauves y su particular uso del color, nunca antes visto, comenzaron los mayores cambios en la expresión de una nueva y hasta ahora desconocida belleza que va a exigir a los espectadores un cambio de actitud ante las nuevas creaciones. </span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto Cayuso</span></div><div><br /></div><div><br /></div><div><br /></div><div><br /></div><div><br /></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-84459748141644697792011-03-14T21:46:00.000-07:002011-03-21T12:05:07.521-07:00El desnudo<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsRQw2g6hDLag1BC7DxtMJWm4MVUdNSypg_GewhTU5jbGKsUJ8CXiqcGVn3v-xDNFA4oNvZ1OgDp525YcdJnrR-5Fleax_JxWFfOb5TAhdwiNsQosH2NFDmcZmOFs6SqrnNeu4A5jokvg/s1600/46-01-02.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 246px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsRQw2g6hDLag1BC7DxtMJWm4MVUdNSypg_GewhTU5jbGKsUJ8CXiqcGVn3v-xDNFA4oNvZ1OgDp525YcdJnrR-5Fleax_JxWFfOb5TAhdwiNsQosH2NFDmcZmOFs6SqrnNeu4A5jokvg/s320/46-01-02.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5584164586185814738" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;">01-La Venus de Willendorf (Paleolítico Superior) 02-El Fauno Barberini (Helénico Griego)</span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;"><br /></span></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguJSDTcUNSTyXVqz7kzFRltJvWlN1-HddMMt5UqYUJwHtHV3gEju-Lu8stuA_GdbCTQVonfBJLgNpTa9JMhyHDAE0ob3dyOBJ9UOlGLgOH2lLauIjf1sLXefFbhoTRrfGCuX3qW7ABEbA/s1600/47-03-04+copy.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 108px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguJSDTcUNSTyXVqz7kzFRltJvWlN1-HddMMt5UqYUJwHtHV3gEju-Lu8stuA_GdbCTQVonfBJLgNpTa9JMhyHDAE0ob3dyOBJ9UOlGLgOH2lLauIjf1sLXefFbhoTRrfGCuX3qW7ABEbA/s320/47-03-04+copy.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5584164470139010706" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style=" line-height: 15px; font-family:sans-serif;"><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;">03-Patroclo</span></i><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;">, por </span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Jacques-Louis_David" style="text-decoration: none; background-image: none; background-attachment: initial; background-origin: initial; background-clip: initial; background-color: initial; "><span class="Apple-style-span" style="color:#000000;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;">Jacques-Louis David</span></span></a><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;"> (</span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1780" style="text-decoration: none; background-image: none; background-attachment: initial; background-origin: initial; background-clip: initial; background-color: initial; "><span class="Apple-style-span" style="color:#000000;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;">1780</span></span></a><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;">). 04-La Maja Desnuda por Goya</span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style=" line-height: 15px; font-family:sans-serif;font-size:11px;"><br /></span></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIyCitnfQC7GR8pYPQkejoTV_mKCJzwsNOtlT1IhP2mpJFTdDLfU2FTwK5Gm_be3Bp0JEYCgWxI3kiqisv0AdkHBGxg2xzpTeIryR-EPzn_cQoMDGVf-NOsmWOHNyeGYt-CnRT0z0lASk/s1600/48-5+y+6"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 213px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIyCitnfQC7GR8pYPQkejoTV_mKCJzwsNOtlT1IhP2mpJFTdDLfU2FTwK5Gm_be3Bp0JEYCgWxI3kiqisv0AdkHBGxg2xzpTeIryR-EPzn_cQoMDGVf-NOsmWOHNyeGYt-CnRT0z0lASk/s320/48-5+y+6" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5584164253744297234" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:x-small;">05-"Desnudo sentado" por Pablo Picasso 06-"Desnudo en verde" por Pablo Hernández</span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Dentro de los grandes temas de la pintura universal, a través de los tiempos, el desnudo ha jugado un importante papel. Lo vemos como tema central en el más recatado desnudo de la pintura religiosa o en el más atrevido tema erótico de nuestros días. A la manera clásica o a veces estilizados hasta la deformación, se nos presentan los desnudos plenos de líneas curvas a las que se refirió Raymond Bayer: </span><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">“como las que mejor aceptan nuestros ojos por ser la que más facilmente se adapta a nuestra visión”</span></i><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">. De cualquier manera y más allá de que se trate de desnudos femeninos o masculinos éstos han ejercido en nosotros una atracción a menudo tan difícil de entender como de explicar y eso es lo que hoy vamos a explorar, pero antes de entrar en materia siento la necesidad de recordar que en algunas culturas el simbolismo del desnudo se desarrolla en dos direcciones: </span><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">“La de la pureza fisica, moral, intelectual y espiritual, en ocasiones de carácter mágico o religioso, y por otro lado la de la vanidad lasciva, provocante, que desarma al espíritu en beneficio de la materia y de los sentidos”</span></i><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"> y de la que no nos ocuparemos en este estudio por rebasar los marcos de este análisis estético. </span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Para comenzar este breve recuento del desnudo se hace obligatorio comenzar con aquellas pequeñas estatuillas que representan desnudos femeninos de formas plenas y estilizadas hasta la deformidad (lámina 01), ejecutados hace miles de años, por verdaderos artistas del paleolítico superior, con fines rituales de fertilidad para algunos especialistas, mientras que para otros -los menos- eran hechos como el máximo exponente del ideal de belleza prehistórico. En cualquier caso lo incuestionable es que en tan temprana época de la humanidad la idea de plasmar el desnudo ya era un hecho.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Dando un gran salto en la historia entramos en el arte Helénico Griego y vemos en el mismo al Fauno Barberini (lámina 02), muchos siglos después, y nos percatamos que el interés por la representación del desnudo no ha decaído, aunque sí han variado las formas y maneras de abordar el tema. En este caso el denudo del fauno es el pretexto usado por el artista para mostrarnos a través del más fino cincelado de mármol de Pérgamo, la figura desnuda del sátiro Barberini mientras descansa en displicente actitud.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Con posterioridad y andando a grandes zancadas por la historia del arte que en esencia viene a ser como la parte gráfica de la historia de los pueblos y sus culturas, nos topamos con dos desnudos diferentes (lámina 03 y 04), pero ambos de impecable factura realista que nos muestran que el desnudo en las artes no sólo no se detuvo, sino que ha ido evolucionando paralelo a las nuevas formas de hacer y ver el arte y que siempre ha ejercido sobre creadores y espectadores una extraña fascinación que no ha dejado de perder actualidad por estilizada, deformada o fragmentada que nos parezca (ver lámina 05 y 06), pues el arte en lo general y el desnudo en particular van a seguir teniendo las formas más disímiles de manifestarse y todas serán válidas en esa eterna búsqueda de la belleza. </span></div><div><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto J. Cayuso</span></div><div><br /></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-89138543133411415052011-02-28T19:22:00.000-08:002011-02-28T19:45:11.914-08:00"El instante" por André Masson<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWOaYVb0v6V9PSBDK_0T93q5-HuOf0dOCEAZlOBbnD_gJHDi9N4HRe6RU1i3TiJ_G05MgZ_PnL15zVIK5oElfQiWoHVxJTbclEFoY9SVSzyvTSqPal0BvCHpyHssO3QxvemAk_c5zrOm4/s1600/66-Andre+Mason+.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 214px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWOaYVb0v6V9PSBDK_0T93q5-HuOf0dOCEAZlOBbnD_gJHDi9N4HRe6RU1i3TiJ_G05MgZ_PnL15zVIK5oElfQiWoHVxJTbclEFoY9SVSzyvTSqPal0BvCHpyHssO3QxvemAk_c5zrOm4/s320/66-Andre+Mason+.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5578951750784190082" /></a><div style="text-align: center;">André Masson (1896-1987)</div><div style="text-align: center;"><br /></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKLwaHi6AYCGK4peZo268UcZKyjPPNb-8D0Ukcy3uOzHgbD6Lr05sUarP9BvaIxojj4CekWUC6x-zyeZW9RST8sIjJ6IdmCr_yqfHQPL4sTmVvmVzBPeQMUWMP2j3aKvVJNP1G3I9tGiE/s1600/Picture+1.png"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 240px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKLwaHi6AYCGK4peZo268UcZKyjPPNb-8D0Ukcy3uOzHgbD6Lr05sUarP9BvaIxojj4CekWUC6x-zyeZW9RST8sIjJ6IdmCr_yqfHQPL4sTmVvmVzBPeQMUWMP2j3aKvVJNP1G3I9tGiE/s320/Picture+1.png" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5578949620936825266" /></a><div style="text-align: center;">"Slays", 1931 por André Masson</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Por un momento contemplemos cómo se comporta la naturaleza; persuadirse de aquello que da esencialmente señales de vida: el aire y la luz.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Contentarse con comunicar a través de un aspecto de las cosas; este aspecto sería el más tenue, el más fugitivo.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Abandonar la ideografía, renunciar al espacio lineal y refugiarse en el espacio aéreo: esto sería penetrar instantáneamente en otro mundo.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">La tendencia por lo primitivo introdujo el diseño en la obra pictórica y se manifiesta por la limitación del contorno que separa un objeto de otro, la luz real -la viva- no es de una parcialidad tan abusiva.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Disuelve las arquitecturas; prescinde de toda macicez.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">La luz, decía un pintor de antaño, es como el agua; toma bien o mal su curso y al instante recobra su nivel.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><i>Pequeña historia de la luz pictórica</i>. En la pintura verdaderamente primitiva, dedicada a fines didácticos o teológicos, el contorno es primordial, es decir el signo; el color es secundario, interviene en forma expresiva o simbólica; la luz es abstracta.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Por lo tanto, en la medida que el arte de la pintura se emancipa, y se transforma en expresión lírica -e individual- la luz se impone amorosamente. La luz es una consecuencia, exquisita o patética.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Pintar es hacer aparecer, sobre una superficie vacía, las formas; más es menester sugerirlas por la luz, en vez de precisarlas con las líneas. Este empeño - el de la emancipación pictórica- es el más generoso y desarrollado (tengamos en cuenta la excelencia de aquellos que se lo propusieron); ha dado gloria a la pintura de caballete, y ésta sigue siendo, en Occidente, la forma en que se ha manifestado la gran pintura...</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">André Masson</span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-44446254385710278542011-02-14T22:47:00.000-08:002011-02-15T06:33:11.645-08:00El impresionismo del pintor venezolano Emilio Boggio<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg50s6bvrllpwQGCwgvdAZ90D7VHFWosV_YebtTLbktBNlEss3CyWr8OgYeyHnLAMpIGgoPsnDpNt6nLtI920fdizxCEiTNnjOuoHrMrGbAqCBr_J4FAbEyyrir6bxNewsW9luLOdFWGQM/s1600/Atardecer"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 298px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg50s6bvrllpwQGCwgvdAZ90D7VHFWosV_YebtTLbktBNlEss3CyWr8OgYeyHnLAMpIGgoPsnDpNt6nLtI920fdizxCEiTNnjOuoHrMrGbAqCBr_J4FAbEyyrir6bxNewsW9luLOdFWGQM/s400/Atardecer" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5573809822493151538" /></a><div style="text-align: center;">03- Atardecer</div><div style="text-align: center;"><br /></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkoODcce7gSWRnM3gYlq9lc8fuMuAaUXTvSCiO6med49Ck8wdtQt2lqgSu0siRFCEsbjnXm5LS8_E_dTn4yuFtTKzW_yB3BTmRFc7UK5Oxh8irllEF_o5oX2Wc1wgrHd-NepfEimPmgh8/s1600/Fin+de+jornada%252C+1912.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 379px; height: 304px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkoODcce7gSWRnM3gYlq9lc8fuMuAaUXTvSCiO6med49Ck8wdtQt2lqgSu0siRFCEsbjnXm5LS8_E_dTn4yuFtTKzW_yB3BTmRFc7UK5Oxh8irllEF_o5oX2Wc1wgrHd-NepfEimPmgh8/s400/Fin+de+jornada%252C+1912.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5573808684411458578" /></a><div style="text-align: center;">02- Fin de jornada</div><div style="text-align: center;"><br /></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXduJ3o_2E0EsazXdGJTV-F4zXQemgeg8ctr2f3jzNKSENoJJtxhmY3Ryp2K88Z_SOK8O-PdOZnYm8r8LsX4sWGWa5_c88-Y_Bq-a00bzmTek0rsmmaa6KKNU6XcU880T9HAH_V03vhEE/s1600/Le+moulin+de+Perigny.jpeg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 257px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXduJ3o_2E0EsazXdGJTV-F4zXQemgeg8ctr2f3jzNKSENoJJtxhmY3Ryp2K88Z_SOK8O-PdOZnYm8r8LsX4sWGWa5_c88-Y_Bq-a00bzmTek0rsmmaa6KKNU6XcU880T9HAH_V03vhEE/s400/Le+moulin+de+Perigny.jpeg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5573807331077176082" /></a><div style="text-align: center;">01- Le moulin de Perigny</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Emilio Boggio (1857-1920). Es uno de los pintores venezolanos más importantes de todos los tiempos y su nombre y obras han trascendido las fronteras nacionales para convertirse en patrimonio de la humanidad. Se trasladó a París, en compañia de sus padres, a la edad de siete años (1864) y realizó estudios académicos regulares hasta 1873, año en el que regresa a Venezuela donde permanecerá hasta 1877. Luego retorna nuevamente a París para comenzar estudios formales de arte en la academia Julian. Algún tiempo después empieza a recibir honores en formas de premios y distinciones de todo tipo por su actividad pictórica. En 1888 gana una “Mención de Honor” en el “Salón de Artistas Franceses” y al año siguiente (1889) logra una medalla de bronce en la “Exposición Universal de París”, mientras que en 1899 fue igualmente premiado en el “Salón de Artistas Franceses”. Hasta aquí todos estos premios fueron ganados en “Salones Oficiales”, o lo que es igual: fueron premios académicos otorgados a trabajos dentro de los cánones estéticos de la academia. Algo que no iba a durar mucho más tiempo.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">En 1900 y en ocasión de la exposición retrospectiva “Cien años de la pintura francesa”, fue que Emilio Boggio conoció a Claude Monet (1840-1926) y Camille Pisarro (1830-1903), dos de los más importantes artistas impresionistas y ambos figuras claves de dicho movimiento. Este encuentro va a ser decisivo en el posterior desarrollo plástico de Boggio, que se va a apartar definitivamente de la rigidez del modelo académico y su detalle minucioso para comenzar a hacer una pintura más suelta al aire libre, llena de color-luz y más centrada en los efectos de la luz natural sobre los objetos que pueblan los temas de nuestra vida cotidiana y que se llamó “impresionismo” </span><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">(lámina 01)</span><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">. Este fue su punto de partida para las nuevas corrientes estéticas que muy pronto van a constituir el llamado arte contemporáneo y en las que va a estar presente.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Tras años de dedicación a la pintura impresionista y cuando aún este estilo disfrutaba de plena actualidad, vemos en Emilio Boggio operarse una segunda evolución -recordemos que la primera fue de la academia al impresionismo- que lo llevó a incursionar en el postimpresionismo, el estilo de sus contemporáneos Georges Seurat (1859-1891) y Paul Signac (1863-1951).</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Desde esta nueva perspectiva plástica pintó obras del llamado “puntillismo” o “divisionismo”, de las que hoy se conservan algunas (ver lámina #02 ). Posteriormente va a pintar algunos cuadros que por su modernismo van a estar muy próximos a la abstracción, aunque esta no fuera su intención (ver lámina #03). En el caso de Boggio no puede aducirse lo mismo que con Monet, donde muchos especialistas aseveran que toda esa aventura plástica, decididamente abstracta de Monet en el estanque de su jardín en Giverny se debía a problemas visuales, pues hasta donde sabemos nunca se ha hablado de las “cataratas” de Emilio Boggio.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Por aquello de que “De buenas intenciones está empedrado el camino al infierno”, hemos leído muchas veces que Emilio Boggio fue pionero del impresionismo en Venezuela. Lo cual es cierto y no es tema a debate, pero el caso real es que con esa afirmación se está desconociendo que la labor de Emilio en Europa trascendió ampliamente los marcos de su frontera natal, pues fue grande entre los grandes; aunque en la actualidad, como con otros tantos creadores, permanecen en el lado oscuro del conocimiento público por falta de divulgación, pero no de genealidad.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto Cayuso</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><br /></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-25588351337356217792011-01-26T15:33:00.000-08:002011-01-26T16:07:44.844-08:00Emigración artística<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNfqHGYgRn5xQU5wjuIXHQzk3iicdF6TBBLYPGjq3lakNKDqneC3z-oBuAArML3ImGCLk0EioD767dXx3zhAu2NjZL5zeBOunexIXitAnUk05dIqva9xhh5zxU6RkgiR4vToQqwJu_aBo/s1600/MP830.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 259px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNfqHGYgRn5xQU5wjuIXHQzk3iicdF6TBBLYPGjq3lakNKDqneC3z-oBuAArML3ImGCLk0EioD767dXx3zhAu2NjZL5zeBOunexIXitAnUk05dIqva9xhh5zxU6RkgiR4vToQqwJu_aBo/s400/MP830.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5566650660244178274" /></a><br /><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Sabemos que todos los días hay artistas que se ven obligados a bracear con las dificultades que entre ellos apareja la búsqueda de la expresión, van a tierras extranjeras para ver en qué forma podrán resolver las exigencias del simple vivir, con el consecuente desarraigo y las esenciales dificultades con que tropieza el que se injerta en ajeno paisaje. No se trata de artistas hechos para las alegres soirees diplomáticas, o de los que viven en perennes nostalgia de paises de superior cultura, haciendo asco de cuantas preocupaciones por el arte o por la dignificación de la nación, han tocado a los mejores nuestros; sino, por el contrario, de aquellos que habían hecho de nuestras raíces nutricias, paisajes, hombres, objetos, el más firme conpromiso para que de ahí extrayese su obra, sus esencias y la evidencia o justificación de su hallazgo formal. Qué motivaba ese hecho monstruoso? Es decir, los afanosos en incorporarse un paisaje nuestro, que se ven obligados a trabajar en otro paisaje que percibirían como cosa prestada que los atraerá una estación para ver museos y espectáculos artísticos, pero que en lo profundo se mantendrá cerrado y banal frente a ese hombre de pasada en tierras ajenas. Porque pongamos las cosas en su sitio, no se trata del artista que en su adolescencia cierra sus valijas y va a anclarse en otro paisaje cultural, en momentos en que su sensibilidad necesita de esa dilatación. Sino todo lo contrario, quien está en momentos de apresar, de perseguir en sus variantes y laberintos una realidad, por no poder cumplir entre nosotros los más elementales modos del vivir cotidiano, de lo necesario perentorio, se ve condenado a un destierro infructuoso, a llevar su nostalgia por los museos de cera y a pasearse por paisajes que para él serán de alambre y de nieve forrada de algodón.</span>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-39400533038306214322011-01-09T17:29:00.000-08:002011-03-08T20:47:17.004-08:00La pintura cubana (segunda parte)<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVkmK-AtaIqQaL0fVGx5Xna_A6bR3m3tC1ZIPS-TQOnLuu7KooMRm8mfYOQ1HPF-CYg3w7uiSI8ymBc8awbfemnfOqq3bQeVwnjAuvWfuQY_-rVFf50g2aZzWncFybfQLr041zozwB2gs/s1600/Layout+.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 303px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVkmK-AtaIqQaL0fVGx5Xna_A6bR3m3tC1ZIPS-TQOnLuu7KooMRm8mfYOQ1HPF-CYg3w7uiSI8ymBc8awbfemnfOqq3bQeVwnjAuvWfuQY_-rVFf50g2aZzWncFybfQLr041zozwB2gs/s400/Layout+.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5560399278528468706" /></a><br /><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Es a partir de los <i>años 30’</i> que se inicia el gran auge de la pintura moderna cubana. Desde entonces empezó un aumento, nunca antes visto, de las mejores y cada vez más frecuentes exposiciones en Cuba y el extranjero. Todo este inusitado movimiento cultural corría a la par de la salida de nuevas revistas de arte, literatura y publicaciones de todo tipo que van a fomentar el interés por lo que en Cuba estaban haciendo sus más jóvenes creadores. Empezaron a surgir coleccionistas del <i>“arte nuevo”</i> como lo fueron <i>Bruno Gavica, Ramirez Corría, Luis de Soto, Lidia Cabrera</i> y otros tantos, que iban a contribuir a despertar, con sus acciones, no sólo a los <i>“oficiosos”</i> de la cultura cubana de su <i>“amodorramiento oficial”</i>; sino que van a lograr traer un inusitado interés por un arte que recién nacía.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Sin hablar de la <i>Primera exposición de arte nuevo, 1927 de la Revista de Avance</i> en la <i>Asociación de Pintores y Escultores de La Habana, Cub</i>a, de la que ya hicimos referencia en la primera parte de este artículo, al año siguiente (1928) se realizó la <i>Exposición Nacional de Bellas Artes y Décimotercer Salón Anual de Bellas Artes en el antiguo edificio del colegio de Belén en La Habana, Cuba.</i> En esta muestra se dieron cita artistas representantes de la <i>"vieja academia”</i> como lo fueron <i>Esteban Domenech, Enrique García Cabrera, Adriana Billini, Concha Ferrant, etc.</i> Mientras la corriente modernista estaba representada por figuras de la talla de <i>Víctor Manuel, Eduardo Abela, Antonio Gattorno</i> y otros que se iban a convertir pocos años después en verdadero estandartes del primer movimiento modernista cubano.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">A principios de la década de los 30’ (1935) se realiza La<i> I Exposición Nacional de Pintura y Escultura en el Colegio de Arquitectos de de La Habana, Cuba</i>. Donde se consolida, aún más lo <i>“nuevo”</i>. Aparecen creadores de la <i>“vanguardia” como Jorge Arche, Arístides Fernández, Felipe Orlando, Amelia Peláez, Ponce, Carlos Enríquez, René Portocarrero</i>, etc., junto a artistas representantes de la <i>“academia”</i> : <i>Emilio Rivero Merlín, Gumersindo Barea, Ramón Loy, Mariano Miguel</i>, etc. Cabe destacar, como dato curioso, que en esta muestra el salón de exposición se dividió en dos; en una parte estaba la pintura más “conservadora” mientras que en la otra se colocaron las obras de los llamados <i>“vanguardistas”</i>. Suceso que parecía sacado de ese viejo refrán popular que dice: <i>“Juntos, pero no revueltos”.</i></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">La realidadad es que con ésta exposición se inició el camino para otros<i> “Salones Nacionales”</i> donde serían premiadas obras y artistas”. Posteriormente se sucedieron <i>“Salones” </i>similares que, aunque no fueron realizados de manera consecutiva; sino con irregularidad sirvieron para premiar el talento joven e ir cohesionando un arte más espontáneo y a tono con lo que estaba sucediendo en la capital del arte, por ese entonces, París. Un arte ejecutado con formas y maneras europeas, pero realizado desde presupuestos nacionales como lo fueron el campo cubano y sus míticos personajes. Tenemos el caso del negro cubano con toda esa carga de sincretismo religioso que produjo y aún produce algunas de las más hermosas leyendas plásticas del arte cubano. Al campesino cubano lo vamos a ver desde una óptica mucho más a tono con la realidad, mientras que el paisaje que lo envuelve se va a tornar mas<i> <span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">“</span><span class="Apple-style-span" style=" font-style: normal; line-height: 19px; font-family:sans-serif;"><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">naïf</span></i></span><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">”</span></i> y transparente. La nueva manera de hacer arte está transformando el panorama plástico nacional. La arquitectura colonial, en la pintura de Amelia Peláez, se hizo línea y fluidez de color. La dura línea de piedra y el abigarrado barroquismo se tornaron tan suaves como el pliegue de un pañuelo de seda, mientras el color quedó atrapado entre vitrales y medio puntos para volverse el color de Cuba.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Así fue naciendo la pintura cubana, tan lenta como un largo bostezo americano fue su despertar tras el cual y luego de ingentes trabajos, incontables sacrificios y no menos frustraciones, fue naciendo un nuevo estilo, una nueva manera de hacer que la hizo diferente a otras y le dio fisonomía propia y un nombre: <i>La Escuela de La Habana.</i></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto Cayuso</span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-73012042449868088992010-12-27T19:12:00.000-08:002010-12-30T13:44:53.887-08:00La pintura cubana (primera parte)<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidGXY8CO06vgw9Clmn0N_oaMxP9Y4VOvePEAVvNx8tJLmWPVUy3v7G5fxQK2v5zHRZp8rAUhCOC0VT4Be1R0S1UjYbq3-2GB7ldFg23_OlirA9HKgJSL3uTG1GGED6Gv8njtAdNAZJJ2g/s1600/V%25C3%25ADctor+Manuel.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 333px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidGXY8CO06vgw9Clmn0N_oaMxP9Y4VOvePEAVvNx8tJLmWPVUy3v7G5fxQK2v5zHRZp8rAUhCOC0VT4Be1R0S1UjYbq3-2GB7ldFg23_OlirA9HKgJSL3uTG1GGED6Gv8njtAdNAZJJ2g/s400/V%25C3%25ADctor+Manuel.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5555576696715987298" /></a><div style="text-align: center;">Víctor Manuel (1897-1969) "Los novios"</div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEiNwob6bgtMSglbPzrZ1UeaB6iWaLGWdC5qzQKlru6OTtfM8H4s-1Pgsdo3Sjkf9uHX8HN72TX7dRK14lszrmX4y8-0oZB8WrZmCiMNDw14BPcHkhKUTwcyhCBsCyoZKRsmAjkUwRGSk/s1600/Landaluze.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 297px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEiNwob6bgtMSglbPzrZ1UeaB6iWaLGWdC5qzQKlru6OTtfM8H4s-1Pgsdo3Sjkf9uHX8HN72TX7dRK14lszrmX4y8-0oZB8WrZmCiMNDw14BPcHkhKUTwcyhCBsCyoZKRsmAjkUwRGSk/s400/Landaluze.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5555568649008908546" /></a><div style="text-align: center;">01-Vida y muerte de la mulata por Víctor Patricio Landaluze</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Hace casi un siglo que se inició el movimiento moderno en la pintura cubana. Movimiento que ha sido considerado por la mayoría de los especialistas como el período más importante y creativo de toda la plástica cubana. Anteriormente le antecedió un largo proceso de coloniaje español que duró casi cuatro siglos. Durante parte de esa época, desde el siglo XVI hasta finales del siglo XVII, fueron hechos algunos grabados de temas cubanos realizados por artistas europeos, muchos de los cuales jamás habían estado en Cuba. En las postrimerías del siglo XVIII surgen en el panorama nacional dos artistas nacidos en Cuba: Francisco Javier Baez (1746-1828) y Manuel Antonio Parra (1768-?), hijo de Nicanor Parra, que realizó los grabados para el libro de su padre sobre los peces en Cuba.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Posteriormente en el siglo XIX llegan a Cuba, atraídos por el desarrollo de la industria del tabaco y el movimiento gráfico que ello provocó, figuras como Hipólito Garneray (1787-1858), Federico Mialhe (1800-1868), Eduardo Laplante (1818) y James Gay Sawkins (1806-1879) entre otros.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">En la pintura específicamente podemos citar a artistas como José Perovani (1765-1835) y Juan Bautista Vermay </span>(1786-1833)<span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">, este último primer director de la Escuela San Alejandro, fundada en La ciudad de La Habana en 1828. En el propio siglo XIX llega de España el pintor Víctor Patricio Landaluze (1826-1889), interesado en los temas costumbristas sobre todo en el mundo de los esclavos negros. Además de pinturas hizó ilustraciones, caricaturas y las famosas marquillas para tabacos como la conocida serie “Vida y muerte de la mulata” </span><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">-ver ilustración 01-</span><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"> en las que colaboró Landaluze. </span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">De los primeros pintores nacidos en Cuba tenemos en el siglo XVIII y primera mitad del XIX a Nicolás de la Escalera (1734-1804), Juan del Río (1748-?), Tadeo Chirino (1717-1791) y Vicente Escobar (1762-1834). En la segunda mitad del s.XIX arriban a Cuba extranjeros como Eliab Metcalf, Henry Clenewerk (1818-1901) y Valentin Sanz Carta (1849-1896). Cubanos como los hermanos Chartrand, los Melero y los Menocal, constituyero verdaderas familias de pintores y otros como Guillermo Collazo, Armando Menocal, Leopoldo Romañach, etc., también fueron destacados artistas de la época que con sus trabajos ayudaron a cohesionar e ir dándole una fisonomía propia al incipiente movimiento plástico cubano.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Ya inaugurada la república en 1902, y entrando a fines de la década de los diez, la academia cubana comienza a perder su influencia en el quehacer artístico cubano sobre todo a partir de la renovación artística que en europa trajeron los impresionistas, postimpresionistas, fauvistas, cubistas y expresionistas y que tuvo gran repercusión en Cuba. Artistas formados dentro de la Escuela Nacional de Arte San Alejandro, de La Habana, como lo fue Víctor Manuel (1897-1969), que hacia 1917 empieza a apartarse de los estrechos cánones estéticos de la academia y comienza a hacer una pintura más moderna y espontánea. La caricatura y la ilustración gráfica jugaron un papel más de avanzada que la pintura. Rafael Blanco (1885-1955) hace obras de estilo expresionista a fines de la década de los diez, mientras Conrado Massaguer (1889-1956), hacía caricaturas muy modernas para la revista Social en la década de los veinte; pero no fue hasta 1927 con la Exposición de Arte Nuevo que presentó la Revista de Avance en 1927, que el arte moderno en Cuba se vistió de gala con la muestra de obras de Víctor Manuel, Eduardo Abela (1889-1965), Carlos Enríquez (1900-1957) y otros muchos que en ese momento formaban parte de lo mejor de la vanguardia cubana.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Fueron las revistas de Avance y posteriormente Orígenes dos de las más importantes publicaciones de la época y tuvieron un papel primordial en el movimiento cultural de entonces. Críticos como Guy Pérez Cisneros, Lezama Lima, Gómez Sicre, Jorge Mañach, Edmundo Desnoes, etc. realizaron una labor enorme dentro y fuera de Cuba para la difusión y valoración de la nueva pintura. </span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto J. Cayuso</span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-18169615195665444182010-12-13T20:16:00.000-08:002010-12-13T20:19:41.906-08:00El paisaje de Pedro Amador<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKPR7Dngzsi6MTc0u1edTetNPs7W2XTuN9DnxJjyMzzgtaEriD4J5qfPUGA9biKCRRWJJis-vHSHt8uRUrjIFQZ8BfwzNaivnbG1SN2AFvZ5kwY3Skq6hEN0nbPvenqLl0NwBzxV9g9lI/s1600/P.+Amador.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 304px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKPR7Dngzsi6MTc0u1edTetNPs7W2XTuN9DnxJjyMzzgtaEriD4J5qfPUGA9biKCRRWJJis-vHSHt8uRUrjIFQZ8BfwzNaivnbG1SN2AFvZ5kwY3Skq6hEN0nbPvenqLl0NwBzxV9g9lI/s400/P.+Amador.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5550387185978186466" /></a><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Tomando el entorno natural como punto de partida, Pedro Amador ha construído con múltiples recursos y gran energía un paisaje unitario que toma en cuenta cada detalle, por pequeño que sea, imprimiéndole un sentimiento íntimo a la vez que personal.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Guiado por la razón, pero sin aceptar limitaciones impuestas por el tema, se deja llevar en las alas de sus sueños hacia un universo de colores e imágenes que nos hablan de paisajes y donde manifiesta su gran sensibilidad presente en cada detalle y en cada línea donde sentimos vibrar su inspiración. En la representación de la pequeña hoja, en el tranquilo arroyo, o en la majestuosidad del mar siempre vamos a sentir una sensación de vida y frescor de orilla.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Pedro Amador es parte de esa nueva generación del paisajismo cubano, heredero de la vieja tradición de los hermanos Chartrand, Valentín Sanz Carta, Domingo Ramos y tantos otros que en su momento dieron lustre al paisaje cubano.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Pedro es, sin dudas, un talentoso creador y figura destacada en el mundo del paisaje. Sus inspiradas obras dejan en nosotros una huella perdurable producto del contacto con su arte magistral.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Roberto J. Cayuso</span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-4467537914071929362010-11-28T21:35:00.000-08:002011-01-17T11:23:16.234-08:00José Mijares: "El color sin fronteras"<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0ELa9mGOmA30Al_D9GdokbmOjRUS3tfsiD92HpgKe8c2vAYFizJ9RKUBTGn74FWyOV5tSrufVev24ywK-4zkvGriRqZpzZQrN87ibbDn930bU26VMoyVi3FcewSA12TdGuNkiN8weM54/s1600/Mijares"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 286px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0ELa9mGOmA30Al_D9GdokbmOjRUS3tfsiD92HpgKe8c2vAYFizJ9RKUBTGn74FWyOV5tSrufVev24ywK-4zkvGriRqZpzZQrN87ibbDn930bU26VMoyVi3FcewSA12TdGuNkiN8weM54/s400/Mijares" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5544844859780391938" /></a><br /><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style=" ;font-size:large;">Mijares es uno de los grandes de la pintura latinoamericana y un auténtico creador, dotado con un peculiar estilo con el que es capaz de reunir en un determinado orden líneas y colores. Creando un todo capaz de una existencia estética que trasciende el tema. En su pintura se aprecian elementos surrealistas en lo referente a la irracionalidad que nos muestra a través de seres, algunas veces inertes y descarnados, que en ocasiones de mezclan o convierten en caprichosas formas geométricas que evocan temas espaciales y donde la imaginación se recrea con lo inverosimil en su eterna busqueda de nuevas formas.</span></div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto J. Cayuso</span></div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">El color sin fronteras, es un documental que nos adentra en la órbita de Mijares. A través de él conocemos como transcurrió una parte de su existencia e inquietudes. Casi sentimos que somos llevados de su propia mano, mientras nos va narrando pasajes de su vida y de la época que le tocó vivir.</span></div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">Este documental fue dirigido por Willy Vázquez, mientras que la narración y la investigación histórica estuvo a cargo de Roberto Cayuso.</span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-86085211294898381902010-11-21T14:52:00.000-08:002010-12-31T00:16:39.355-08:00Realismo Socialista<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdTuHgXuVTk_ZxgJUbO67P3lYFuAtOgY1LasCCx7WEbB5-FDjnx3JKzlGsy4erMG6SyGPVZWknN_CP4G0skhX-1ji7brgfbjeKeU5D4yc0RHqksJQTJ5aDtK5A4KrQiLrK9yIMvazJwII/s1600/05-Hitler+y+Lenin.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 94px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdTuHgXuVTk_ZxgJUbO67P3lYFuAtOgY1LasCCx7WEbB5-FDjnx3JKzlGsy4erMG6SyGPVZWknN_CP4G0skhX-1ji7brgfbjeKeU5D4yc0RHqksJQTJ5aDtK5A4KrQiLrK9yIMvazJwII/s320/05-Hitler+y+Lenin.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5542140947306874338" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">05-Hitler y Lenin (pinturas)</span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><br /></span></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhm4wWIuWtlyCNpqsZYDL3Ade84RR5IQqFTW5neEqP1kMrFokORmxEAwQUGMkqyPho8VHWJILa3_WS8T6o7gv6L_Mxw-FEWckBihGpY0rkYjwCHY3wyg6FEuP92_kCFTnmiB0mvDabk7VQ/s1600/04-Hitler+%2526+Stalin.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 218px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhm4wWIuWtlyCNpqsZYDL3Ade84RR5IQqFTW5neEqP1kMrFokORmxEAwQUGMkqyPho8VHWJILa3_WS8T6o7gv6L_Mxw-FEWckBihGpY0rkYjwCHY3wyg6FEuP92_kCFTnmiB0mvDabk7VQ/s320/04-Hitler+%2526+Stalin.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5542140756346154754" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">04-Carteles propagandísticos de Alemania y Rusia durante la Segunda Guerra Mundial en los que aparecen Hitler y Stalin</span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><br /></span></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUhWh7Wb40MHBJMLfb6eyb87szzGGWcooJM96ciISOJS4yX7hv-fWETuMpBybQCoTuONlbnFpOcwbiECmzfmg0YD4KjuAveVkxrXokCwaySOfNMgcjHwS2WQCkv_C3oOZDnYBguvu7zZk/s1600/03-La+defensa+de+Sebastopol.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 162px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUhWh7Wb40MHBJMLfb6eyb87szzGGWcooJM96ciISOJS4yX7hv-fWETuMpBybQCoTuONlbnFpOcwbiECmzfmg0YD4KjuAveVkxrXokCwaySOfNMgcjHwS2WQCkv_C3oOZDnYBguvu7zZk/s320/03-La+defensa+de+Sebastopol.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5542140630155948530" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">03-La defensa de Sebastopol por Alexander Deineka</span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><br /></span></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijAU9XPtBvwXuJswXGqPTrIAg62nq0biTg-n7m5eTTPTHbe1-QaZDZu7fyLuTo21zBxItf03ZwXQaS43JmiXyG6TmxPi_Y9RniQmvplorK0Ky7C8wQw1gDZM74nOUnNMmbRi1XJc32F3w/s1600/02-Lenin+has+many+fellows-leaders%252C+1927.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 185px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijAU9XPtBvwXuJswXGqPTrIAg62nq0biTg-n7m5eTTPTHbe1-QaZDZu7fyLuTo21zBxItf03ZwXQaS43JmiXyG6TmxPi_Y9RniQmvplorK0Ky7C8wQw1gDZM74nOUnNMmbRi1XJc32F3w/s320/02-Lenin+has+many+fellows-leaders%252C+1927.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5542140482596471778" /></a><div style="text-align: center;"><p style="margin: 0.0px 0.0px 0.0px 0.0px; font: 12.0px Lucida Grande">02-Lenin y sus seguidoress, 1927</p><p style="margin: 0.0px 0.0px 0.0px 0.0px; font: 12.0px Lucida Grande"><br /></p></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIAqU09duIZScgFxz5O_WycCjW2ytT6oKAn6PSYhftGnJHiVwgaybKTj5SH03LwvktVJ7z8qIWdrE_l0nrOttTCy-Wh_oDwRqN_BpbvHKhhYYi0UBAk1TF9krFNbJuZsyivjwsWEbIOXE/s1600/01-L%25C3%25A1mina+.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 125px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIAqU09duIZScgFxz5O_WycCjW2ytT6oKAn6PSYhftGnJHiVwgaybKTj5SH03LwvktVJ7z8qIWdrE_l0nrOttTCy-Wh_oDwRqN_BpbvHKhhYYi0UBAk1TF9krFNbJuZsyivjwsWEbIOXE/s400/01-L%25C3%25A1mina+.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5542140300718466642" /></a><span class="Apple-style-span" style=" line-height: 18px; font-family:Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif;"><strong style="margin-top: 0px; margin-right: 0px; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; padding-top: 0px; padding-right: 0px; padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; "><span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">01-Los picapedreros (1848)</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"> </span></strong><span style="margin-top: 0px; margin-right: 0px; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; padding-top: 0px; padding-right: 0px; padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; "><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">de</span></span><strong style="margin-top: 0px; margin-right: 0px; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; padding-top: 0px; padding-right: 0px; padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; "><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"> </span></strong><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">Gustavo Courbet.--Mujeres planchando por</span></span><span class="Apple-style-span" style=" line-height: 18px; font-family:Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"> Degas.--</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family:Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style=" margin-top: 0px; margin-right: 0px; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; padding-top: 0px; padding-right: 0px; padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; border-top-width: 0px; border-right-width: 0px; border-bottom-width: 0px; border-left-width: 0px; border-style: initial; border- vertical-align: baseline; font-family:Arial, Helvetica, sans-serif;color:initial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">Las recogedoras por Millet</span></span></span><div><span class="Apple-style-span" style="font-family:Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif;font-size:100%;"><span class="Apple-style-span" style=" line-height: 18px;font-size:13px;"><br /></span></span><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Los orígenes del <i>“Realismo Socialista”</i> se encuentran en el <i>“Realismo”</i>, un movimiento artístico que tuvo su desarrollo a finales de la primera mitad del siglo XIX y que muy bien definió el crítico de arte Castagnary como<i> “un arte que es la expresión de la vida bajo todos sus modos y en todos sus grados”</i> y en el que se prescinde de todo intento de modificación tendiente al embellecimiento del tema y, por el contrario, son tratados asuntos de la vida diaria en los que destacan trabajadores, obreros y campesinos. </span><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">(ver ilustración 01)</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">El “Realismo Socialista, aunque lo vemos durante la Rusia stalinista e incluso antes, desde el triunfo de la <i>“Revolución de Octubre”</i> (1917) </span><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">-ver ilustración 02-</span><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">, no fue hasta principios de los años ‘30 que se impuso como un estilo muchas veces monumental y de un carácter decididamente épico, a la vez que heroico que lo diferenció del<i> “Realismo”</i>. </span><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"> (ver ilustración 03)</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Cabe destacar que igual que casi todo movimiento plástico que tiene sus ideólogos que escriben manifiestos y establecen lineamientos a seguir dentro del movimiento. También cada movimiento social ha deseado ser representado por una corriente plástica que a la par que lo legitime lo de a conocer. A lo cual no fue ajeno este movimiento que tuvo en la figura del dramaturgo alemán <i>Bertolt Brecht (1898-1956)</i>, uno de sus mayores propugnadores. </span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Muchas veces se ha dicho que el <i>“Realismo Socialista”</i> es “una corriente estética cuyo propósito es llevar los ideales del comunismo al terreno del arte”. Lo cual es cierto, pero sólo en parte, pues se olvida que además de representar los ideales comunistas sirvió para fines similares a la Alemania nazi durante la <i>Segunda Guerra Mundial</i> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">(ver ilustración 04 y 05).</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Hay algunos especialistas que plantean que <i>“no puede hablarse de un estilo o lenguaje artístico nazi, pues éste no es un movimiento autónomo o una actitud poseedora de base estética.”</i> La realidad es que tan discutible es la base estética del llamado "<i>arte nazi"</i>, como lo es la del <i>“Realismo Socialista”</i>, en cuanto a que cada uno subordinó la estética a la política y ambos por igual se valieron de un arte ecléctico conformado por ingredientes tan diversos como lo son el arte griego, el renacimiento y el barroco; usados con formas y en actitudes destinadas a la exaltación de ciertos <i>”valores patrios”</i> con fines propagandísticos.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto Cayuso</span></div><div><br /></div><div><br /></div><div><br /></div></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-25030805357268854192010-11-14T23:19:00.000-08:002010-11-15T21:35:48.570-08:00La angustia<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxFmQKZvk7G8DI4kujF0MJnpV9HUFcr4x3YG33FuKe7XDsLpb_fGSPv1OnXG1u65ycjX9XOh3Lftk05lOlhm65bX4oruFw3LJthW_-wc4q8IU8FpKasvhM8a-cCN018pMf40OpjOHsPTU/s1600/el_grito-edvard-munch-1863-1944.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 264px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxFmQKZvk7G8DI4kujF0MJnpV9HUFcr4x3YG33FuKe7XDsLpb_fGSPv1OnXG1u65ycjX9XOh3Lftk05lOlhm65bX4oruFw3LJthW_-wc4q8IU8FpKasvhM8a-cCN018pMf40OpjOHsPTU/s320/el_grito-edvard-munch-1863-1944.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5539673523368835218" /></a><div style="text-align: center;">"El grito" de Edvard Munch</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">El concepto de angustia aparece muy relacionado con el problema de la moral, de modo que llega a constituir uno de sus principales componentes, y a este respecto dice el propio Sartre: <i>“El existencialismo suele declarar que el hombre es angustia. Esto significa que el hombre que se compromete y que se da cuenta de que es no sólo el que elige ser, sino también un legislador, que elige al mismo tiempo que a sí mismo a la humanidad entera, no puede escapar al semtimiento de su profunda y total responsabilidad.”</i></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Como se ve, Sartre concibe la angustia como el sentimiento que produce en el hombre la conciencia de que cada una de sus decisiones lo afecta no sólo a él, sino también a los otros. O sea que la angustia es para Sartre un estado de ánimo que revela la preocupación por el mundo en cuanto se refiere a la posibilidad de actuar en él, como igualmente por lo que toca a sus resultados. Porque, además -y en esto se aparta Sartre bruscamente de Heidegger cuando escribió: <i>“nunca podemos elegir mal; lo que elegimos es siempre el bien, y nada puede ser bueno para nosotros sin serlo para todos”.</i> Lo cual equivale a afirmar que existe una predeterminación del mundo en el hombre y reciprocamente, sin la cual ni hay ni puede haber ni existencia ni mundo.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">En Heidegger, por el contrario, en su filosofía, la angustia no la produce el mundo concreto de las cosas y los sucesos. Es el mundo como tal, la pura mundanidad la causa de la angustia. Por el contrario de lo que afirma Sartre, para Heidegger la angustia reduce, pulveriza y aventa esas circunstancias del mundo como tal que son el mundo del trabajo y el mundo circundante, el de cada cual en el mundo en su estado puro. De modo que la angustia que experimenta el "<i><b><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Dasein</span></b>"</i> la debe a sí mismo, y tiende, no como en Sartre a procurar una realización de la existencia que nos afecta individual y colectivamente, sino a escapar de ese mundo de la inautenticidad para retornar, en la medida de lo posible, por lo menos al sentimiento de la situación original, que devuelve al hombre su dignidad existencial.</span></div><div><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">Humberto Piñera Llera 1911-1986</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">Profesor cubano de filosofía y de literatura, nacido en Cárdenas y fallecido en Houston, Texas. Se doctoró en Filosofía y Letras en la Universidad de La Habana en 1942, siendo luego profesor y, desde 1955, catedrático en la misma. Colaboró con Roberto Agramonte en la organización y edición de la Biblioteca de Autores Cubanos, colección que publicó a los grandes pensadores cubanos del siglo XIX. Fue uno de los fundadores en 1945 del Grupo filosófico-científico de La Habana.</span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-29025923100214683602010-10-31T17:43:00.000-07:002010-10-31T22:48:40.698-07:00Constructivismo ruso<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_jPf6s0cQynqtQt-KJqkAAJzFVVAAD7T4FcXsS1DvSTOhE3VzWogGRXwWXIqvE_qc1d1AZQ8vn8twDszHCzzGYqbS0HgMgfN6mwT1piQiRSbnFirUs4y9_k8obCSqqVh_XcnshzhA5VA/s1600/Mikhail+Larionov(.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 278px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_jPf6s0cQynqtQt-KJqkAAJzFVVAAD7T4FcXsS1DvSTOhE3VzWogGRXwWXIqvE_qc1d1AZQ8vn8twDszHCzzGYqbS0HgMgfN6mwT1piQiRSbnFirUs4y9_k8obCSqqVh_XcnshzhA5VA/s320/Mikhail+Larionov(.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5534434971778634818" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style=" color: rgb(180, 180, 180); font-family:verdana, Tahoma, Helvetica, sans-serif;font-size:12px;"><h3 class="title" style="margin-left: auto; margin-right: auto; border-top-width: 1px; border-right-width: 1px; border-bottom-width: 2px; border-left-width: 1px; border-style: initial; border-color: initial; font: normal normal normal 12px/normal verdana, Tahoma, Helvetica, sans-serif; border-bottom-color: rgb(255, 160, 0); border-bottom-style: solid; border-left-style: none; border-left-color: initial; border-right-style: none; border-right-color: initial; border-top-style: none; border-top-color: initial; padding-top: 2px; padding-right: 2px; padding-bottom: 2px; padding-left: 2px; width: 400px; display: block; background-image: initial; background-attachment: initial; background-origin: initial; background-clip: initial; background-color: rgb(40, 40, 40); font-weight: bold; letter-spacing: 0px; text-align: center; "><span class="title" style="font-weight: bold; text-align: center; "><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><span class="Apple-style-span" style="color:#FFFFFF;">Soldados bailando por Mikhail Larionov (1881-1964)</span></span></span></h3></span></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1WxovC0n_b8oztnU3CjMAIht1QYqNwkut5E6v55NaovDsFxryVaFVTnXku404BETsYCKdEgLj3fulGFrWr-NQcN4yE-qcK5zJFnkncyD3xvkczCVGX5_DplSV09uwS0c1gYIOYuxfDn4/s1600/Alexander+M.+Rotchenko+(1891-1956).jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 224px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1WxovC0n_b8oztnU3CjMAIht1QYqNwkut5E6v55NaovDsFxryVaFVTnXku404BETsYCKdEgLj3fulGFrWr-NQcN4yE-qcK5zJFnkncyD3xvkczCVGX5_DplSV09uwS0c1gYIOYuxfDn4/s320/Alexander+M.+Rotchenko+(1891-1956).jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5534433416896523794" /></a><div style="text-align: center;">Alexander M. Rotchenko (1891-1956)</div><div style="text-align: center;"><br /></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiNYTX_6f7HjEb2v-A8zKjsd9CuBu9QWcBtC-eAUnquTfsrXLe_EG1CX4OudjTYnFY-DvLDO9oCOIfiT2ULn2PrTcWNlobWfBACo1JHqyKr-bdyOQN2h7X81I-fWKNtg5Q0dvc_bNjbkE/s1600/constructivisme_1_vladimir_tatlin_1.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 239px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiNYTX_6f7HjEb2v-A8zKjsd9CuBu9QWcBtC-eAUnquTfsrXLe_EG1CX4OudjTYnFY-DvLDO9oCOIfiT2ULn2PrTcWNlobWfBACo1JHqyKr-bdyOQN2h7X81I-fWKNtg5Q0dvc_bNjbkE/s320/constructivisme_1_vladimir_tatlin_1.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5534378903641605634" /></a><div style="text-align: center;">Tercera Internacional o Torre de Vladimir Tatlin (maqueta)</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">El nombre del movimiento artístico <i>“constructivismo”</i> se dio a conocer publicamente en 1921, aunque ya existía desde bastante antes. Fue un movimimiento plástico que tuvo su mayor realce en la arquitectura, la escultura y la pintura. Pasó a incorporar, en la creación de sus nuevo formulado plástico, ciertos materiales industriales como el acero laminado, el cristal, los metales, plásticos, etc.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">El <i>"constructivismo ruso"</i> es una forma más de la <i>“abstracción”</i> que tuvo primero en Rusia, antes, durante y después de la <i>“Revolución Rusa”</i>, su máximo apogeo. Mientras que fue hacia 1917 cuando llegó a Holanda junto a los emigrados rusos. Posteriormente, en éste país, un grupo de artistas holandeses y de otras nacionalidades constituyeron el núcleo holandés constructivista, que más tarde pasaría a ser <i>“De Stijl”</i>. Entre estos artistas se encontraban <i>Piet Mondrian (1872-1944), Theo van Doesburg (1883-1931), (Georges Vantongerloo (1886-1965)</i> y otros más quienes lograron la internacionalización de un movimiento plástico hasta entonces confinado a la frontera rusa.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Para los constructivistas rusos el arte y la utilidad van de la mano, pues concibieron sus creaciones con <i>“ansias reconstructivas de una nueva sociedad”</i>, es decir, con un afán de transformación profunda del entorno social y más para lo que se valieron, entre otras, de la arquitectura, el diseño y la escenografía.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Entre las figuras claves del<i> “constructivismo ruso se encuentran ”Vladimir Yevgrafovich Tatlin (1885-1953), Alexander Rodchenko (1891-1956), Mikhail Larionov, Naum Gabo (1890-1977), Antoine Pevsner (1886-1962) y Liubov Popova (1889-1924).</i></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Cabe destacar que muchos de estos artistas, como frecuentemente ocurre, militaron en diferentes corrientes estéticas, por lo que resulta fácil verlos en ocasiones como suprematistas, cubistas, rayonistas, etc.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto Cayuso</span></div><div><br /></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-33064568990459263772010-10-16T21:31:00.000-07:002011-03-07T23:03:36.854-08:00Apropiaciones artísticas<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguhFIpjfk1kxFKbY413Tja85Ac_h18JrpaCYVRVuan39a9xcYgIv_ZPeIQPyKZFa4OBTs1sq1F0zp6eRijIhY9jwbrStVaMMsCqr2OKcsJl7IZaxkAsDQrafYdhj0gFSxFnHVDsQS43Y8/s1600/L%C3%A1minas+01+y+02"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 120px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguhFIpjfk1kxFKbY413Tja85Ac_h18JrpaCYVRVuan39a9xcYgIv_ZPeIQPyKZFa4OBTs1sq1F0zp6eRijIhY9jwbrStVaMMsCqr2OKcsJl7IZaxkAsDQrafYdhj0gFSxFnHVDsQS43Y8/s320/L%C3%A1minas+01+y+02" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5528882035947242690" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><b>01-Giorgione y 02-Manet</b></span></div><div style="text-align: center;"><br /></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTwr1_4VcZUt6okFqcCsk_Ltgs6lnRqFFKrclRDFNSKZfpk0VeCq20ApAGLbO0_Xh5B3EINdmAD6vuA2tM6_3Vk2I7sKZhbJi7FmngabMFHAad1G0D36MUtPUSFht_oT_FRNq_wjx0I5s/s1600/L%C3%A1minas+03.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 252px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTwr1_4VcZUt6okFqcCsk_Ltgs6lnRqFFKrclRDFNSKZfpk0VeCq20ApAGLbO0_Xh5B3EINdmAD6vuA2tM6_3Vk2I7sKZhbJi7FmngabMFHAad1G0D36MUtPUSFht_oT_FRNq_wjx0I5s/s320/L%C3%A1minas+03.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5528881764657430866" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><b>03-Pablo Picasso</b></span></div><div style="text-align: center;"><br /></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIspV4V5R2sR0hHf6Mu1y1EVPQwj68eCt1kQF3kDqcrR3Ck4O870n_8FDNQnT4FEInp5ijQk1OOCXcnY5dUeG8VOkEh5bH0BGVm83k2ExpZLoODrZV0FAKYMhxu2EdXsdoPc-wsHwK_64/s1600/L%C3%A1minas+04+.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 238px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIspV4V5R2sR0hHf6Mu1y1EVPQwj68eCt1kQF3kDqcrR3Ck4O870n_8FDNQnT4FEInp5ijQk1OOCXcnY5dUeG8VOkEh5bH0BGVm83k2ExpZLoODrZV0FAKYMhxu2EdXsdoPc-wsHwK_64/s320/L%C3%A1minas+04+.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5528881293706446050" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><b>Leonardo Da Vinci y Marcel Duchamp</b></span></div><div style="text-align: center;"><br /></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKgUNIGNOZf6tWBvrud18dh6rc01Ccb9ddEbv-oTsIj9vU5benoGlejInnCAg1YRl_nvYb1KG-xssoAGnIBnN8BjiCFiPNhM_S-zTQFpyq0V6z9bnarHM3yVbiwlQGxEi1ITYF4Hq8ves/s1600/L%C3%A1minas+05+y+05a+.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 162px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKgUNIGNOZf6tWBvrud18dh6rc01Ccb9ddEbv-oTsIj9vU5benoGlejInnCAg1YRl_nvYb1KG-xssoAGnIBnN8BjiCFiPNhM_S-zTQFpyq0V6z9bnarHM3yVbiwlQGxEi1ITYF4Hq8ves/s320/L%C3%A1minas+05+y+05a+.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5528880640262823202" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;"><b>05-Pintura de Fernand Leger-----05a-Máscara africana</b></span></div><div style="text-align: center;"><br /></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEie7t-ftGDeyY5bMZ90iiQY-Oe9tSnzeCYZMXwfHwb53kGl05DdaOiasgVvCDhJiK8HDCceKX8W4NMo752Y35rKZV6UTBl-7oSk_ZK9dGPbQGFIscay1n9aKQs9QBeMzAs2jDWEfkk7L0w/s1600/Picasso"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 226px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEie7t-ftGDeyY5bMZ90iiQY-Oe9tSnzeCYZMXwfHwb53kGl05DdaOiasgVvCDhJiK8HDCceKX8W4NMo752Y35rKZV6UTBl-7oSk_ZK9dGPbQGFIscay1n9aKQs9QBeMzAs2jDWEfkk7L0w/s320/Picasso" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5528879986466029410" /></a><div style="text-align: center;"><i><b><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">“Más que un coleccionista de objetos, Picasso era un coleccionista de ideas”. Jean Paul Barbier</span></b></i></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Lo que hoy conocemos como apropiaciones artísticas pictóricas es algo que existe desde hace mucho tiempo. Las apropiaciones pueden y de hecho son de diferentes tipos, siendo quizás una de las más frecuentes aquellas donde el artista, a través de su propia visión, retoma el tema de una obra realizada por otro con anterioridad y la desarrolla con algunas variantes y un similar arreglo compositivo. Creando así su propia versión de una obra previamente ejecutada como en el caso de <i>“Almuerzo sobre la hierba” de Edouard Manet,</i> realizada entre <i>1862 y 1863</i> <i>(lámina 02)</i>, la cual independientemente de sus propios valores, que nadie cuestiona, no deja de ser una legítima apropiación temática de la <i>“Fiesta campestre"</i> de <i>Giorgione -1477-1510-</i> <i>(lámina 01).</i></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Otra clase de apropiación es aquella donde el artista interpreta desde otra óptica, y para ello vamos a tomar como ejemplo nuevamente el <i>“Almuerzo sobre la hierba” de Manet,</i> pero ahora realizado con diferentes presupuestos plásticos a los que el propio <i>Picasso</i> contribuyó creando una nueva expresión artística. En la apropiaciones que <i>Picasso</i> hizo de este tema <i>(lámina 03)</i> no existe el propósito de atacar el<i> “Almuerzo sobre la hierba” de Manet,</i> como algunos críticos han señalado, sino simplemente el placer de hacer lo mismo que hizo <i>Manet</i> con la obra de <i>Giorgione</i>, pero ahora desde una nueva manera de hacer y ver el arte: el <i>“Cubismo”.</i></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Existe otro tipo de apropiación, altamente corrosiva y muy a tono con la filosofía del movimiento <i>“Dada”</i>, aparecido en Europa y norteamérica entre 1916 y 1922, en donde un grupo de artistas van a tratar de imponer una visión de caos y destrucción del <i>“viejo arte”</i> en favor de lo que llamaron el <i>“antiarte”</i>. Una de las figuras claves de ese movimiento lo fue <i>Marcel Duchamp (1887-1976)</i> que un día de 1919, partiendo de una tarjeta postal de la Mona Lisa (lámina 04), una de las pinturas más famosas de la pinacoteca mundial y obra de <i>Leonardo da Vinci</i>. Le añadió bigote y barba, logrando así parodiar la gran obra al apropiarse de la imagen y alterarla para sacarla de de su contexto original, creando así una nueva e irreverente lectura plástica de la <i>Mona Lisa.</i></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Por último no queremos pasar por alto otra modalidad, bastante frecuente, de apropiación que a diferencia de las anteriores sólo va a incorporar en la obra original del artista un elemento de otra obra (pintura o escultura), que con algunos pequeños cambios va a formar parte de una nueva y diferente producción artística. <i>(lámina 05 y 05a). </i></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">La realidad que eso de los objetos artísticos que pasan a formar parte en la creación de otras obras, fue un recurso utilizado por muchos artistas europeos en los comienzos del siglo XX. Con el surgimiento del arte contemporáneo; artistas como <i>Matisse, Picasso, Leger</i> y otros vieron en las máscaras africanas, que recién arribaban a París, algo que los emocionó de tal manera, que poco tiempo después los vemos coleccionándolas y reflejándolas, de mil maneras diferentes, en sus pinturas.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Roberto J. Cayuso </span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-64984712913138502002010-10-03T15:04:00.000-07:002010-10-03T15:19:12.254-07:00"Land Art" (Arte Terrestre)<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-tIqm8GbEUWZJdnaufRRdedIxJT_yGBRW3x1SDOap0Vs_m1gBloq63GPpthZj10djbGo3jlEkwFqkoSLIXLtUFrdOcVbMJxxDZNce_e7utDA7yBWsC3yEVB_5tBaWl1vo8dXyCIlRmzs/s1600/56-Thomas+Kneub%C3%BChler%E2%80%99s+%E2%80%9CElectric+Mountains%E2%80%9D.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 254px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-tIqm8GbEUWZJdnaufRRdedIxJT_yGBRW3x1SDOap0Vs_m1gBloq63GPpthZj10djbGo3jlEkwFqkoSLIXLtUFrdOcVbMJxxDZNce_e7utDA7yBWsC3yEVB_5tBaWl1vo8dXyCIlRmzs/s320/56-Thomas+Kneub%C3%BChler%E2%80%99s+%E2%80%9CElectric+Mountains%E2%80%9D.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5523945373290669874" /></a><div style="text-align: center;"><p style="margin: 0.0px 0.0px 0.0px 0.0px; font: 12.0px Lucida Grande"><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;">Thomas Kneubühler’s “Electric Mountains”</span></p><p style="margin: 0.0px 0.0px 0.0px 0.0px; font: 12.0px Lucida Grande"><br /></p></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6nchsbVlCeYBrFEHEvjmIn1g36u0BTI6_tQGAx_pmGVDjkBXGJTKB9ZEK8WkB2L4az5u9yUv2o9oA5vk_IPCepuUMZavoER8e-GTJ8xlXMmERsur0MEZMZcKYURDYTLUxOHbZXsUPkHU/s1600/55-spiral-jetty-land-art.gif"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 210px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6nchsbVlCeYBrFEHEvjmIn1g36u0BTI6_tQGAx_pmGVDjkBXGJTKB9ZEK8WkB2L4az5u9yUv2o9oA5vk_IPCepuUMZavoER8e-GTJ8xlXMmERsur0MEZMZcKYURDYTLUxOHbZXsUPkHU/s320/55-spiral-jetty-land-art.gif" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5523945242731916818" /></a><div style="text-align: center;">Spiral Jetty, 1970, by Robert Smithson</div><div style="text-align: center;"><br /></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZxXs0vF_ECq6UDwxBBNiLrAnP1WOy6Xj0bE-vbB8A9wa8fw77DiO1DVszk4K6iVhjAZE6QmUp_cu4OBbiLdoBjyxOGgWD8lyvPx0jGFf2jE143runn8Jd_ZmSFWAErc5FT9iOadsrwK8/s1600/54-landart_christojeanneclaude-surroundedislands.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 248px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZxXs0vF_ECq6UDwxBBNiLrAnP1WOy6Xj0bE-vbB8A9wa8fw77DiO1DVszk4K6iVhjAZE6QmUp_cu4OBbiLdoBjyxOGgWD8lyvPx0jGFf2jE143runn8Jd_ZmSFWAErc5FT9iOadsrwK8/s320/54-landart_christojeanneclaude-surroundedislands.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5523945097803901154" /></a><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style=" ;font-size:medium;">Christo and Jeanne-Claude: Surrounded Islands (1983)</span></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">El Land Art o Arte Terrestre es una expresión artística que trasciende, por su monumentalidad, los soportes utilizados habitualmente por los artistas como el lienzo o la madera. Igualmente los espacios en que tradicionalmente habían sido utilizados para la exhibición de obras de arte, museos o galerías, se convirtieron en escenarios naturales como playas, islas, ríos y otras veces puentes, edificios, etc. Los cuales, dentro de su contexto natural, son alterados mediante el empleo de las más diversas técnicas y materiales.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Por razones de la monumentalidad, como parte inherente del “Land Art”, se hace imposible su traslado a los espacios tradicionales de exhibición y es en ese punto que entra a jugar la fotografía, muchas veces firmada y limitada, y los videos como elementos principalísimos de coleccionismo y divulgación. </span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Cuando hablamos del “Land Art” lo estamos haciendo de un arte que utiliza la naturaleza para transformarla, pero no desde un ángulo crítico desde el cual mostrarnos el uso violento e indiscriminado al que el hombre somete a la naturaleza. No, la realidad es impresionarnos con la aprehensión de un paisaje majestuoso y natural, alterado de diferentes maneras y donde lo ecológico y su preservación no sólo no es tenido en cuenta, sino que en ocasiones se ha señalado al “Land Art” como responsable de posibles daños contra la flora y la fauna en los lugares donde han sido hechas sus “instalaciones”.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Por razones obvias el “Arte terrestre” es un arte efímero y cambiante que, como ya hemos visto, se llega a él a través de su interdependencia con la naturaleza y donde lo importante reside en la visualización del paisaje como objeto transformado por el artista.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto Cayuso</span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1951687701461878481.post-25592102082857330072010-09-26T15:49:00.000-07:002010-09-26T21:25:56.978-07:00Vicente Dopico: "El caos y la imagen"<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhU6ukUjlCe0kY9c6_h6t3vCJPjCVPSj5e3Ujb6VzhJCiVzGXtPLWAZaIZ2ZR6twURHMUqcZu54mgLx9mBb6s9CjnmyVrQtKWp6xKBO9Q2ONPg5mvWc8kSXFsowangg98TuSELGuAEMxmw/s1600/51-Dopico-cover"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 213px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhU6ukUjlCe0kY9c6_h6t3vCJPjCVPSj5e3Ujb6VzhJCiVzGXtPLWAZaIZ2ZR6twURHMUqcZu54mgLx9mBb6s9CjnmyVrQtKWp6xKBO9Q2ONPg5mvWc8kSXFsowangg98TuSELGuAEMxmw/s320/51-Dopico-cover" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5521359571706620722" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimpYHdGSFNPAMjHraOp3_IPuYP6uVySBe0nitzzK5gS0Rlon5LcdKWZW5bw_O3TaYwZusIVO2_W0meqkK5LXRbgaQvQbkESeVGsEpF9wlAWYX83iWXnEi2nogHLe_08rd_8EeG8-zS_Bo/s1600/53-Dopico+02"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 266px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimpYHdGSFNPAMjHraOp3_IPuYP6uVySBe0nitzzK5gS0Rlon5LcdKWZW5bw_O3TaYwZusIVO2_W0meqkK5LXRbgaQvQbkESeVGsEpF9wlAWYX83iWXnEi2nogHLe_08rd_8EeG8-zS_Bo/s320/53-Dopico+02" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5521359398191305890" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbWKfdegP3-IZKp_B4NOq6_NS85K4JyGdWhMXPMMS6r3e5xCo1Z_8g78s06tsLcFHgTe2wCL6ANThhV4ARrFzQJVsEH6gLkeiODOcf4Sr4YyOtUsBuwo1EmF81drbrMG8Jeny_h3gKjLk/s1600/52-Dopico+01"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 234px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbWKfdegP3-IZKp_B4NOq6_NS85K4JyGdWhMXPMMS6r3e5xCo1Z_8g78s06tsLcFHgTe2wCL6ANThhV4ARrFzQJVsEH6gLkeiODOcf4Sr4YyOtUsBuwo1EmF81drbrMG8Jeny_h3gKjLk/s320/52-Dopico+01" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5521359235355275826" /></a><br /><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">En la obra de Vicente Dopico vamos a ver la expresión de las formas, usualmente humanas, llevadas a su máxima expresión de color-luz. Dopico es un pintor que, aunque se regocija en el dibujo debemos seguirlo atendiendo el color de sus creaciones, pues es ahí donde radica su mayor disfrute, ya que es a través del color que nos entrega todo su mundo de imágenes intimistas y perfectas.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">En una ocasión Dopico dijo:</span><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"> “ Considero que una obra no es sólo la impresión de una imagen o color, o la combinación de ambos sobre una superficie, llenando el espacio de una pared. El arte, en este caso una pintura, es la manifestación emocional del artista que la produce, y su función principal es que el observador posible se convierta no solo en espectador sino en parte activa del cuadro.</span></i></div><div><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></i></div><div><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Decia Mark Rothko: -Un cuadro cobra vida ante la presencia de un observador sensible, ante el cual se desarrolla y crece-, sin embargo yo creo que es responsabilidad del artista producir esa obra que contenga personalidad propia. Hay artistas que se abrazan al preciosismo y la técnica y dejan a un lado la verdadera esencia de la obra que es comunicar emociones.</span></i></div><div><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></i></div><div><i><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Yo considero que si una obra no posee vida propia, y una capacidad para transmitir el sentimiento con que fue creada, carece de sentido artístico, aunque sea técnicamente perfecta, y su función no pasará de ser meramente decorativa”. </span></i></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;">Roberto J. Cayuso</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:large;"><br /></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size:small;">"El caos y la imagen" es un documental dirigido y editado por Roberto Cayuso y producido bajo el sello de Art Works Productions. En el mismo se muestran algunos de los aspectos más sobresalientes de la obra y la vida de Vicente Dopico Lerner, maestro de formas y colores.</span></div>Roberto J. Cayusohttp://www.blogger.com/profile/18332346003838778070noreply@blogger.com0