Hablemos del arte y los artistas

Recuerdos de La Habana

2012-01-16T22:32:00.000-08:00

Ciudad de La Habana

Catedral de La Habana

Arcadio Cancio

Si miramos con detenimiento la pintura de Cancio y pensamos en la ciudad de La Habana, nos vamos a percatar de inmediato de un cierto paralelo entre ambas. Por un lado La Habana, según palabras de Alejo Carpentier, -nace de la superposición de estilos diferentes e innovados en donde poco a poco, de lo abigarrado, de lo entremezclado, de lo encajado en realidades distintas, han ido surgiendo las constantes de un empaque general que en la actualidad distingue a La Habana de otras ciudades del continente-.

Por otra parte la pintura de Arcadio Cancio, al igual que La Habana, está formada de estilos tan diferentes con los que crea una manera de hacer que además de muy personal lo ubica dentro de una corriente estilística que hoy conocemos como la Escuela de La Habana. En la construcción que Cancio hace de sus cuadros vemos una fusión entre elementos del arte barroco y el gótico, expresados con una perspectiva cubista donde los planos de color nos llegan unas veces por superposición y otras por degradación del color.

En cada pintura de Cancio hay un homenaje a su ciudad. Eso lo vemos en la costrucción de cada uno de sus cuadros de exteriores donde vemos toda una suerte de columnas de estilizados fustes y gloriosos capiteles en los que se mezclan con balcones y coloridos vitrales de medio punto como aquellos que etenuaban la luz en las casonas habaneras. Arcos y enrejados pasan de ser elementos arquitectónicos para convertirse en magia fluída de color, luz y sombras.

En el centro de todo ese espectáculo de abigarradas formas y colores resalta la mujer como eje central en muchas de sus obras. En ocasiones desnudas, pero sin erotismo flotan en el gran escenario que Cancio les prepara. Otras veces aparecen vestidas con extraños ropajes de exhuberantes colores donde conversan mientras descansan en remedos de comadritas como buscando alivio en la frescura del interior del inclemente sol tropical.

Al igual que el aroma de ciertas fragancias tienen la virtud de despertar recuerdos que el tiempo sepultó en nuestra memoria. La pintura de Cancio despierta en el espectador recuerdos de vivencias que no podemos precisar si fueron reales o imaginadas. Esa es la magia de un creador de sueños hechos realidades y capaces de transportarnos a través de nuestros recuerdos hacia paisajes que más que vividos son sentidos.

Roberto Cayuso

Apuntes sobre la pintura cubana (1)

2011-10-31T19:44:00.000-07:00

Durante los años cuarenta se vivieron algunos de los momentos más importantes de la pintura cubana. Fue durante esa época cuando cristalizó una peculiar concepción de lo cubano donde lo criollo se mezcla con elementos clásicos para así crear una bóveda antillana y mítica. Lam logra durante ese período uno de los más importantes momentos de su larga carrera . Portocarrero, Mariano, Cundo Bermúdez, Mario Carreño, Amelia Peláez, Felipe Orlando y muchos otros artistas igualmente lograron destacarse durante esos años. Sociedades como el Lyceum y la Sociedad Nuestro Tiempo, contribuyeron a la divulgación del arte cubano, mientras que eran apoyados por críticos como Guy Pérez Cisneros, Lezama Lima, Joaquín Texidor y otros muchos.

Obras como la “Jungla” de Lam, ”Interior del Cerro” de Portocarrero, “La Pitahalla” de Amelia Peláez, “Danza Afrocubana” de Mario Carreño son verdaderas obras maestras creadas entonces.

A finales de los cuarenta la atmósfera para un cambio en el arte, ya estaba creada. Pogolotti en 1932, había realizado una obra totalmente abstracta, se trata de “Cosmogonía” dode se advierte la influencia de Arp. Esta obra podría ser considerada, tal vez, la primera pintura abstracta en la historia del arte cubano.

Pero no será hasta 1949 en que llega a Cuba un artista rumano llamado Sandu Darie, que había pertenecido al destacado grupo “Madis” de París, que se prodduce un verdadero interés por la abstracción en cualquiera de sus modalidades.

Por esa misma época Carreño comienza la ejecución de obras del llamado abstraccionismo geométrico o arte concreto, donde se encuentran algunas de sus mejores y más auténticas producciones.

Roberto Cayuso

Arte de la participación (performing arts & happening)

2011-09-26T22:39:00.000-07:00

Hugo Ball (1886-1927)

Esta es una expresión artística en el que tanto actores como espectadores van a contribuir en la creacion de la obra o lo que es lo mismo en su presentación, pues aquí, y por primera vez, la interracción de ambas partes van a a dar origen al “performing arts” (artes escénicas) que contiene, entre otros, al "happening" que, aunque no es teatro desarrolla una acción que lo acerca al concepto del “living-theathre” en un intento de fusionar las áreas de la vida y el arte en una de las más puras expresiones del arte efímero.

En este nuevo escenario artístico que nos trajo el arte participativo, ya no será tomado en cuenta el arte de plasmar la creación artística en diferentes soportes como ha venido haciéndose. Ahora, esta nueva manera de hacer arte va a decirse lo mismo en una “extraña” forma poética que va a expresarse gestualmente. No se requieren soportes y apenas escenarios. Lo que se busca es la participación a través de la reacción del espectador que así va a ser parte de la obra mientras reacciona, en ocasiones, con hostilidad ante la agresión visual, auditiva o ambas a la vez a la que es sometido.

El precursor inmediato del arte participativo lo fue el movimiento Dada con figuras como Hugo Ball que realizó, en el cabaret Voltaire, de Zurich y tan temprano como en 1916, lecturas de sus poemas como preludio de los “performings” de finales de los años sesenta.

Como ejemplo interesante de la influencia que ejerció el movimiento Dada en el posterior arte de paricipación vamos a reproducir este viejo escrito:

“Max Ernst, junto con otro artista llamado Baargeld, organizaban exposiciones donde hacían que el público saliera indignado. Una de ellas obligaba a pasar entre unos urinarios, mientras una niña vestida para primera comunión recitaba poemas obscenos, en medio de la sala se levantaba un gran bloque de madera que sostenía una hacha enganchada por una cadena y se invitaba al público a que destruyera aquel objeto a hachazos. Al fondo se encontraba un acuario con agua teñida de rojo, simulando sangre, y en el fondo yacía un despertador junto a un brazo femenino, mientras que en la superficie flotaba una cabellera de mujer. En las paredes colgaban varios collages de diversos artistas cuyo contenido provocaban malestar entre los espectadores. Durante varias ocasiones el público intentó saquear el lugar, hasta que días más tarde la exposición fue prohibida”.

Los "happenings", que como ya dijimos en un principio, integran el conjunto del llamado “performing arts”, manteniendo una cierta afinidad con el llamado teatro de participación que floreció a finales de la década de 1960.

Roberto Cayuso

La pintura mágica de Miguel Ordoqui

2011-08-13T16:11:00.000-07:00

La obra de Ordoqui es ante todo y sobre todo la definición de la forma. Es uno de esos pocos creadores para quienes la forma de la vida y los impulsos de las personas son un lenguaje cifrado lleno de los más poéticos secretos. Nada le resulta ajeno en la propuesta de la vida y es de ella que se nutre su pintura.

Pintor expresionista nos muestra a través de sus obras un universo en el que todo es factible y puede cualquier cosa suceder, pues aquí no hay más freno que el de su imaginación con la que logra que cada una de sus obras sea es una nueva sorpresa para el espectador.

Más allá del tema escogido por Ordoqui para la construcción de cada una de sus pinturas nunca deja de sorprendernos por la gracia y ligereza que imprime a cada uno de sus modelos como, por ejemplo, en la articulación que hace de un brazo, de una muñeca, sorprendida en el instántaneo desarrollo del gesto, un giro del cuello, el dorso de una mano o una torsión de las caderas.

En la pintura de Ordoqui los personajes que pueblan sus telas nos llegan mediante colores fuertes y en ocasiones hasta agresivos, con los que va estableciendo planos de color en donde van a interactuar los personajes de sus construcciones plásticas. Potenciando a través del color el impacto emocional del espectador.

Si analizamos detenidamente los temas de mascaradas y jolgorios, abundantes en la obra de Ordoqui, vamos a ver que tras la exageración y distorsión de los temas y personajes de sus telas existe otra lectura que subyace bajo el fulgor del oropel y es la que nos habla de los sentimientos, la fantasía y los sueños donde para nada cuentan ni la luz ni la perspectiva, que son alteradas intencionalmente.

Roberto J. Cayuso

Bauhaus

2011-07-28T20:58:00.000-07:00

Los maestros de la Bauhaus: Josef Albers,Hinnerk Scheper, Geoerg Muche, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Joost Schimdt,Walter Gropius, Marcel Breuer, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölz y Oscar Schlemmer.

Bauhaus (Casa de la Construcción) fue el nombre de la escuela de Arquitectura y Artes Aplicadas más importante de todos los tiempos y pilar fundamental del futuro movimiento modernista. Nació la Bauhaus de la fusión de dos escuelas de Weimar: la Superior de Artes Plásticas y la escuela de Artes y Oficios. Su creador en 1919 lo fue el arquitecto alemán Walter Gropius (1883-1969), quien además fue su director hasta 1928.

Desde sus comienzos los objetivos de la Bauhaus estuvieron perfectamente delineados y en esencia planteaba la integración de las artes, sean éstas de las llamadas “mayores” o “menores”, en función de la creación de un mejor habitat para el hombre.

Partiendo del concepto de que entre las artes plásticas la arquitectura es fundamental, pues es dentro de ella -edificio o casa- donde el hombre pasa la mayor parte de su tiempo, mientras lo rodean diferentes objetos tanto “industriales” como artísticos que dan vida y añaden funcionalidad a su epacio habitacional. Fue una época donde el objeto utilitario, de uso común, no sólo no está reñido con el object d’art; sino que fue transformado en una verdadera muestra del nuevo arte industrial.

Fuentes, cafeteras, mesas, sillas, tapices y todo cuanto seamos capaces de imaginar dentro del diseño gráfico e industrial fue creado y se fusionó con todo tipo de estructuras arquitectónicas donde la pintura no fue ajena, pues debemos recordar a Paul Klee (1879-1940) que en 1921 pasó a formar parte del profesorado de la Bauhaus. Otro destacado profesor de la misma institución, entre 1922 y 1933, lo fue el artista ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) que fungió como profesor de pintura libre, color y elementos de la forma.

“Nada existe ya -en sí-, toda imagen se convierte en el símbolo de un pensamiento, que nos empuja a construir.” y “donde deben marchar unidos la utilidad, el diseño, lo específico del material y la estética”. Con palabras como ésta Walter Gropius nos contaba de caminos de grandeza y nuevos horizontes creativos que lamentablemente se vieron afectados de manera irremediable durante la Segunda Guerra Mundial

Roberto J. Cayuso

Benito Quinquela Martín

2011-06-12T16:47:00.000-07:00

Lámina 03

Lámina 02

Lámina 01

Benito Quinquela Martín fue un niño huérfano nacido en Buenos Aires en 1890 y adoptado seis años más tarde por Manuel Chinchella y Justina Molina. Tuvo una breve instrucción académica formal, pues ya a los nueve años lo vemos trabajando de carbonero en el puerto. Posteriormente (1907) comenzó a estudiar arte y a partir de ese momento la pintura pasó a ser su eterna compañera.

Benito Quinquela no vino al mudo del arte para ser un representante más de la belleza formal ni para ser un idealista. Lo que él quería era mostrar a la gente de La Boca en ese diario y duro faenar, como en su caso con jornadas de trabajo hasta 1908 de más de ocho horas cargando bolsas de carbón que exedían los 70 kg. de peso, y lo consiguió de manera extraordinaria a través de excelentes composiciones donde la emoción plástica que nos transmite radica en la agresividad de colores empastados y enmarcados por esa incisiva línea con la que dibuja (lámina 01) y que nos transporta a una inquietante realidad de intenso dramatismo, donde siempre vemos prevalecer el sentimiento sobre el pensamiento.

En cada cuadro de La Boca donde aparece el hombre, Benito suele representarlo mediante una extraña caligrafía que los hace parecer como seres que hormiguean entre puentes y aparejos, subordinados al color de los barcos surtos en el puerto, para lograr así acentuar más el dramatisco de la obra (lámina 02). En la pintura de Quinquela hay un incuestionable toque de realismo social (lámina 03) que siempre pienso se debe, entre otras, a la influencia que en él ejerció el Dr. Alfredo Palacios, abogado, diputado y senador argentino, para quien Quinquela fue durante una época una especie de activista político.

Tratar de ubicar a Quinquela dentro del naturalismo o el posimpresionismo, como en ocasiones se ha tratado de hacer, no me parece acertado, pues sólo basta detenerse brevemente y analizar algunas de sus obras para notar que el color, en muchas de sus producciones, tiende en espíritu a la clara expresión de un sentimiento más que servir a la identificación de un objeto conocido. En muchas de sus escenas portuarias además de observar en la línea del horizonte grandes chimeneas lanzar su humo al viento, como en una deliberada manera de bajar la intensidad del color, pues tal parece como si Benito no quisiera que los colores vibraran demasiado y por ello los oscurece para que así estén más en consonancia con aquello de que la vida del puerto es dura y el hollín lo empaña todo.

La personalidad de Benito Quinquela Martín se presenta al análisis, lo mismo desde el punto de vista de lo que representó para la pintura de su época, como de la esencia expresiva de sus obras en el entramado social. Su concepto del arte y del lugar que corresponde al artista en la sociedad está indudablemente marcado por su personal experiencia de duro laborar como carbonero en “La Boca”.

Roberto J. Cayuso

Visiones del color (Pedro Avila Gendis)

2011-05-30T19:23:00.000-07:00

El sentido del orden, la combinación de planos y transparencias, el expresarse por las manchas y hacer del color un estallido de la personalidad, ha sido norma pictórica en artífices de distintas regiones y naturalezas. Pedro Avila (Camaguey, 1959) se inscribe en ese tipo de pintores.

Como lanzado al ruedo de la pintura que quiere agradar, produce visiones eclécticas que de alguna manera tienden un puente entre la gestualidad abstracta y el espacio de seguimiento fauve que no ha dejado de estar presente en los realizadores contemporáneos. Posiblemente bajo la influencia ocular del colorido paisajístico cubano, nos entrega ahora una lluvia de pinceladas, gestos y diseños, que quieren golpearnos con la furia de las tonalidades, y esa luz que sabe ubicar en el lugar preciso dentro del cuadro...

Visiones del color es un documental dedicado al artista Pedro Avila donde se recogen, en sus doce minutos de duración, críticas y comentarios de valiosos especialistas así como algunas de sus más recientes obras. Art Works Productions, tiene el placer de presentar al gran público este trabajo documental -bilingue- en inglés y español de uno de los más importantes exponentes del expresionismo abstracto en la actualidad y poseedor de numerosas exposiciones, premios y distinciones en diferentes partes del orbe.

Producción y dirección de Roberto J. Cayuso

www.youtube.com/watch?v=0e1UFI7XlI4

El Neoclásico

2011-04-17T19:52:00.000-07:00

"Muerte de Marat" por Jacques-Louis David

"Retrato de Mme. Recamier" por Jacques-Louis David

“Grande Odalisque” por Jean-Dominique Ingres

"El juramento de los Horacios" por Jacques-Louis David

Para entender lo que representó el neoclásico en la pintura tenemos que verlo como una especie de retorno a los ideales clásicos; un movimiento estético que en un principio muchos consideraron como un estilo “frío e imitativo de los modelos de Grecia y Roma”, mientras por otra parte tenía mucho de reacción ante los excesos del tema mundano o cortesano que caracterizó al movimiento rococo, última fase del barroco y antecedente inmediato del neoclásico.

Se ha repetido de manera incesante que “al no disponer de modelos de pintura clásica los artistas neoclásicos se basaron en la esculturas clásicas para la realización de sus obras, a las que posteriormente aplicaban un color convencional o simplemente dejaban sin color”. Definitivamente la vida suele ser más complicada y ayer igual que hoy la mayoría de los amantes de las artes han sido y son lo suficientemente profundos como para aceptar una explicación tan difundida como simplista, que sólo ha logrado añadir confusíon a uno de los períodos más importantes en la historia del arte.

Cualquier espectador situado ante la “Grande Odalisque” del pintor francés Jean-Dominique Ingres (1780-1867), no verá nada semejante al frío mármol escultórico, pues por el contrario va a maravillarse al ver como el artista supo sacar partido a líneas y colores para crear la belleza de un desnudo de turgentes y palpitantes carnes que invitan a ser tocadas. Por otro lado como alguién puede referirse de la pintura el Juramento de los Horacios de David como “la aplicación de un color convencional.” De esta obra, y sin entrar en un análisis profundo, hay dos aspectos claves que no queremos dejar de señalar; el primero tiene que ver en como David balancea la luz de ambos grupos laterales para resaltar la figura central que porta tres espadas y viste una túnica roja que surcada de pliegues establece un espectacular juego de luz y sombras sobre un fondo que casi al perderse en el negro crea un ambiente de dramático heroismo y acentuada tridimensionalidad.

Y para aquellos que dicen que los artistas neoclásicos “al no disponer de modelos de pintura clásica se basaron en las esculturas del período clásico para la realización de sus obras”. Nada más lejos de la verdad resulta esta afirmación, pues lo que en muchas ocasiones hicieron fue desarrollar sus obras en base a viejas leyendas históricas o la propia mitología griega o romana. Tomando como ejemplo el cuadro que nos ocupa -El Juramento de los Horacios- del cual se conoce que su autor, Jacques-Louis David (1748-1825) tomó este episodio del historiador romano Livy, para exaltar los ideales republicanos de la Francia de finales del siglo XVIII.

La pintura neoclásica posee algunas características de estilo y formas que las hacen facilmente reconocibles. Una de ellas es aquella donde se resaltan las virtudes patrióticas o ciudadanas en los temas representados (ver Muerte de Marat por David). La simple y serena belleza de algunos personajes como en el caso del retrato de Mme. Recamier, es otra de las características de una escuela que por sobre todo se destacó por la representación de temas de sobria y austera moralidad.

Roberto J. Cayuso

La vanguardia

2011-04-10T20:43:00.001-07:00

Sin entrar a considerar las condiciones socio-políticas que produjeron la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y que en no poca medida influyeron en el nacimiento y posterior desarrollo de la más grande revolución plástica de todos los tiempos que va a cambiar para siempre la forma de hacer y entender un nuevo arte que tenía su antecedente inmediato con los post-impresionistas y otros artistas anteriores que de manera aislada, a través de sus trabajos, fueron decisivos en la nueva formulación de colores y contenidos que los van a colocar como precursores de ese nuevo arte que ha de traer consigo el siglo XX. En este nuevo siglo del cual muchos fuimos testigos de la mayor revolución estética nunca antes vista y en donde serán desmontados siglos de una manera de hacer arte y que trajo como consecuencia la mayor revolución estética de la historia cuyo sello distintivo será el progresivo abandono de un arte imitativo para dar paso a una expresión nacida de la emoción y el sentimiento.

La exposición universal de París de 1900, que duró desde el 15 de abril al 12 de noviembre fue el punto de arranque para que esta ciudad se convirtiera en el centro de diversos movimientos artísticos que iban a dominar el escenario plástico durante casi medio siglo. Aquí tuvieron su desarrollo la mayoría de las nuevas corrientes plásticas y aquí también se les dio acogida a numerosos artistas, que además fueron apoyados para expresarse y exponer sus obras sin ningún tipo de limitaciones, en una ciudad, donde está documentado que en los primeros cincuenta años del siglo XX existieron unas 130 galerías en las que expusieron unos 60,000 artistas

Conscientes de formar parte de una revolución artística en la que se encontraban algunos de los más notables creadores del momento, muchos de estos artistas trabajaron en grupos de mayor o menor extensión y así contribuyeron al desarrollo de nuevas formas de sentir y hacer un arte en el que los más variados estilos van a sucederse con una velocidad nunca antes vista en la historia del arte.

En 1905 nació oficialmente en Paris el fauvismo, en el Salón de Otoño y al año siguiente alcanzó su punto culminante en el Salón de los Independientes, iniciándose así una nueva forma de hacer que fue decisiva en el posterior desarrollo de la pintura y el arte en general del siglo XX y que es justamente el punto de partida de lo que hoy conocemos como el arte contemporáneo.

Con los fauves y su particular uso del color, nunca antes visto, comenzaron los mayores cambios en la expresión de una nueva y hasta ahora desconocida belleza que va a exigir a los espectadores un cambio de actitud ante las nuevas creaciones.

Roberto Cayuso

El desnudo

2011-03-14T21:46:00.000-07:00

01-La Venus de Willendorf (Paleolítico Superior) 02-El Fauno Barberini (Helénico Griego)

03-Patroclo, por Jacques-Louis David (1780). 04-La Maja Desnuda por Goya

05-"Desnudo sentado" por Pablo Picasso 06-"Desnudo en verde" por Pablo Hernández

Dentro de los grandes temas de la pintura universal, a través de los tiempos, el desnudo ha jugado un importante papel. Lo vemos como tema central en el más recatado desnudo de la pintura religiosa o en el más atrevido tema erótico de nuestros días. A la manera clásica o a veces estilizados hasta la deformación, se nos presentan los desnudos plenos de líneas curvas a las que se refirió Raymond Bayer: “como las que mejor aceptan nuestros ojos por ser la que más facilmente se adapta a nuestra visión”. De cualquier manera y más allá de que se trate de desnudos femeninos o masculinos éstos han ejercido en nosotros una atracción a menudo tan difícil de entender como de explicar y eso es lo que hoy vamos a explorar, pero antes de entrar en materia siento la necesidad de recordar que en algunas culturas el simbolismo del desnudo se desarrolla en dos direcciones: “La de la pureza fisica, moral, intelectual y espiritual, en ocasiones de carácter mágico o religioso, y por otro lado la de la vanidad lasciva, provocante, que desarma al espíritu en beneficio de la materia y de los sentidos” y de la que no nos ocuparemos en este estudio por rebasar los marcos de este análisis estético.

Para comenzar este breve recuento del desnudo se hace obligatorio comenzar con aquellas pequeñas estatuillas que representan desnudos femeninos de formas plenas y estilizadas hasta la deformidad (lámina 01), ejecutados hace miles de años, por verdaderos artistas del paleolítico superior, con fines rituales de fertilidad para algunos especialistas, mientras que para otros -los menos- eran hechos como el máximo exponente del ideal de belleza prehistórico. En cualquier caso lo incuestionable es que en tan temprana época de la humanidad la idea de plasmar el desnudo ya era un hecho.

Dando un gran salto en la historia entramos en el arte Helénico Griego y vemos en el mismo al Fauno Barberini (lámina 02), muchos siglos después, y nos percatamos que el interés por la representación del desnudo no ha decaído, aunque sí han variado las formas y maneras de abordar el tema. En este caso el denudo del fauno es el pretexto usado por el artista para mostrarnos a través del más fino cincelado de mármol de Pérgamo, la figura desnuda del sátiro Barberini mientras descansa en displicente actitud.

Con posterioridad y andando a grandes zancadas por la historia del arte que en esencia viene a ser como la parte gráfica de la historia de los pueblos y sus culturas, nos topamos con dos desnudos diferentes (lámina 03 y 04), pero ambos de impecable factura realista que nos muestran que el desnudo en las artes no sólo no se detuvo, sino que ha ido evolucionando paralelo a las nuevas formas de hacer y ver el arte y que siempre ha ejercido sobre creadores y espectadores una extraña fascinación que no ha dejado de perder actualidad por estilizada, deformada o fragmentada que nos parezca (ver lámina 05 y 06), pues el arte en lo general y el desnudo en particular van a seguir teniendo las formas más disímiles de manifestarse y todas serán válidas en esa eterna búsqueda de la belleza.

Roberto J. Cayuso

"El instante" por André Masson

2011-02-28T19:22:00.000-08:00

André Masson (1896-1987)

"Slays", 1931 por André Masson

Por un momento contemplemos cómo se comporta la naturaleza; persuadirse de aquello que da esencialmente señales de vida: el aire y la luz.

Contentarse con comunicar a través de un aspecto de las cosas; este aspecto sería el más tenue, el más fugitivo.

Abandonar la ideografía, renunciar al espacio lineal y refugiarse en el espacio aéreo: esto sería penetrar instantáneamente en otro mundo.

La tendencia por lo primitivo introdujo el diseño en la obra pictórica y se manifiesta por la limitación del contorno que separa un objeto de otro, la luz real -la viva- no es de una parcialidad tan abusiva.

Disuelve las arquitecturas; prescinde de toda macicez.

La luz, decía un pintor de antaño, es como el agua; toma bien o mal su curso y al instante recobra su nivel.

Pequeña historia de la luz pictórica. En la pintura verdaderamente primitiva, dedicada a fines didácticos o teológicos, el contorno es primordial, es decir el signo; el color es secundario, interviene en forma expresiva o simbólica; la luz es abstracta.

Por lo tanto, en la medida que el arte de la pintura se emancipa, y se transforma en expresión lírica -e individual- la luz se impone amorosamente. La luz es una consecuencia, exquisita o patética.

Pintar es hacer aparecer, sobre una superficie vacía, las formas; más es menester sugerirlas por la luz, en vez de precisarlas con las líneas. Este empeño - el de la emancipación pictórica- es el más generoso y desarrollado (tengamos en cuenta la excelencia de aquellos que se lo propusieron); ha dado gloria a la pintura de caballete, y ésta sigue siendo, en Occidente, la forma en que se ha manifestado la gran pintura...

André Masson

El impresionismo del pintor venezolano Emilio Boggio

2011-02-14T22:47:00.000-08:00

03- Atardecer

02- Fin de jornada

01- Le moulin de Perigny

Emilio Boggio (1857-1920). Es uno de los pintores venezolanos más importantes de todos los tiempos y su nombre y obras han trascendido las fronteras nacionales para convertirse en patrimonio de la humanidad. Se trasladó a París, en compañia de sus padres, a la edad de siete años (1864) y realizó estudios académicos regulares hasta 1873, año en el que regresa a Venezuela donde permanecerá hasta 1877. Luego retorna nuevamente a París para comenzar estudios formales de arte en la academia Julian. Algún tiempo después empieza a recibir honores en formas de premios y distinciones de todo tipo por su actividad pictórica. En 1888 gana una “Mención de Honor” en el “Salón de Artistas Franceses” y al año siguiente (1889) logra una medalla de bronce en la “Exposición Universal de París”, mientras que en 1899 fue igualmente premiado en el “Salón de Artistas Franceses”. Hasta aquí todos estos premios fueron ganados en “Salones Oficiales”, o lo que es igual: fueron premios académicos otorgados a trabajos dentro de los cánones estéticos de la academia. Algo que no iba a durar mucho más tiempo.

En 1900 y en ocasión de la exposición retrospectiva “Cien años de la pintura francesa”, fue que Emilio Boggio conoció a Claude Monet (1840-1926) y Camille Pisarro (1830-1903), dos de los más importantes artistas impresionistas y ambos figuras claves de dicho movimiento. Este encuentro va a ser decisivo en el posterior desarrollo plástico de Boggio, que se va a apartar definitivamente de la rigidez del modelo académico y su detalle minucioso para comenzar a hacer una pintura más suelta al aire libre, llena de color-luz y más centrada en los efectos de la luz natural sobre los objetos que pueblan los temas de nuestra vida cotidiana y que se llamó “impresionismo” (lámina 01). Este fue su punto de partida para las nuevas corrientes estéticas que muy pronto van a constituir el llamado arte contemporáneo y en las que va a estar presente.

Tras años de dedicación a la pintura impresionista y cuando aún este estilo disfrutaba de plena actualidad, vemos en Emilio Boggio operarse una segunda evolución -recordemos que la primera fue de la academia al impresionismo- que lo llevó a incursionar en el postimpresionismo, el estilo de sus contemporáneos Georges Seurat (1859-1891) y Paul Signac (1863-1951).

Desde esta nueva perspectiva plástica pintó obras del llamado “puntillismo” o “divisionismo”, de las que hoy se conservan algunas (ver lámina #02 ). Posteriormente va a pintar algunos cuadros que por su modernismo van a estar muy próximos a la abstracción, aunque esta no fuera su intención (ver lámina #03). En el caso de Boggio no puede aducirse lo mismo que con Monet, donde muchos especialistas aseveran que toda esa aventura plástica, decididamente abstracta de Monet en el estanque de su jardín en Giverny se debía a problemas visuales, pues hasta donde sabemos nunca se ha hablado de las “cataratas” de Emilio Boggio.

Por aquello de que “De buenas intenciones está empedrado el camino al infierno”, hemos leído muchas veces que Emilio Boggio fue pionero del impresionismo en Venezuela. Lo cual es cierto y no es tema a debate, pero el caso real es que con esa afirmación se está desconociendo que la labor de Emilio en Europa trascendió ampliamente los marcos de su frontera natal, pues fue grande entre los grandes; aunque en la actualidad, como con otros tantos creadores, permanecen en el lado oscuro del conocimiento público por falta de divulgación, pero no de genealidad.

Roberto Cayuso

Emigración artística

2011-01-26T15:33:00.000-08:00

Sabemos que todos los días hay artistas que se ven obligados a bracear con las dificultades que entre ellos apareja la búsqueda de la expresión, van a tierras extranjeras para ver en qué forma podrán resolver las exigencias del simple vivir, con el consecuente desarraigo y las esenciales dificultades con que tropieza el que se injerta en ajeno paisaje. No se trata de artistas hechos para las alegres soirees diplomáticas, o de los que viven en perennes nostalgia de paises de superior cultura, haciendo asco de cuantas preocupaciones por el arte o por la dignificación de la nación, han tocado a los mejores nuestros; sino, por el contrario, de aquellos que habían hecho de nuestras raíces nutricias, paisajes, hombres, objetos, el más firme conpromiso para que de ahí extrayese su obra, sus esencias y la evidencia o justificación de su hallazgo formal. Qué motivaba ese hecho monstruoso? Es decir, los afanosos en incorporarse un paisaje nuestro, que se ven obligados a trabajar en otro paisaje que percibirían como cosa prestada que los atraerá una estación para ver museos y espectáculos artísticos, pero que en lo profundo se mantendrá cerrado y banal frente a ese hombre de pasada en tierras ajenas. Porque pongamos las cosas en su sitio, no se trata del artista que en su adolescencia cierra sus valijas y va a anclarse en otro paisaje cultural, en momentos en que su sensibilidad necesita de esa dilatación. Sino todo lo contrario, quien está en momentos de apresar, de perseguir en sus variantes y laberintos una realidad, por no poder cumplir entre nosotros los más elementales modos del vivir cotidiano, de lo necesario perentorio, se ve condenado a un destierro infructuoso, a llevar su nostalgia por los museos de cera y a pasearse por paisajes que para él serán de alambre y de nieve forrada de algodón.

La pintura cubana (segunda parte)

2011-01-09T17:29:00.000-08:00

Es a partir de los años 30’ que se inicia el gran auge de la pintura moderna cubana. Desde entonces empezó un aumento, nunca antes visto, de las mejores y cada vez más frecuentes exposiciones en Cuba y el extranjero. Todo este inusitado movimiento cultural corría a la par de la salida de nuevas revistas de arte, literatura y publicaciones de todo tipo que van a fomentar el interés por lo que en Cuba estaban haciendo sus más jóvenes creadores. Empezaron a surgir coleccionistas del “arte nuevo” como lo fueron Bruno Gavica, Ramirez Corría, Luis de Soto, Lidia Cabrera y otros tantos, que iban a contribuir a despertar, con sus acciones, no sólo a los “oficiosos” de la cultura cubana de su “amodorramiento oficial”; sino que van a lograr traer un inusitado interés por un arte que recién nacía.

Sin hablar de la Primera exposición de arte nuevo, 1927 de la Revista de Avance en la Asociación de Pintores y Escultores de La Habana, Cuba, de la que ya hicimos referencia en la primera parte de este artículo, al año siguiente (1928) se realizó la Exposición Nacional de Bellas Artes y Décimotercer Salón Anual de Bellas Artes en el antiguo edificio del colegio de Belén en La Habana, Cuba. En esta muestra se dieron cita artistas representantes de la "vieja academia” como lo fueron Esteban Domenech, Enrique García Cabrera, Adriana Billini, Concha Ferrant, etc. Mientras la corriente modernista estaba representada por figuras de la talla de Víctor Manuel, Eduardo Abela, Antonio Gattorno y otros que se iban a convertir pocos años después en verdadero estandartes del primer movimiento modernista cubano.

A principios de la década de los 30’ (1935) se realiza La I Exposición Nacional de Pintura y Escultura en el Colegio de Arquitectos de de La Habana, Cuba. Donde se consolida, aún más lo “nuevo”. Aparecen creadores de la “vanguardia” como Jorge Arche, Arístides Fernández, Felipe Orlando, Amelia Peláez, Ponce, Carlos Enríquez, René Portocarrero, etc., junto a artistas representantes de la “academia” : Emilio Rivero Merlín, Gumersindo Barea, Ramón Loy, Mariano Miguel, etc. Cabe destacar, como dato curioso, que en esta muestra el salón de exposición se dividió en dos; en una parte estaba la pintura más “conservadora” mientras que en la otra se colocaron las obras de los llamados “vanguardistas”. Suceso que parecía sacado de ese viejo refrán popular que dice: “Juntos, pero no revueltos”.

La realidadad es que con ésta exposición se inició el camino para otros “Salones Nacionales” donde serían premiadas obras y artistas”. Posteriormente se sucedieron “Salones” similares que, aunque no fueron realizados de manera consecutiva; sino con irregularidad sirvieron para premiar el talento joven e ir cohesionando un arte más espontáneo y a tono con lo que estaba sucediendo en la capital del arte, por ese entonces, París. Un arte ejecutado con formas y maneras europeas, pero realizado desde presupuestos nacionales como lo fueron el campo cubano y sus míticos personajes. Tenemos el caso del negro cubano con toda esa carga de sincretismo religioso que produjo y aún produce algunas de las más hermosas leyendas plásticas del arte cubano. Al campesino cubano lo vamos a ver desde una óptica mucho más a tono con la realidad, mientras que el paisaje que lo envuelve se va a tornar mas “naïf” y transparente. La nueva manera de hacer arte está transformando el panorama plástico nacional. La arquitectura colonial, en la pintura de Amelia Peláez, se hizo línea y fluidez de color. La dura línea de piedra y el abigarrado barroquismo se tornaron tan suaves como el pliegue de un pañuelo de seda, mientras el color quedó atrapado entre vitrales y medio puntos para volverse el color de Cuba.

Así fue naciendo la pintura cubana, tan lenta como un largo bostezo americano fue su despertar tras el cual y luego de ingentes trabajos, incontables sacrificios y no menos frustraciones, fue naciendo un nuevo estilo, una nueva manera de hacer que la hizo diferente a otras y le dio fisonomía propia y un nombre: La Escuela de La Habana.

Roberto Cayuso

La pintura cubana (primera parte)

2010-12-27T19:12:00.000-08:00

Víctor Manuel (1897-1969) "Los novios"

01-Vida y muerte de la mulata por Víctor Patricio Landaluze

Hace casi un siglo que se inició el movimiento moderno en la pintura cubana. Movimiento que ha sido considerado por la mayoría de los especialistas como el período más importante y creativo de toda la plástica cubana. Anteriormente le antecedió un largo proceso de coloniaje español que duró casi cuatro siglos. Durante parte de esa época, desde el siglo XVI hasta finales del siglo XVII, fueron hechos algunos grabados de temas cubanos realizados por artistas europeos, muchos de los cuales jamás habían estado en Cuba. En las postrimerías del siglo XVIII surgen en el panorama nacional dos artistas nacidos en Cuba: Francisco Javier Baez (1746-1828) y Manuel Antonio Parra (1768-?), hijo de Nicanor Parra, que realizó los grabados para el libro de su padre sobre los peces en Cuba.

Posteriormente en el siglo XIX llegan a Cuba, atraídos por el desarrollo de la industria del tabaco y el movimiento gráfico que ello provocó, figuras como Hipólito Garneray (1787-1858), Federico Mialhe (1800-1868), Eduardo Laplante (1818) y James Gay Sawkins (1806-1879) entre otros.

En la pintura específicamente podemos citar a artistas como José Perovani (1765-1835) y Juan Bautista Vermay (1786-1833), este último primer director de la Escuela San Alejandro, fundada en La ciudad de La Habana en 1828. En el propio siglo XIX llega de España el pintor Víctor Patricio Landaluze (1826-1889), interesado en los temas costumbristas sobre todo en el mundo de los esclavos negros. Además de pinturas hizó ilustraciones, caricaturas y las famosas marquillas para tabacos como la conocida serie “Vida y muerte de la mulata” -ver ilustración 01- en las que colaboró Landaluze.

De los primeros pintores nacidos en Cuba tenemos en el siglo XVIII y primera mitad del XIX a Nicolás de la Escalera (1734-1804), Juan del Río (1748-?), Tadeo Chirino (1717-1791) y Vicente Escobar (1762-1834). En la segunda mitad del s.XIX arriban a Cuba extranjeros como Eliab Metcalf, Henry Clenewerk (1818-1901) y Valentin Sanz Carta (1849-1896). Cubanos como los hermanos Chartrand, los Melero y los Menocal, constituyero verdaderas familias de pintores y otros como Guillermo Collazo, Armando Menocal, Leopoldo Romañach, etc., también fueron destacados artistas de la época que con sus trabajos ayudaron a cohesionar e ir dándole una fisonomía propia al incipiente movimiento plástico cubano.

Ya inaugurada la república en 1902, y entrando a fines de la década de los diez, la academia cubana comienza a perder su influencia en el quehacer artístico cubano sobre todo a partir de la renovación artística que en europa trajeron los impresionistas, postimpresionistas, fauvistas, cubistas y expresionistas y que tuvo gran repercusión en Cuba. Artistas formados dentro de la Escuela Nacional de Arte San Alejandro, de La Habana, como lo fue Víctor Manuel (1897-1969), que hacia 1917 empieza a apartarse de los estrechos cánones estéticos de la academia y comienza a hacer una pintura más moderna y espontánea. La caricatura y la ilustración gráfica jugaron un papel más de avanzada que la pintura. Rafael Blanco (1885-1955) hace obras de estilo expresionista a fines de la década de los diez, mientras Conrado Massaguer (1889-1956), hacía caricaturas muy modernas para la revista Social en la década de los veinte; pero no fue hasta 1927 con la Exposición de Arte Nuevo que presentó la Revista de Avance en 1927, que el arte moderno en Cuba se vistió de gala con la muestra de obras de Víctor Manuel, Eduardo Abela (1889-1965), Carlos Enríquez (1900-1957) y otros muchos que en ese momento formaban parte de lo mejor de la vanguardia cubana.

Fueron las revistas de Avance y posteriormente Orígenes dos de las más importantes publicaciones de la época y tuvieron un papel primordial en el movimiento cultural de entonces. Críticos como Guy Pérez Cisneros, Lezama Lima, Gómez Sicre, Jorge Mañach, Edmundo Desnoes, etc. realizaron una labor enorme dentro y fuera de Cuba para la difusión y valoración de la nueva pintura.

Roberto J. Cayuso

El paisaje de Pedro Amador

2010-12-13T20:16:00.000-08:00

Tomando el entorno natural como punto de partida, Pedro Amador ha construído con múltiples recursos y gran energía un paisaje unitario que toma en cuenta cada detalle, por pequeño que sea, imprimiéndole un sentimiento íntimo a la vez que personal.

Guiado por la razón, pero sin aceptar limitaciones impuestas por el tema, se deja llevar en las alas de sus sueños hacia un universo de colores e imágenes que nos hablan de paisajes y donde manifiesta su gran sensibilidad presente en cada detalle y en cada línea donde sentimos vibrar su inspiración. En la representación de la pequeña hoja, en el tranquilo arroyo, o en la majestuosidad del mar siempre vamos a sentir una sensación de vida y frescor de orilla.

Pedro Amador es parte de esa nueva generación del paisajismo cubano, heredero de la vieja tradición de los hermanos Chartrand, Valentín Sanz Carta, Domingo Ramos y tantos otros que en su momento dieron lustre al paisaje cubano.

Pedro es, sin dudas, un talentoso creador y figura destacada en el mundo del paisaje. Sus inspiradas obras dejan en nosotros una huella perdurable producto del contacto con su arte magistral.

Roberto J. Cayuso

José Mijares: "El color sin fronteras"

2010-11-28T21:35:00.000-08:00

Mijares es uno de los grandes de la pintura latinoamericana y un auténtico creador, dotado con un peculiar estilo con el que es capaz de reunir en un determinado orden líneas y colores. Creando un todo capaz de una existencia estética que trasciende el tema. En su pintura se aprecian elementos surrealistas en lo referente a la irracionalidad que nos muestra a través de seres, algunas veces inertes y descarnados, que en ocasiones de mezclan o convierten en caprichosas formas geométricas que evocan temas espaciales y donde la imaginación se recrea con lo inverosimil en su eterna busqueda de nuevas formas.

Roberto J. Cayuso

El color sin fronteras, es un documental que nos adentra en la órbita de Mijares. A través de él conocemos como transcurrió una parte de su existencia e inquietudes. Casi sentimos que somos llevados de su propia mano, mientras nos va narrando pasajes de su vida y de la época que le tocó vivir.

Este documental fue dirigido por Willy Vázquez, mientras que la narración y la investigación histórica estuvo a cargo de Roberto Cayuso.

Realismo Socialista

2010-11-21T14:52:00.000-08:00

05-Hitler y Lenin (pinturas)

04-Carteles propagandísticos de Alemania y Rusia durante la Segunda Guerra Mundial en los que aparecen Hitler y Stalin

03-La defensa de Sebastopol por Alexander Deineka

02-Lenin y sus seguidoress, 1927

01-Los picapedreros (1848) de Gustavo Courbet.--Mujeres planchando por Degas.--Las recogedoras por Millet

Los orígenes del “Realismo Socialista” se encuentran en el “Realismo”, un movimiento artístico que tuvo su desarrollo a finales de la primera mitad del siglo XIX y que muy bien definió el crítico de arte Castagnary como “un arte que es la expresión de la vida bajo todos sus modos y en todos sus grados” y en el que se prescinde de todo intento de modificación tendiente al embellecimiento del tema y, por el contrario, son tratados asuntos de la vida diaria en los que destacan trabajadores, obreros y campesinos. (ver ilustración 01)

El “Realismo Socialista, aunque lo vemos durante la Rusia stalinista e incluso antes, desde el triunfo de la “Revolución de Octubre” (1917) -ver ilustración 02-, no fue hasta principios de los años ‘30 que se impuso como un estilo muchas veces monumental y de un carácter decididamente épico, a la vez que heroico que lo diferenció del “Realismo”. (ver ilustración 03)

Cabe destacar que igual que casi todo movimiento plástico que tiene sus ideólogos que escriben manifiestos y establecen lineamientos a seguir dentro del movimiento. También cada movimiento social ha deseado ser representado por una corriente plástica que a la par que lo legitime lo de a conocer. A lo cual no fue ajeno este movimiento que tuvo en la figura del dramaturgo alemán Bertolt Brecht (1898-1956), uno de sus mayores propugnadores.

Muchas veces se ha dicho que el “Realismo Socialista” es “una corriente estética cuyo propósito es llevar los ideales del comunismo al terreno del arte”. Lo cual es cierto, pero sólo en parte, pues se olvida que además de representar los ideales comunistas sirvió para fines similares a la Alemania nazi durante la Segunda Guerra Mundial (ver ilustración 04 y 05).

Hay algunos especialistas que plantean que “no puede hablarse de un estilo o lenguaje artístico nazi, pues éste no es un movimiento autónomo o una actitud poseedora de base estética.” La realidad es que tan discutible es la base estética del llamado "arte nazi", como lo es la del “Realismo Socialista”, en cuanto a que cada uno subordinó la estética a la política y ambos por igual se valieron de un arte ecléctico conformado por ingredientes tan diversos como lo son el arte griego, el renacimiento y el barroco; usados con formas y en actitudes destinadas a la exaltación de ciertos ”valores patrios” con fines propagandísticos.

Roberto Cayuso

La angustia

2010-11-14T23:19:00.000-08:00

"El grito" de Edvard Munch

El concepto de angustia aparece muy relacionado con el problema de la moral, de modo que llega a constituir uno de sus principales componentes, y a este respecto dice el propio Sartre: “El existencialismo suele declarar que el hombre es angustia. Esto significa que el hombre que se compromete y que se da cuenta de que es no sólo el que elige ser, sino también un legislador, que elige al mismo tiempo que a sí mismo a la humanidad entera, no puede escapar al semtimiento de su profunda y total responsabilidad.”

Como se ve, Sartre concibe la angustia como el sentimiento que produce en el hombre la conciencia de que cada una de sus decisiones lo afecta no sólo a él, sino también a los otros. O sea que la angustia es para Sartre un estado de ánimo que revela la preocupación por el mundo en cuanto se refiere a la posibilidad de actuar en él, como igualmente por lo que toca a sus resultados. Porque, además -y en esto se aparta Sartre bruscamente de Heidegger cuando escribió: “nunca podemos elegir mal; lo que elegimos es siempre el bien, y nada puede ser bueno para nosotros sin serlo para todos”. Lo cual equivale a afirmar que existe una predeterminación del mundo en el hombre y reciprocamente, sin la cual ni hay ni puede haber ni existencia ni mundo.

En Heidegger, por el contrario, en su filosofía, la angustia no la produce el mundo concreto de las cosas y los sucesos. Es el mundo como tal, la pura mundanidad la causa de la angustia. Por el contrario de lo que afirma Sartre, para Heidegger la angustia reduce, pulveriza y aventa esas circunstancias del mundo como tal que son el mundo del trabajo y el mundo circundante, el de cada cual en el mundo en su estado puro. De modo que la angustia que experimenta el "Dasein" la debe a sí mismo, y tiende, no como en Sartre a procurar una realización de la existencia que nos afecta individual y colectivamente, sino a escapar de ese mundo de la inautenticidad para retornar, en la medida de lo posible, por lo menos al sentimiento de la situación original, que devuelve al hombre su dignidad existencial.

Humberto Piñera Llera 1911-1986

Profesor cubano de filosofía y de literatura, nacido en Cárdenas y fallecido en Houston, Texas. Se doctoró en Filosofía y Letras en la Universidad de La Habana en 1942, siendo luego profesor y, desde 1955, catedrático en la misma. Colaboró con Roberto Agramonte en la organización y edición de la Biblioteca de Autores Cubanos, colección que publicó a los grandes pensadores cubanos del siglo XIX. Fue uno de los fundadores en 1945 del Grupo filosófico-científico de La Habana.

Constructivismo ruso

2010-10-31T17:43:00.000-07:00

Soldados bailando por Mikhail Larionov (1881-1964)

Alexander M. Rotchenko (1891-1956)

Tercera Internacional o Torre de Vladimir Tatlin (maqueta)

El nombre del movimiento artístico “constructivismo” se dio a conocer publicamente en 1921, aunque ya existía desde bastante antes. Fue un movimimiento plástico que tuvo su mayor realce en la arquitectura, la escultura y la pintura. Pasó a incorporar, en la creación de sus nuevo formulado plástico, ciertos materiales industriales como el acero laminado, el cristal, los metales, plásticos, etc.

El "constructivismo ruso" es una forma más de la “abstracción” que tuvo primero en Rusia, antes, durante y después de la “Revolución Rusa”, su máximo apogeo. Mientras que fue hacia 1917 cuando llegó a Holanda junto a los emigrados rusos. Posteriormente, en éste país, un grupo de artistas holandeses y de otras nacionalidades constituyeron el núcleo holandés constructivista, que más tarde pasaría a ser “De Stijl”. Entre estos artistas se encontraban Piet Mondrian (1872-1944), Theo van Doesburg (1883-1931), (Georges Vantongerloo (1886-1965) y otros más quienes lograron la internacionalización de un movimiento plástico hasta entonces confinado a la frontera rusa.

Para los constructivistas rusos el arte y la utilidad van de la mano, pues concibieron sus creaciones con “ansias reconstructivas de una nueva sociedad”, es decir, con un afán de transformación profunda del entorno social y más para lo que se valieron, entre otras, de la arquitectura, el diseño y la escenografía.

Entre las figuras claves del “constructivismo ruso se encuentran ”Vladimir Yevgrafovich Tatlin (1885-1953), Alexander Rodchenko (1891-1956), Mikhail Larionov, Naum Gabo (1890-1977), Antoine Pevsner (1886-1962) y Liubov Popova (1889-1924).

Cabe destacar que muchos de estos artistas, como frecuentemente ocurre, militaron en diferentes corrientes estéticas, por lo que resulta fácil verlos en ocasiones como suprematistas, cubistas, rayonistas, etc.

Roberto Cayuso

Apropiaciones artísticas

2010-10-16T21:31:00.000-07:00

01-Giorgione y 02-Manet

03-Pablo Picasso

Leonardo Da Vinci y Marcel Duchamp

05-Pintura de Fernand Leger-----05a-Máscara africana

“Más que un coleccionista de objetos, Picasso era un coleccionista de ideas”. Jean Paul Barbier

Lo que hoy conocemos como apropiaciones artísticas pictóricas es algo que existe desde hace mucho tiempo. Las apropiaciones pueden y de hecho son de diferentes tipos, siendo quizás una de las más frecuentes aquellas donde el artista, a través de su propia visión, retoma el tema de una obra realizada por otro con anterioridad y la desarrolla con algunas variantes y un similar arreglo compositivo. Creando así su propia versión de una obra previamente ejecutada como en el caso de “Almuerzo sobre la hierba” de Edouard Manet, realizada entre 1862 y 1863 (lámina 02), la cual independientemente de sus propios valores, que nadie cuestiona, no deja de ser una legítima apropiación temática de la “Fiesta campestre" de Giorgione -1477-1510- (lámina 01).

Otra clase de apropiación es aquella donde el artista interpreta desde otra óptica, y para ello vamos a tomar como ejemplo nuevamente el “Almuerzo sobre la hierba” de Manet, pero ahora realizado con diferentes presupuestos plásticos a los que el propio Picasso contribuyó creando una nueva expresión artística. En la apropiaciones que Picasso hizo de este tema (lámina 03) no existe el propósito de atacar el “Almuerzo sobre la hierba” de Manet, como algunos críticos han señalado, sino simplemente el placer de hacer lo mismo que hizo Manet con la obra de Giorgione, pero ahora desde una nueva manera de hacer y ver el arte: el “Cubismo”.

Existe otro tipo de apropiación, altamente corrosiva y muy a tono con la filosofía del movimiento “Dada”, aparecido en Europa y norteamérica entre 1916 y 1922, en donde un grupo de artistas van a tratar de imponer una visión de caos y destrucción del “viejo arte” en favor de lo que llamaron el “antiarte”. Una de las figuras claves de ese movimiento lo fue Marcel Duchamp (1887-1976) que un día de 1919, partiendo de una tarjeta postal de la Mona Lisa (lámina 04), una de las pinturas más famosas de la pinacoteca mundial y obra de Leonardo da Vinci. Le añadió bigote y barba, logrando así parodiar la gran obra al apropiarse de la imagen y alterarla para sacarla de de su contexto original, creando así una nueva e irreverente lectura plástica de la Mona Lisa.

Por último no queremos pasar por alto otra modalidad, bastante frecuente, de apropiación que a diferencia de las anteriores sólo va a incorporar en la obra original del artista un elemento de otra obra (pintura o escultura), que con algunos pequeños cambios va a formar parte de una nueva y diferente producción artística. (lámina 05 y 05a).

La realidad que eso de los objetos artísticos que pasan a formar parte en la creación de otras obras, fue un recurso utilizado por muchos artistas europeos en los comienzos del siglo XX. Con el surgimiento del arte contemporáneo; artistas como Matisse, Picasso, Leger y otros vieron en las máscaras africanas, que recién arribaban a París, algo que los emocionó de tal manera, que poco tiempo después los vemos coleccionándolas y reflejándolas, de mil maneras diferentes, en sus pinturas.

Roberto J. Cayuso

"Land Art" (Arte Terrestre)

2010-10-03T15:04:00.000-07:00

Thomas Kneubühler’s “Electric Mountains”

Spiral Jetty, 1970, by Robert Smithson

Christo and Jeanne-Claude: Surrounded Islands (1983)

El Land Art o Arte Terrestre es una expresión artística que trasciende, por su monumentalidad, los soportes utilizados habitualmente por los artistas como el lienzo o la madera. Igualmente los espacios en que tradicionalmente habían sido utilizados para la exhibición de obras de arte, museos o galerías, se convirtieron en escenarios naturales como playas, islas, ríos y otras veces puentes, edificios, etc. Los cuales, dentro de su contexto natural, son alterados mediante el empleo de las más diversas técnicas y materiales.

Por razones de la monumentalidad, como parte inherente del “Land Art”, se hace imposible su traslado a los espacios tradicionales de exhibición y es en ese punto que entra a jugar la fotografía, muchas veces firmada y limitada, y los videos como elementos principalísimos de coleccionismo y divulgación.

Cuando hablamos del “Land Art” lo estamos haciendo de un arte que utiliza la naturaleza para transformarla, pero no desde un ángulo crítico desde el cual mostrarnos el uso violento e indiscriminado al que el hombre somete a la naturaleza. No, la realidad es impresionarnos con la aprehensión de un paisaje majestuoso y natural, alterado de diferentes maneras y donde lo ecológico y su preservación no sólo no es tenido en cuenta, sino que en ocasiones se ha señalado al “Land Art” como responsable de posibles daños contra la flora y la fauna en los lugares donde han sido hechas sus “instalaciones”.

Por razones obvias el “Arte terrestre” es un arte efímero y cambiante que, como ya hemos visto, se llega a él a través de su interdependencia con la naturaleza y donde lo importante reside en la visualización del paisaje como objeto transformado por el artista.

Roberto Cayuso

Vicente Dopico: "El caos y la imagen"

2010-09-26T15:49:00.000-07:00

En la obra de Vicente Dopico vamos a ver la expresión de las formas, usualmente humanas, llevadas a su máxima expresión de color-luz. Dopico es un pintor que, aunque se regocija en el dibujo debemos seguirlo atendiendo el color de sus creaciones, pues es ahí donde radica su mayor disfrute, ya que es a través del color que nos entrega todo su mundo de imágenes intimistas y perfectas.

En una ocasión Dopico dijo: “ Considero que una obra no es sólo la impresión de una imagen o color, o la combinación de ambos sobre una superficie, llenando el espacio de una pared. El arte, en este caso una pintura, es la manifestación emocional del artista que la produce, y su función principal es que el observador posible se convierta no solo en espectador sino en parte activa del cuadro.

Decia Mark Rothko: -Un cuadro cobra vida ante la presencia de un observador sensible, ante el cual se desarrolla y crece-, sin embargo yo creo que es responsabilidad del artista producir esa obra que contenga personalidad propia. Hay artistas que se abrazan al preciosismo y la técnica y dejan a un lado la verdadera esencia de la obra que es comunicar emociones.

Yo considero que si una obra no posee vida propia, y una capacidad para transmitir el sentimiento con que fue creada, carece de sentido artístico, aunque sea técnicamente perfecta, y su función no pasará de ser meramente decorativa”.

Roberto J. Cayuso

"El caos y la imagen" es un documental dirigido y editado por Roberto Cayuso y producido bajo el sello de Art Works Productions. En el mismo se muestran algunos de los aspectos más sobresalientes de la obra y la vida de Vicente Dopico Lerner, maestro de formas y colores.

Las obras de arte más costosas

2010-09-11T17:41:00.000-07:00

"Nude, Green Leaves and Bust" por Pablo Picasso

$106,482,500 - Pablo Picasso (Nude, Green Leaves and Bust)

$103,800,500 - Alberto Giacometti (L'HOMME QUI MARCHE I)

$87,936,000 - Gustav Klimt (Portrait of Adele Bloch-Bauer II)

$86,281,000 - Francis Bacon (TRIPTYCH, 1976)

$82,500,000 - Vincent Van Gogh (Portrait du Dr. Gachet)

$80,549,390 - Claude Monet (Le Bassin Aux Nymphéas)

$79,304,700 - Peter Paul Rubens (The Massacre of the Innocents)

$78,100,000 - Pierre A. Renoir (Au Moulin de la Galette)

$72,840,000 - Mark Rothko (WHITE CENTER (YELLOW, PINK AND...

$71,720,000 - Andy Warhol (The New Spirit)

$60,502,500 - Paul Cezanne (RIDEAU, CRUCHON ET COMPOTIER)

$60,002,500 - Kasimir Malevich (SUPREMATIST COMPOSITION)

$52,309,990 - Amedeo Modigliani (Tête)

$47,585,330 - Raffaello Sanzio Raphael (Head of a Muse)

$46,048,160 - Henri Matisse

$44,367,880 - Joseph Turner (MODERN ROME - CAMPO VACCINO)

$39,241,000 - Paul Gauguin (te poi poi)

$39,241,000 - Fernand Leger (ETUDE POUR 'LA FEMME EN BLEU)

$38,162,500 - Edvard Munch (VAMPIRE)

$38,096,000 - Ernst L. Kirchner (Berliner Strassenszene)

$37,429,760 - Constantin Brancusi (Madame L.R. (Portrait)

$37,042,500 - Edgar Degas (DANSEUSE AU REPOS)

$35,202,500 - Georges Seurat (AU DIVAN JAPONAIS)

$33,641,000 - Lucian Freud (Benefits Supervisor Sleeping)

$33,029,030 - Edouard Manet (PORTRAIT DE MANET PAR LUI-MÊME)

$32,964,400 - Rembrandt Van Rijn (Portrait of a man...)

$32,656,020 - Giovanni A. Canal (VENICE, THE GRAND CANAl...)

$29,600,370 - Gino Severini (DANSEUSE)

$28,642,500 - Jasper Johns (Flag)

$27,702,500 - George W. Bellows (Polo Crowd)

$27,662,240 - Piet Mondrian (Composition in Blue, Red, Yellow and Black)

$27,120,000 - Willem de Kooning (Untitled XXV)

$26,896,000 - Edward Hopper (Hotel Window)

$25,783,060 - Jeff Koons (Balloon Flower (Magenta)

$24,417,180 - Antoine Watteau (La Surprise...)

$24,326,830 - Franz Marc (WEIDENDE PFERDE III (GRAZING HORSES III)

$23,962,740 - Andre Derain (ARBRES À COLLIOURE)

$23,816,000 - David Rolland Smith (Cubi XXVIII)

$23,561,000 - Yves Klein (MG 9)

$17,737,000 - Thomas Moran (Green River of Wyoming

$17,219,550 - Chaim Soutine (L'Homme au Foulard Rouge)

$17,065,000 - Joan Miro (LA CARESSE DES ETOILES)

$16,983,140 - Diego Velazquez (SANTA RUFINA)

$16,882,500 - Wassily Kandinsky (STUDIE ZU IMPROVISATION 3)

$16,816,000 - Max Beckmann (Self Portrait with Crystal Ball)

$16,256,000 - Roy Lichtenstein (In The Car)

$15,709,010 - Gerhard Richter (KERZE (CANDLE)

$15,416,000 - Norman Rockwell

$15,161,000 - Takashi Murakami (MY LONESOME COWBOY)

$15,053,760 - Domenico Zampieri (Saint John the Evangelist)

$14,757,120 - Daqian Zhang (Aachensee)

$14,601,000 – Robert Rauschenberg (OVERDRIVE)

$14,601,000 - Camille Pissarro (L'Hiver)

$14,600,000 - Jean Basquiat (UNTITLED)

$14,160,080 - Giorgio De Chirico (Il Ritornante)

$14,041,000 - Paul Signac (Cassis. Cap Canaille)

$14,007,840 - Frans Hals (PORTRAIT OF WILLEM VAN HEYTHUYSEN...)

$13,802,500 - Kees Van Dongen (JEUNE ARABE)

$13,760,000 - Marc Chagall (Le Grand Cirque)

$13,595,000 - Anthony Van Dyck (SELF PORTRAIT)

$12,814,830 - Bernardo Bellotto (Rome - The Forum with the Temple of Castor...)

$12,404,250 - Andrea Mantegna (THE MADONNA AND CHILD)

$12,055,340 - Lodovico Carracci (Salmacis and Hermaphroditus)

$11,655,500 - Jackson Pollock (Number 12, 1949)

$11,574,560 - Theodore Gericault (Portrait d'Alfred et Elisabeth Dedreux)

$11,259,370 - Peter Doig ( (White Canoe)

$11,040,000 - Guanzhong Wu (A Village of Xishuangbanna)

$10,883,780 - Natalia Goncharova (Les fleurs)

$10,681,000 - Tom Wesselmann (Great American Nude N0. 48)

$10,368,790 - Rene Magritte (Le prétre marié)

$10,344,000 - Andrew Wyeth (Ericksons)

$10,162,500 - Philip Guston (BEGGAR'S JOYS)

$10,162,500 - Georges Braque (La Treille)

$10,162,500 - Hendrick Brugghen (BAGPIPE PLAYER IN PROFILE)

$10,121,000 - Piero Manzoni (ACHROME)

$ 9,906,000 - Bruce Nauman (Henry Moore Bound to Fail)

$ 9,840,000 - Donald Judd (Untitled, 1977 (77-41 Bernstein)

$ 9,673,000 - Edward Hicks (THE PEACEABLE KINGDOM WITH THE LEOPARD...)

Pintura Mexicana, 1946

2010-09-07T13:33:00.000-07:00

David Alfaro Siqueiros (1896-1974)

Diego Rivera (1886-1957)

José Clemente Orozco (1883-1949)

El fenómeno artístico que surgió en nuestro siglo y que hoy día se conoce como la “pintura mexicana contemporánea”, lo más potente y original, lo que representa una verdadera culminación del arte moderno de Occidente, es la pintura mural, que quizá no del todo casualmente se ha producido en América. Esto no quiere decir que se resten los méritos que auténticamente tiene nuestra pintura de caballete, pero hay que recordar que la pintura mural tiene un rango de primacía en la cultura, que le dan las cualidades mismas que necesita tener y que exige del artista que se atreva con ella.

Lo excepcional de la pintura mural mexicana de nuestro siglo es haber llegado a expresar con libertad sin precedentes, las visiones del mundo particular de los artistas, en esa forma pública y monumental, expresión que antaño había estado inmersa en la tradición religiosa, permitiéndose, a lo sumo, escapes al campo también tradicional del paganismo clasicista. La individual comprehensión de un sentido de la vida y el arte, según las varias penetraciones de los pintores, jamás se había expresado en la forma monumental en que se ha hecho en México. Claro está que de la calidad y penetración de la intuición del artista depende que su propia visión y expresión sea certera y por lo tanto con sentido universal. La armonía entre el componente estético y el teorético, la novedad y la fuerza vital es lo que hace que la pintura mural mexicana sea lo que es: una de las grandes expresiones de la cultura universal contemporánea.

Veintitantos años después de iniciado el movimiento, incubado mucho antes, podemos dar fe de que sus principales iniciadores son los que han continuado y mantienen en vilo, lo que representa, a mi juicio, la mejor aportación de México a la cultura del siglo XX. Orozco tiene en proceso una gran obra, la pintura de bóvedas y muros de la Iglesia del Hospital de Jesús, hoy día retirada del culto, de la cual ha terminado dos grandes tramos, el coro y un entreje; con lo que ha ejecutado allí hasta ahora es suficiente para comprobar no la madurez, sino la propia renovación del maestro que con esta sola obra renueva, a mi parecer, toda la pintura barroca y en la que, por medio de una metáfora apocalíptica nos habla, siempre con sentido crítico, de nuestro tiempo. No es de extrañar que se le haya otorgado por ella el Premio Nacional de Artes Plásticas-1946. Rivera tiene en proceso sus pinturas de los corredores del Palacio Nacional en que con sin igual maestría está completando su visión del pasado indígena, para continuar con otros aspectos de nuestra historia. Siqueiros, quien más activo que nunca en la pintura mural ha producido en estos años importantes obras, tiene en proceso la decoración de la escalera del antiguo edificio de la Ex-Aduana, en la plaza de Santo Domingo, que promete ser, por lo que lleva realizado, quizás su obra de mayores vuelos. Otros artista como Juan O’Gorman y Rodríguez Lozano han pintado también murales en los últimos tiempos. En suma, puede decirse, que la pintura mural continúa dando sus mejores frutos y que aún puede sorprendernos con novedades.

En cuanto a la pintura de caballete ha seguido y sigue el derrotero natural que podía esperarse de un ambiente conmovido por las hazañas de los pintores murales y de grupos de artistas con carácter propio, cualidades innatas y diversidad en su preparación y edades: lo cierto es que, en primer lugar, también en este aspecto del arte los grandes pintores muralistas, Orozco, Rivera y Siqueiros han contribuído y siguen contribuyendo con lo mejor de la producción, si bien aquí otros artistas se elevan a los más altos planos. Rufino Tamayo, Julio Castellanos, Jesús Guerrero Galván, Juan O’Gorman, Manuel Rodríguez Lozano, Carlos Orozco Romero, Agustín Lazo, Roberto Montenegro, Antonio Ruiz, Gabriel Fernández Ledesma, Federico Cantú, junto con los de otras generaciones anteriores, Francisco Goitia y el Dr. Atl, son los pintores que tienen ya una formación y una obra que merecen ya la reconocida reputación de que gozan.

Hay que considerar en su justo sitio y valor las obras de las pintoras, María Izquierdo, Frida Khalo y Olga Costa, las cuales muestran o expresan mundos diversos, según su propia sensibilidad y representan positivos valores.

De otras generaciones posteriores, José Chávez Morado y Raul Anguiano se encuentran muy cerca de llegar a los primeros sitios y los más jóvenes, Como Juan Soriano, Martínez de Hoyos, Guillermo Meza y otros, hacen sus armas después de haber alcanzado grandes y prematuros aplausos.

A veces se quiere juzgar la pintura mexicana atendiendo a las obras de los más inexpertos para negar desde ahí los valores auténticos, pero dígase lo que se quiera, no hay hoy día, fuera de México, otro país que cuente con las grandes figuras de la pintura universal que, milagrosamente, surgieron allí, ni con un grupo de pintores tan distinguidos que pueden rivalizar con ventaja con los de su misma fuerza, en donde sea, porque tienen calidades tales que sus obras no pueden pasar inadvertidas y en cuanto a aquellos que “ya mero son”, representan el ejemplo que ha de tener ante sí cualquiera que se sienta vocado al difícil arte de la pintura.

México ha conquistado por el valor intrínseco de su arte contemporáneo el lugar de importancia en la cultura universal que le corresponde como creador de una expresión original y monumental, no sólo a tono con el tiempo, sino con porvenir y América puede ufanarse por eso de expresar una madurez que cambia el sentido de la historia

Justino Fernández

Justino Fernández García nació en 1901 y murió en 1972, doctorado en historia por la UNAM. Escribió diversos textos que se han considerado imprescindibles en la comprensión del arte mexicano, fue crítico de arte e investigador, laboró en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM de 1936 a 1968, del cual fue director de 1955 a 1968.

La Sociedad en la Cuba Antigua (fragmento)

2010-08-29T20:52:00.000-07:00

Catedral de La Habana

En La habana todo era extraño. Las calles no eran más anchas que veredas o pasadizos, y a cada lado se alzaban sombrías paredes de piedra, atravesadas aquí y allá por aberturas que mostraban lo espeso de los muros y la penumbra del interior; estas aberturas hacían las veces de ventanas, pero en lugar de persianas de Venecia, o de bastidores con cristales, había en ellas pesadas barras, de modo que me estremecí creyéndome rodeado de prisiones. En algunas casas sobresalía de las ventanas un balcón enrejado, que permitía vigilar la estrecha calle en ambas direcciones. A veces podía verse a una muchacha medio vestida que se asomaba a conversar con el ostentoso rondador de la calle, mientras la volanta de largo cuerpo, como un insecto enorme, pasaba rápidamente conducida por el calesero fastuoso. Estos singulares vehículos son una necesidad a causa de la estrechez de las calles. El traje de los blancos era de lino delgado, blanco y de apariencia muy fresca, con anchos sombreros de paja. Los trabajadores negros iban tan desnudos como lo permitía la decencia, y completamende desnudos los niños negros menores de diez años.

Como pintor de miniaturas mi mayor deseo era el de aprender rápidamente el idioma, y así extender cuan amplio fuera posible el círculo de mis conocidos.

Me alojé en casa de Mr. Fin, manufacturero de cristalería fina, a cuyas exhibiciones acudía lo mejor de la sociedad habanera; y de esta forma, en poco tiempo, conocí a cientos de personas y disfruté de la oportunidad de escuchar un correcto castellano.

Hallé al caballero español galante y cortés hasta el escrúpulo; si bien, quizás, resultaba todo ello un exceso elaborado y formal para parecer sincero, perdiéndose así la impresionante gracia de la cortesía genuina. Las señoras eran muy airosas, con la seguridad y elegancia de movimientos que la danza confiere al cuerpo; pero su preparación mental no estaba a la misma altura. Sus maneras francas pronto seducen al extranjero, y el americano cree sentir que las ha conocido durante años. Pero el estilo de ambos sexos, sin embargo, se ofrece al espectador como la exhibición de una fórmula brillante para la que se fue entrenando desde la niñez, hasta convertirla casi en naturalidad. Los americanos tienen las coyunturas demasiado rígidas y son demasiado puritanos en sus maneras para pretender siquiera una imitación.

Jonathan Jenkins

Pintor, miniaturista, juez en California, diplomático, cónsul en Samoa, Encargado de negocios en México y coronel de milicias en California. Durante su estancia en México, publicó un cuaderno de dibujos de ruinas de Yucatán. En 1835 visita a Cuba; en 1859, comienza a escribir sobre su viaje. En 1898, muerto Jenkins, la revista "The Century Magazine", comenzó a publicar las notas de su viaje a Cuba.

Orfismo

2010-08-23T12:31:00.000-07:00

Frantisek Kupka (1871-1957)

"Rhytm, Joie de Vivre" por Robert Delaunay (1885-1941)

El Orfismo fue una corriente estética adscrita, como otra variante, al movimiento abstracto que en 1912 el crítico Guillaume Apollinaire (1880-1918) le dio nombre; aunque tuvo un desarrollo posterior el cual, la mayor parte de los especialistas, ubican entre los años 1913 y 1914.

Podemos señalar como una de las características más notables del Orfismo su forma de construcción espacial, tomada del cubismo, mientras que del futurismo se apropió de esa sensación de rapidez y fugaz colorido, a la que nos remiten algunas de su obras, de formas circulares construídas a partir de colores puros y contrastantes que parecen cobrar movimiento ante los ojos del espectador.

El Orfismo tuvo entre el artista francés Robert Delaunay (1885-1941) y el Checo, Frantisek Kupka (1871-1957), dos de las figuras claves de este movimiento al que cada uno aportó lo mejor de su creatividad.

Roberto Cayuso

Canción del sainete póstumo

2010-08-01T19:08:00.000-07:00

Rubén Martínez Villena (1899-1934)

Yo moriré prosaicamente, de cualquier cosa
(¿el estómago, el hígado, la garganta, ¡el pulmón!?),
y como buen cadáver descenderé a la fosa
envuelto en un sudario santo de compasión.

Aunque la muerte es algo que diariamente pasa,
un muerto inspira siempre cierta curiosidad;
así, llena de extraños, abejeará la casa
y estudiará mi rostro toda la vecindad.

Luego será el velorio: desconocida gente,
ante mis familiares inertes de llorar
con el recelo propio del que sabe que miente
recitará las frases del pésame vulgar.

Tal vez una beata, neblinosa de sueño,
mascullará el rosario mirándose los pies;
y acaso los más viejos me fruncirán el ceño
al calcular su turno más próximo después.

Brotará la hilarante virtud del disparate
o la ingeniosa anécdota llena de perversión,
y las apetecidas tazas de chocolate
serán sabrosas pautas en la conversación.

Los amigos de ahora -para entonces dispersos-
reunidos junto al resto de lo que fue mi "yo",
constatarán la escena que prevén estos versos
y dirán en voz baja: -¡Todo lo presintió!

Y ya en la madrugada, sobre la concurrencia
gravitará el concepto solemne del "jamás";
vendrá luego el consuelo de seguir la existencia...
Y vendrá la mañana... pero tú, ¡no vendrás!...

Allá donde vegete felizmente tu olvido
-felicidad bien lejos de la que pudo ser-,
bajo tres letras fúnebres mi nombre y mi apellido,
dentro de un marco negro, te harán palidecer.

Y te dirán: -¿Qué tienes?... Y tú dirás que nada;
mas, te irás a la alcoba para disimular,
me llorarás a solas, con la cara en la almohada,
¡y esa noche tu esposo no te podrá besar!...

Rubén Martínez Villena -La Habana, Cuba (1899-1934)-Abogado y político. A finales de la década de los veinte macha al exilio. Volvió a Cuba en 1933, aquejado de tuberculosis. Organizó la huelga que puso fin a la dictadura de Gerardo Machado y murió meses más tarde. Poeta hipersensible, exaltado e irónico, más preocupado por la muerte y los temas existenciales que por la ideología personal.

Tomado de la "Antología de la poesía cubana" de José Lezama Lima.

El Suprematismo (Otra forma de abstracción)

2010-07-25T11:02:00.000-07:00

Alexander Rodchenko (1891-1956)

Lyubov Popova (1889-1924)

Kazimir Malevich (1878-1935)

Con un rechazo total a toda forma imitativa de la naturaleza y libre de ilusionismos pictóricos, hizo su entrada al mundo del arte el suprematismo del pintor ruso Kazimir Malevich (1878-1935).

En el año 1913 Malevich decide abandonar la aventura futurista y se aparta de todo tipo de representación objetual, para pasar a la creación de formas que él llamó “absolutas”. Formas totalmente autónomas, independientes y libres de toda referencia con nuestro entorno “real”.

En 1915 Malevich dio a conocer el “Manifiesto del Suprematismo”. Documento en el que colaboró en su redacción el poeta ruso Vladimir Mayakovsky (1893-1930), en donde se daba a conocer oficialmente el nacimiento de una nueva corriente plástica, adscrita al abstraccionismo, pero con características tan propias que la van a diferenciar de cualquier otra forma de abstracción.

En 1920, cinco año después que se diera a conocer el “Manifiesto del Suprematismo”, se añadió “El Suprematismo como mundo de la no representación”, la más importante obra teórica de Malevich donde hace referencia “de la supremacía de la sensibilidad pura en las artes figurativas”: “Obras alejadas de toda implicación utilitaria; abstracciones de tipo geométrico fundamentadas en el uso de formas simples y elementales: línea recta, cuadrado, cruz, así como colores planos, blanco y negro”.

En cierta ocasión Malevich tratando de dar una explicación racional a esta nueva expresión artística dijo: “Por suprematismo entiendo la supremacía de la sensibilidad pura en las artes figurativas. Para el artista suprematista siempre será válido aquel medio expresivo que permita que la sensibilidad se exprese de modo posiblemente pleno como tal, y que sea extraño a la objetividad habitual”.

El suprematismo ejerció una influencia decisiva en el posterior desarrollo de la abstracción, y algunos de sus postulados son aplicables a otras formas de abstracción como en el caso del arte concreto.

Humberto Hernández (El Negro)

2010-07-18T10:11:00.000-07:00

Catálogo de una de sus exposiciones

Cada vez que veo un cuadro de Humberto Hernández, no puedo evitar que me asalte la memoria la “Vista de Toledo” del Greco, y no por el parecido formal entre ambos, sino por algo más sutil: el sentimiento de estar en medio de la tormenta.

Humberto es un artista que ha escogido el paisaje como su forma de expresión, pero sin ninguna semejanza con el paisaje tradicional. Construye formas con total libertad expresiva, pues más que interesarle hallar el parecido con la realidad lo que busca es transmitirnos la majestuosidad del tema, al crear grandes masas coloreadas que al expandirse parecen romper las formas que las contienen y saltan y se mezclán, movidas por el viento, mientras lanzan destellos luminosos que recorren toda la superficie del cuadro y que a veces justifica como rayos que caen sobre un imaginario tendido eléctrico.

En cada una de las obras de este artista hay una entrega personal fruto del recuerdo de sus largas andaduras a través de campos arrasados por la fuerza de las tormentas que muchas veces han asolado su paisaje natal. Por esos caminos ha ido tomando apuntes mentales o esos otros que se graban con fuerza en la retina del creador, para luego aparecer re-creados en una tela o quizás en un papel que en ligero vuelo la mano del artista supo expresar la esencia de la tragedia.

Si observamos detenidamente cualquier obra de Humberto, veremos que concibe sus cuadros como obras abstractas, es decir, son grandes planos de color sobre la tela en la que va a colocar uno o dos elementos “figurativos” -árboles o rústicas viviendas- que nos van a servir como elementos referenciales para que cada espectador construya, en su ya exaltada imaginación, diferentes modos de ver un paisaje que sólo va a existir en la imaginación de quien lo mira.

Roberto J. Cayuso

Estilos

2010-07-11T22:19:00.000-07:00

William Turner (1775-1851)

"Vista del Delft" por Jan Vermeer (1632-1675)

Miguel Angel (1475-1564)---------- Caravaggio (1571-1610)

Cuando hablamos de estilo lo hacemos de una manera de expresarse artísticamente capaz de diferenciar una época, un país -a veces una región- y hasta un artista individualmente, pues como señala Wolfflin en su libro “Conceptos fundamentales en la historia del arte”: “Nadie pretenderá sostener que la visión evoluciona por sí misma”.

Cualquier espectador avezado en la historia del arte, es capaz de notar las variaciones esenciales entre obras, por ejemplo, del Renacimiento y el Barroco, pues existe una diferencia sustancial en como son tratados en cada uno de estas dos épocas la representación artística.

Mientras el Renacimiento retomó algunos valores de la antigua cultura clásica griega e introdujo la perspectiva lineal en un mundo de serenas imágenes; el barroco nos turbó con un inusitado movimiento donde reina la curva y se recargan las formas.

La aplicación del color, en infinidad de pinturas, es posiblemente uno de los aspectos que más ha ayudado a establecer las diferencias entre las distintas escuelas, independientemente de la época en que fueron realizadas. Por ejemplo, poco o nada tiene que ver el color del arte flamenco en relación con el de la pintura inglesa. Con esto último estamos dejando bien claro que además del tratamiento que el artista hace del tema, la aplicación del color ha sido un elemento clave para diferenciar el estilo de un país.

Por último hablemos del estilo personal de cada creador que como ya hemos visto suele estar estrechamente vinculado a la época, a su país o región y que en muchas ocasiones adquiere una muy personal manera de representación. Eso es lo que conocemos por estilo personal y por el que somos capaces de reconocer a su creador. Es algo así como una huella invisible que algunos artistas le imprimen a sus obra, dándole un sello personalísimo e inconfundible a cada una de sus producciones.

Roberto Cayuso

El Arte Póvera

2010-07-04T18:21:00.000-07:00

"Bed" por Robert Rauschemberg -Arte Pop- (1925-2008)

“Venus of the rag”, del artista italiano -Póvera- Michelangelo Pistoletto (1933)

Luciano Fabro (1936-2007)

Giulio Paolini (1940)

El arte póvera nació en Italia a finales de la década de 1960 y tuvo su momento culminante en la exposición del Museo Cívico de Turín en el año 1971. Una de las principales características de este nuevo estilo fue la de emplear en sus obras materiales desechados tales como fragmentos metálicos, trozos de vidrios, lozas, etc. También utilizaron elementos de la naturaleza como ramas de árboles, piedras, arena y casi todo lo que fuera de fácil obtención, pues de ahí viene el nombre “arte pobre”, con el que lo bautizó el crítico italiano Germano Celant (1940).

El Póvera es un arte eminentemente no-mercantilista y continuador de muchos de los principios Dada, con quien comparte elementos de gran afinidad, aunque muchas veces con envolturas diferentes.

Otro tanto sucede con el Arte Pop en relación al Arte Póvera, pues ambos son expresiones artísticas objetuales que, aunque se valen de la tradicional representación realista en sus producciones artísticas, están más interesados en el concepto que en el objeto.

Uno de los hechos plásticos que mejor muestra la interdependencia de algunos de los movimientos artísticos que fueron claves en la segunda mitad del siglo XX, lo podemos ver en la obra que en el año 1955 hizo el artista norteamericano Robert Rauschemberg -Arte Pop- (1925-2008) titulada “Bed”, en donde tomó un grupo de ropas de una cama, las manchó de pinturas y las colgó. Si comparamos esta obra con “Venus of the rag”, del artista italiano -Póvera- Michelangelo Pistoletto (1933), vamos a percatarnos de inmediato que mas allá del parecido formal entre ambas obras, hay algo más importante y trascendental: la fijación de un concepto.

Entre algunos de los artistas más relevantes del Arte Póvera se encuentran Giovanni Anselmo, Paolo Calzorali, Luciano Fabro, Michelangelo Pistoletto, Giulio Paolini, etc.

Roberto J. Cayuso

Mundos paralelos

2010-06-30T22:13:00.000-07:00

En la incesante búsqueda de nuevas formas que hace Luis Miguel a través del dibujo y el color, va estableciendo mundos paralelos que oscilan entre la realidad y la ficción. En cada pintura de este creador hay algo así como una recreación de vivencias y sueños con los que nos adentra en ese mundo de imágenes que a veces nos traen a la memoria recuerdos que subyacen en lo más profundo de nuestra mente.

Artista de gran imaginación, gusta de exponer un tratamiento surrealista en muchas de sus obras . No suele deformar a sus personajes, a los que gusta de situar en ambientes surreales en donde todo es permitido.

En la obra de Luis Miguel podemos señalar dos vertientes fundamentales. En la primera nos entrega un mundo de imágenes, sin enmascaramientos, por donde desfilan estampas y personajes populares en ambientes que nos resultan conocidos. Mientras que la otra vertiente va a estar dominada por personajes que pueblan el mundo de los sueños y que al arroparlos con magníficos colores, les ha de dar vida en el plano del subconsciente.

Sea una u otra la manera con la que Luis Miguel hace arte, hay algo está más allá de toda consideración y es que con cada una de sus obras va a trascender la realidad objetiva para adentrarnos en un mundo suyo, personal e inconfundible, en el que sólo bastan ver una pocas de sus pinturas para no olvidarlo, pues así es de profunda la huella que deja en nuestra memoria

Roberto J. Cayuso

El arte concreto

2010-06-19T22:21:00.000-07:00

Mario Carreño (1913-1999)

Auguste Herbin (1882-1960)

Contra Compositie, 1924, Theo van Doesburg

En francia mientras corría el año 1930, el pintor Theo van Doesburg (1863-1931) daba a conocer su Manifieste sur l’art concret en el que, entre otras cosas, establecía las diferencias entre el arte concreto y otras formas de abstracción. Además escribió algunas de las palabras más definitorias de ciertos aspectos fundamentales de este movimiento: "La obra de arte no debe recibir nada que provenga de las propiedades formales de la naturaleza o de la sensualidad o sentimentalismo, puesto que un elemento pictórico no tiene más significado que él mismo y, por lo tanto, el cuadro no tiene otro significado diferente".

El arte concreto viene a ser algo así como la geometría del pintor, que construye sus cuadros partiendo de las más elementales formas geométricas que luego pasa a rellenar con colores planos. Estableciendo así una muy interesante relación de forma-color que nada tiene que ver con el mundo visible que puebla nuestro entorno.

En la llamada pintura concreta, como en otras formas del llamado arte abstracto, su valor estético reside, entre otros aspectos, en que ella misma crea su propia razón de ser sin necesidad de elementos ajenos. La sensibilidad pura se manifiesta mediante líneas y colores. Es una expresión plena de valores propios que no toma ropajes prestados para conducirnos en ese viaje eterno donde la belleza se nos muestra a través de las formas puras.

Este es un arte, que como tantos otros, se constituyó en un arte puente, pues dio pasos y libertades creativas para proseguir en la búsqueda de nuevos caminos en la aventura plástica.

Roberto J. Cayuso

Hiperrealismo

2010-06-12T17:11:00.001-07:00

"Membrillo". Peter von Artens (1936-2003)

Aunque algunos especialistas insisten en diferenciar el hiperrealismo del fotorrealismo aduciendo aspectos poco convincentes, ya que la verdad parece ser otra, pues la mayoría de los artistas que se expresan a través de la hiperrealidad, se valen de fotografías para reproducir obras apegadas al más mínimo detalle del tema.

El hiperrealismo es una propuesta artística fría e impersonal. Donde lo verdaderamente importante es domeñar el reto que el tema plantea para su ejecución. Derivándose de ahí la admiración que produce en muchos espectadores que ven en en la supuesta hazaña verista un acto de magia o presdigitación, cuando sólo están ante la presencia de un objeto “artístico” realizado por alguien con un tremendo dominio del oficio.

En ocasiones el extremado realismo interpretativo produce un efecto contrario al deseado en el espectador, pues el artista hiperrealista, en su afán de lograr un parecido absoluto con el modelo, sobrepasa la realidad exagerando ciertos aspectos del tema que ni la vista es capaz de ver, ni la cámara fotográfica capaz de reproducir con la nitidez que aparecen en algunos de sus trabajos.

Cabe señalar que el hiperrealismo además de su capacidad de reproducir, magnificados y con pasmosa meticulosidad, objetos de nuestro diario entorno como coches, fachadas, azucareras, botellas de salsa de tomate, calles, etc. Es una manifestación artística que se sirve para la mayoría de sus temas, igual que su antecesor el arte pop, de objetos triviales producidos en serie. Además ejecutan elaborados retratos y paisajes de todo tipo.

El hiperrealismo es un arte esencialmente norteamericano surgido a finales de la década de los 60’. Algunos de sus más destacados representantes americanos lo son: Chuck Close, Richard Estes, etc. De otras nacionalidades se encuentran algunos de los más renombrados artistas hiperrealistas como el chileno Claudio Bravo, el argentino Peter von Artens y el español Antonio López García, por sólo citar unos pocos.

Roberto Cayuso

El Portador

2010-06-03T15:53:00.000-07:00

Hace mucho tiempo me dijo un anciano -a quien considero un sabio, pero en aquel entonces creía un loco- que la mayoría de las personas invertían el proceso de percepción del mundo que los rodeaba.

Aunque no entendí a qué se refería con un “proceso inverso”, lo escuché con respeto por su avanzada edad, pero nunca he podido controlar a mis ojos -rebeldes e independientes-, y como siempre, revelaron lo que pensaba.

El sonrió y recuerdo que su sonrisa me molestó mucho.

-Nuestra conciencia es la conciencia del mundo, allí está todo lo que existe- afirmó-, no existe nada que no exista. No obstante, nos limitamos a creer en la mínima parte que percibimos por alguno de nuestros cinco sentidos. Así nos han educado, ver para creer, como alguien alguna vez dijo y se invirtió el proceso.

Me mantuve en silencio, porque para mí era lógico percibir primero y después comprender sobre la base de algún precedente.

-En algún momento de tu vida comprenderás que todo lo que existe, fue primero una idea. La creación nace de la mente y es la intención quien le da forma. Por eso si no crees en algo, no lo verás nunca, aunque esté delante de tus ojos, y aquello que siempre has visto como real, es un concepto que puede variar según tus perspectivas.

Pasados los años, un hecho aparentemente intrascendente, me permitió vislumbrar la verdad de aquellas palabras.

Un día visité el lugar donde transcurrieron los felices años de mi infancia y todo me resultó diferente. Las calles más angostas que las de mis recuerdos y la casa de madera construída por las manos de mi padre, es tan pequeña que me pregunté cómo pudo vivir allí mi numerosa familia. Entonces recordé al anciano.

Más allá de la percepción que logramos alcanzar los seres humanos, existe una realidad manifiesta en toda la infinidad de la naturaleza, por ejemplo, el bosque, e río y el mar tienen sus propios lenguajes, y aquél que los desconoce puede perecer en el empeño de cruzarlos, pues lo que el hombre percibe no es exactamente toda la realidad. En ese límite no está el aspecto real del mundo, sino una forma incompleta de verlo.

Nuestras percepciones de la realidad cambian, como cambian nuestros cuerpos físicos, y eso es lo que trato de decirles a ustedes a través de esta narración, cuya lectura de hoy no será nunca igual a la que harán mañana, a pesar de que sus valores universales son inmutables.

Adrián de Souza Hernández

(Prólogo del libro "El Portador" ISBN: 959-242-085-8)

Adrián de Souza Hernández, (La Habana, 1957). Investigador, ensayista y autor de varios libros entre los que se encuentran "Echu-Elegguá: Equilibrio dinámico de la existencia", Ifá. Santa Palabra. La ética del corazón, etc.

Arte Cinético (Kinetic Art)

2010-05-28T21:03:00.000-07:00

Marcel Duchamp (Rotary Glass Plates)

Marcel Duchamp (1887-1968) -Rotorrelieves-------- Naun Gabo (1890-1977)

Alexander Calder (1898-1976)

Jesús Rafael Soto (1923-2005)

El arte cinético que toma su nombre del término griego “Kinesis” se refiere basicamente a un arte con movimiento real sin importar la fuente que lo produzca la cual puede ser eléctrica, mecánica, originada por ciertas fuerzas naturales (eólicas), inducida por la mano del espectador, o esas otras que lanzan destellos lumínicos, o simplemente las que por su propia dinámica llevan al espectador a ser quien se mueva en torno a la obra.

Hay algunos especialistas que incluyen dentro del cinetismo las obras del arte óptico (Op-art). Sus argumentos se basan en que ambos estilos se desprenden de la estética del movimiento. Lo cual es refutado por un amplio sector de conocedores, quienes plantean que el movimiento en el arte óptico pertenece al campo de la ilusión y no al de la realidad.

De cualquier modo el arte cinético abrió una puerta al desarrollo artístico al sistematizar, y no digo crear el movimiento real o inducido en las artes plásticas, pues ya en 1920 Naum Gabo, Man Ray y Marcel Duchamp habían incursionado en ese campo. No obstante el trabajo realizado por este grupo de artistas primero y los que vinieron después constituyó una verdadera renovación en las artes plásticas, haciendo del espectador pasivo un participante activo que lo llevó a interactuar con la obra de arte.

La fecha que marca el lanzamiento del arte cinético, al menos de manera oficial, es el año 1955, en la galería Denise René de París con la exposición titulada: “Le Mouvement”, en la que participaron los artistas Jesús Rafael Soto, Nicholas Schöffer, Jean Tinguely y otros.

Joaquín Torres García

2010-05-19T20:20:00.000-07:00

Joaquín Torres García (1874-1949)

Joaquín Torres García (1874-1949) Adolph Gottieb (1903-1974)

Cuando hablamos de Joaquín Torres García, lo estamos haciendo de una de las figuras emblemáticas del arte moderno. Grande entre los grandes, fue el creador de una nueva manera de hacer que tuvo su punto de arranque en el cubismo y que él llamó “constructiva”.

Se habla de la influencia que en algún momento pudieron ejercer algunos artistas del movimiento modernista catalán en los trabajos de Torres García; pero poco se dice de la influencia y algo más que él ejerció en tantos creadores de talla como es el caso, por tan sólo citar uno, de Adolph Gottlieb (1903-1974), expresionista abstracto norteamericano.

En cierta ocasión que conversaba con el pintor cubano José Mijares, me dijo: “Yo, al igual que algunos pintores de mi generación, y otros anteriores a la mía, estamos en deuda permanente con Torres García, pues si en una parte considerable de nuestras obras están presentes elementos que aportó el cubismo, igualmente presentes están las soluciones casi sígnicas del entramado plástico creado por Torres García”.

Con todo lo de ser un gran pintor, la trascendencia de este monstruo de la creación que fue Torres García, lo constituyó el hecho de ser el creador de un nuevo lenguaje plástico tan válido para él como para otros y que no obligaba a un cambio estilístico; sino que brindaba una posibilidad de enriquecer la expresion de cada artista individualmente, pues al desarrollar una herramienta “constructiva” , dio nuevas alas a la imaginación creativa.

Lo fundamental en el aspecto constructivo de Torres García es la creación de una determinada cantidad de espacios plásticos divididos en pequeños recuadros rellenos preferentemente en colores ocres y primarios, donde van a resaltar elementos tales como lunas, barcos, peces, etc., reducidos a sus formas más elementales, donde no es raro ver una cierta numerología, en ocasiones acompañada por letras sueltas y otras por palabras que en su conjunto van a dar a sus obras un cierto carácter críptico.

Todavía está por hacer ese trabajo objetivo y minucioso que sea capaz de colocar a Torres García en el lugar que pertenece y se ganó mil veces, como decía Mijares: “a punta de pincel”.

Roberto Cayuso

Pop Art (Arte popular)

2010-05-12T21:52:00.000-07:00

Andy Warhol - Robert Rauschenberg - Roy Lichenstein

Con el arte “pop” se produce una corriente estética heredera del dadaismo que elevó el objeto de consumo popular y masivo, que nunca como ahora había tenido cabida en el arte, a verdaderas obras artísticas que pronto iban a encontrar lugar en los más prestigiosos museos y galerías del mundo.

Esta modalidad artística se popularizó a comienzo de los años 60’ en norteamérica ; aunque ya en 1955 en Inglaterra, el crítico inglés Lawrence Alloway acuñó el término “pop” para referirse a un nuevo arte que se expresaba mediante el empleo de objetos de producción masiva presentes en nuestro diario acontecer.

Así hicieron su arribo al mundo del arte las famosas latas de sopas Campbell’s, de Andy Warhol, o "Las ropas de una cama manchadas de pintura" de Robert Rauschemberg, del año 1955. Todas estas creaciones iban acompañadas de un cierto toque ironizante que nos muestra la esencia constitutiva de una cultura popular en la que tuvieron cabida desde los “comics” hasta las fotografías.

Definitivamente en la representación del elemento popular, como base principalísima de un arte por excelencia citadino y alejado de la naturaleza, existe un ataque directo a una sociedad de consumo y de falsos valores que propugna, muchas veces convertidos, por la propaganda masiva de los diferentes medios, como verdaderos íconos de nuestra existencia. Es por todo eso y más que se considera el "pop" como una manifestación tan irreverente como juvenil que se desenmarcó de los valores tradicionales creando, en su momento, una verdadera cultura de masas.

Entre los artistas más significativos del “pop” se encuentran: Jasper John, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Andy Warhol, George Segal, Jim Dine, Tom Wesselmann, Roy Lichenstein, James Rosenquist, Robert Indianna, Allen Jones, Peter Blake, Jacques Monory, Eduardo Paolozzi, Valerio Adami, etc.

Roberto Cayuso

El mundo de José Mijares

2010-05-06T11:44:00.000-07:00

Tal vez el único que vea como son realmente las cosas es el artista. Indudablemente éste es el hombre que lleva el mundo por dentro. El es como un agua, una transparencia, una linfa diáfana que la luz traspasa y al hacerlo, se quiebra en todos los matices. El le descubre a la luz sus insondables posibilidades de color y de sombra, y allí, entre una y otra aparece, exacta, sorprendida en su instante, suspensa en la eternidad, la forma.

Tras de cada cosa, en el nervio mismo de la realidad sensible, en la esencia original de lo que se padece o se siente, está una línea matemáticamente pura, justa en su contorno, única en su distribución y proporciones, que dice por qué y para qué ha de ser. Es la razón última de los seres que están en la existencia, cuyo valor reside en su propia presencia imborrable, en algún momento ineludible y siempre infinitamente penetrable.

Ahí encontramos que la existencia es misterio: realidad que se nos revela gratuitamente, sin entregarnos jamás su posibilidad extrema, como si siempre hubiera un más allá, un ámbito inagotable en el que seguimos siendo. Y he aquí el quid del misterio: en que a través de él vamos siendo y persistiendo nosotros, como si la vida toda se compusiera de lo que somos, como un conforto, que nos aleja de la muerte, y confirmamos que vamos a estar vivos, no importa cuándo ni cómo, en lo que es y ha sido nuestro, y a lo que pertenecemos.

Un artista es siempre su ciudad –aunque ésta sea un barco de velamen desgarrado al que el oleaje y la ventisca arrastran-. Ciudad es allí donde llantamos y, a veces, donde el llanto nos moja el pan que roemos, donde jugamos y por donde atravesamos, por cuyos aleros se deshace el viento, canción o trapo de las tendederas; y en donde amamos.

Porque hay lugares para pernoctar y sitios para ir muriendo, pero en la ciudad mía, entre sus piedras sacras, cabe la mar que bate en sus orillas, en donde estoy siempre que amo. Amo aquí y acullá, pero es allá, frente a mis verjas o mis albarradas, donde estoy amando.

Sólo el artista puede asumir la ciudad completa como si fuera una hostia de soles y techumbres víctima de todos los desmanes del hombre y la intemperie, novia y esposa a la vez: contemplada, la idolatrada en su virginal distancia, y la penetrada, la absorbida en sus sangres, adonde fluyen nuestros mejores sueros.

Un día sabemos que somos el hombre y la ciudad, sin hendijones ni separamientos, continuidad de piel que siente y es sentida, navegación profunda, sufrimiento de las mil gamas lúcidas de la opulencia. Ciudad es dar e ir procreando para colmarse en el derramamiento, y ser lo mismo la encandilada noche que un perfume, un busto de mujer o una corona, un pájaro quebrado, una amatista o el coro de los pescadores en el Puerto.

Mijares es…, por supuesto: Mijares. Una entrada de luz del Puerto. Morro, Cárcel, Prado, cementerio, balconaje de la calle Gervasio, portón inmenso abierto en El Angel, retorcida esquina de Apodaca, jarra de bronce y buganvilla, león, granito y páramos de losas. La Habana es… todo lo que recordamos… y el viento de marzo, ladrón de papalotes, el canario escapado de la abuela y las verticals hojas, como hombres erguidos, de asombroso señorío. Qué masculinoazul que purifica, como una justicia larga y esperada, toda la indagación que permitió la carne! …

Este es un fragmento del ensayo de Jorge Valls para el libro “El mundo de José Mijares (1992)”. Una edición bilingue (inglés y español). Producida por Marpad Art Gallery y editada por Roberto Cayuso.

Arte conceptual

2010-04-27T19:16:00.000-07:00

Felix González-Torres (1957-1996)

"Untitled" (Portrait of Ross in L.A.),1991. Candies individually wrapped in multicolored cellophane, endless supply.

El llamado arte conceptual tuvo su desarrollo en la década de los 60’ y surgió, según algunos especialistas, “como una alternativa al objeto artístico tradicional”.

Si para el arte fue, durante siglos, el concepto-imagen una parte fundamental en la representación artística; no lo fue para el arte conceptual, pues éste planteó que “el concepto es más importante que el objeto artístico” (Duchamp). Quien más adelante sigue diciendo: “Para establecer el concepto de una cosa, no es necesario representarlo mediante pinturas, esculturas, etc”.

En el arte conceptual lo que hasta ese momento había sido considerado como “object d’art", pintura o escultura. Pierde toda su importancia, pues este movimiento rechaza, como principio básico, la calidad estética de la obra de arte y pasa a valorar su comportamiento subjetivo, es decir lo que la obra en cuestión sea capaz de transmitirnos “per se” y más allá de sus calidades formales, de color y ejecución.

Las obras del llamado arte conceptual pueden ser tanto efímeras como permanentes. Es frecuente ver instalaciones conceptuales hechas de materiales perecederos tales como frutas y dulces, mientras que otras, más permanentes, utilizan estructuras metálicas, plásticos, etc.

El arte conceptual es una expresión artística estrechamente ligada al movimiento “Dada” y fue, sin dudas, Marcel Duchamp, con sus llamados “ready-made”, quien comenzó esta nueva manera de hacer, ver y entender el arte en una acepción ampliada. Esta corriente plástica pasó de ser un "ismo" más, para convertirse en una real expresión de búsqueda e indagación estética conducente al desarrollo de nuevas manifestaciones artísticas.

Roberto Cayuso

Expresionismo abstracto

2010-04-21T23:48:00.000-07:00

Jackson Pollock (1912-1956)

Willem de Kooning (1904-1997)

Franz Kline (1910-1962)

El Expresionismo abstracto, es un arte gestado y nacido en Nueva York, al que contribuyeron decisivamente un numeroso grupo de de artistas europeos que salieron huyendo de sus respectivos paises por los desmanes ocurridos durante la Segunda Guerra Mundial (1938-1945). Buscaron refugio en Estados Unidos y se establecieron, la mayoría de ellos, en Nueva York. Trajeron consigo nuevos aires de renovación que van a contribuir en cambiar para siempre la fisonomía del arte norteamericano.

Como responsables directos de esos cambios podemos citar a un numeroso grupo de artistas entre los que se encuentran: Marcel Duhamp, Francis Picabia, Hans Hofmann, Kurt Seligmann, Piet Mondrian, Andre Breton, Joan Miró, etc., pero fue el pintor turco-armenio Arshile Gorki (1904-1948), uno de los artistas que más contribuyó en la aparición del Expresionismo abstracto estadounidense. Considerado el primer movimiento genuinamente americano dentro del arte abstracto y de amplia repercusión mundial años más tarde.

Según el crítico de arte Harold Rosemberg, fue en la primera mitad de los años 40’ que el Expresionismo abstracto se dio a conocer en Estados Unidos. El propio Rosemberg, refiriéndose al nuevo arte, nos dice: “La tela para el pintor se va a volver una arena para actuar, lo que debería ir sobre la tela no es una imagen, sino un acontecimiento. El pintor ya no se aproxima al caballete con una imagen en su cabeza, se acerca a él con el material en la mano para hacer algo a ese otro material frente a él. La imagen sera el resultado de ese encuentro”.

El expresionismo abstracto va a actuar de diferentes maneras en cada uno de los espectadores, pues no ofrece un punto de vista “real” al cual asirnos para la interpretación de sus obras. Ahora cada uno de nosotros va a ver y sentir de formas diferentes el mensaje plástico de cada pintura, pues ya dejó de existir el asidero mental que nos proporcionaban las formas reconocibles de nuestro entorno cotidiano.

Con el advenimiento del Expresionismo abstracto la pintura pasó a ser emoción, violencia, gesto y accidente. El dinamismo de esta nueva manera de hacer es la más pura expresión de la forma, ajena a toda pretensión narrativa. La belleza del expresionismo abstracto radica en sí mismo, en la energía que desprende y en la intensidad y trazado de la estructura cromática o lineal de cada cuadro.

Roberto J. Cayuso

"La pintura rupestre"

2010-04-17T20:21:00.000-07:00

Si por un momento nos detenemos a analizar las llamadas pinturas rupestres, o arte de las cavernas. Vamos a ver, en muchas de estas obras, magistrales ejecuciones tanto en el dibujo como en la aplicación del color. En las que cabe resaltar el notable parecido entre el animal real y el representado, logrado por esos primeros "artistas". Los cuales tuvieron en cuenta, a la hora de representar el animal en cuestión, no solo los más mínimos detalles; sino que además supieron aprovechar protuberancias y oquedades de la pared rocosa de la cueva, para así acentuar aún más la apariencia realista del animal representado.

Se hace evidente que las obras de arte del paleolítico superior están estrechamente relacionadas con la magia de la caza, y que los lugares donde éstas se encuentran eran escenarios de celebración de rituales mágicos. Los artistas de tan remotos tiempos estaban convencidos de que gracias a la fidelidad de la imagen lograda, se va a tener una influencia decisiva sobre lo que ella reproduce. Lo cual miles de años más tarde James George Frazer, en su libro “La rama dorada”, va a definir como actos de “magia simpatética que no son otra cosa que la creencia de algunas religiones en la existencia de "fuerzas" que pueden actuar en la distancia mediante oraciones o imitaciones de diversos tipos y ser capaces de obtener determinados resultados”.

Hasta aquí todo muy bien, pero creo que no se ha enfatizado lo suficiente el hecho que más allá del acto mágico-ritual que le conferían a dichas obras los miembros de la comunidad paleolítica. Definitivamente la plásticidad y realismo de algunas de las pinturas en las cuevas de Lascaux y Altamira, por tan solo citar dos de las más conocidas, nos llevan a la conclusión que hay calidades en la obras plásticas de algunos de esos artistas que dificilmente pudieron ser obtenidas por cualquier miembro del grupo. Más acertado sería pensar que obras de tan alta calidad y compleja ejecución, tuvieron que ser realizadas por experimentados artífices que en algún momento iban a pasar a dedicar la mayor parte de su tiempo a la actividad “mágico-artística”.

Roberto Cayuso

Equilibrio Universal

2010-04-13T21:22:00.000-07:00

Ernesto Capdevila, es un exquisito creador que se siente igualmente bien trabajando la pintura o la escultura. Los personajes con los que crea su "fauna" son todos de su propia imaginación, pues no toma prestado ni de la naturaleza. Artista de una poderosa imaginación es capaz de producir obras en las que no se repite nunca, ya que es un experto en eso de metamorfosear las formas y que no pierdan la identidad que las hace reconocibles como suyas.

El color en la obra de Capdevila, está en función de afirmar el dibujo en sus trabajos. Delinea sus personajes, en pinturas y dibujos, con gracia y elegancia. El arte de Capdevila es una síntesis estilística de realismo e idealización, con los que crea cada una de sus obras.

Ernesto Capdevila ha realizado múltiples exhibiciones, tanto personales como colectivas. Igualmente ha ilustrado libros y catálogos y realizó una serie de dibujos para el documental, en preparación, "El cuervo", de Edgar Allan Poe.

Roberto J. Cayuso

El catálogo que más arriba se muestra, corresponde a una de la últimas exposiciones personales realizadas por el artista.

Amadeo Modigliani

2010-04-09T20:53:00.001-07:00

Amadeo Modigliani, el gran retratista y uno de los artistas más sensibles de su tiempo fue, de los pintores modernos, un creador de excepción. Se especializó en el desnudo femenino el cual nos presentó siempre desde una perspectiva de impresionante sensibilidad, en donde sus modelos, muchas veces acostadas, están plenas de líneas curvas, simples y sin rebuscamientos. Como suelen ser las cosas bellas.

En la obra de Modigliani no existe la vulgaridad. Sus desnudos se destacan por la ingenuidad del mensaje, pero nada más en lo aparente, pues es un artista con profundo conocimento del oficio; capaz de transmitirnos emociones estéticas a las que no podemos sustraernos.

Para entender las claves fundamentales en el arte de Modigliani, debemos ver en las deformaciones que hace de rostros y cuellos, desmesuradamente alargados de sus modelos, un intento por dotarlas de un permanente estado de ingravidez donde más que suspendidas en el espacio parecen flotar con armoniosos movimientos.

En las pinturas de Modigliani es fácil ver que el claroscuro no juega ningún papel. Sus obras irradian luz y encierra las formas con suaves líneas que van a contornear los cuerpos y que apenas logran separar la figura del fondo. La curvas, se entrelazan y combinan con un sentido casi musical en donde más que describir nos van a sugerir, con moduladas cadencias, todo un mundo nostálgico e ideal en el que su “mujeres” van a adquirir insospechadas dimensiones de fulgurante irrealidad.

La delicadeza de los acordes cromáticos y la gran maestría con la que armonizaba los colores, animándolos con tonalidades delicadas, inesperadas y encantadoras. En fin, su habilidad al unir, en un procedimiento técnico, un sentido nítido y cálido de líneas y valores, logrando una ejecución rica en carácter e imperecedera en el tiempo.

Roberto Cayuso

Arte y estilos

2010-04-04T14:33:00.000-07:00

Con el advenimiento del arte contemporáneo, la obra de arte pasó de ser un objeto de fácil lectura para convertirse en algo diferente, donde el espectador tiene que mirar y pensar; debe trabajar para que poco a poco las nuevas obras se les hagan comprensibles y así puedan mostrarle todo su esplendor.

Es a partir de los comienzos del siglo XX donde hemos visto sucederse estilo tras estilo con una celeridad nunca antes vista en la historia del arte.

Primero vinieron los “fauves”, con sus afanes de cambiar las formas tradicionales por medio de colores puros y contrastantes, encaminados en lograr un arte nuevo, alegre y decorativo.

Luego, casi a la par, entraron al nuevo escenario artístico los expresionistas. Que a diferencia de los fauves, no les interesó hacer obras “agradables”; sino por el contrario crearon un arte donde la emoción va a primar sobre cualquier otro aspecto del cuadro, pues con ellos el dibujo, color y formas van a subordinarse a la expresión del más puro sentimiento sin ningún tipo de convencionalismos estéticos heredados.

A esta altura del nuevo acontecer artístico mundial que iba a cambiar para siempre la faz del arte, apareció el cubismo y con el mismo la pintura pasó de ser representación para convertirse en recreación. Los cubistas hicieron suyas las palabras del filósofo Malebranche: “La verdad no está en nuestros sentidos, sino en el espíritu”.

Con el cubismo se puso fin a varios siglos de hacer un arte donde el objeto tiene forma absoluta. "Desde ahora va a tener varias, tiene tantas como los planos que pueda haber en el campo de la significación. Habrá tantos cuadros de un objeto como ojos contemplen el objeto; habrá tantas imágenes esenciales como espíritus que lo comprendan”. (Gleizes y Metzinger).

Hasta aquí algunos de los primeros y más relevantes estilos pictóricos. Luego vinieron otros muchos que sentaron escuelas que permanecen y disfrutan de actualidad. Posteriormente surgieron nuevos “ismos” que han servido como referencia en la creación de otras formas de hacer arte, pues lo que sí no va a faltar es el hombre en la eterna búsqueda de esa belleza que nos cuenta el poeta (Becquer) cuando nos dice: “No digáis que agotado su tesoro,_De asuntos falta, enmudeció la lira:_Podrá no haber poetas; pero siempre_Habrá poesía”…

Roberto J. Cayuso

Arte Minimal (Minimal Art)

2010-03-25T23:01:00.000-07:00

Brice Marden (1938)

Robert Ryman (1930)

Agnes Martin (1912-2004)

La primera vez que se utilizó el término Minimal Art, fue cuando lo empleó el filósofo británico Richard Wolheim, en 1965 en el Arts Magazine, para referirse a ciertos objetos artísticos en los que sus formas “están reducidas a estados mínimos de orden y complejidad”. La primera exposición que se hizo del arte minimal fue en el año 1965, Shape and Structure en Tibor de Nagy Gallery y fue posible gracias a la colaboración del artista Frank Stella y la crítico de arte Barbara Rose; pero no fue hasta el año siguiente (1966) que con la participación de unos cuarenta artistas se celebró la más importante muestra del “Minimal Art”, en el “Jewish Museum de New York: “Estucturas primarias”

En ocasiones se habla del minimalismo como una reacción al expresionismo abstracto, pero más allá de lo real que pueda ser esta aseveración, por parte de algunos especialistas, lo verdaderamente importante radica en que estamos hablando de una expresión artística que va a reducir, a lo más básico, los elementos constitutivos de cualquier obra artística del llamado arte minimal.

En el minimalismo, por razones propias de su estructura fundamental, la simplicidad, tanto de forma como de significado, va a estar por encima de todo, pues es una manifestación artística fría y distante emocionalmente del espectador.

Algunos de los artistas que más se destacaron en este movimiento fueron los pintores: Robert Ryman, Agnes Martin, Brice Marden y Jo Baer.

El arte óptico (Op-Art)

2010-03-21T22:12:00.000-07:00

Víctor Vassarely (1906-1997)

Ellsworth Kelly (1923)

Omar Rayo (1928)

El arte óptico nace oficialmente en el año 1955 con la presentación del “Manifiesto Amarillo”de Vassarely. En el que se dio a conocer por primera vez sus nuevas teorías estéticas, las cuales dieron origen a la última abstracción geométrica: el Op-Art

Esta nueva manera de hacer arte se basa en el aspecto visual del cuadro y como el mismo nos afecta ópticamente. Lo puramente visual va a ser el elemento fundamental a tener en cuenta en la construcción de las obras “ópticas”, a lo que han de subordinarse líneas, colores y puzzles compositivos.

En el Op-Art los artistas logran ilusiones visuales combinando cuadrados, triángulos, círculos y diversos tipos de líneas, para lograr diferentes elementos geométrico-constructivos que se van a ir enlazando a través de toda la obra.

El color es usualmente de altos contrastes y de un deslumbrante colorido. Todos los elementos, con lo que componen sus cuadros, van a estar en función de crear inquietantes efectos cromáticos, para provocar en los espectadores diversas ilusiones ópticas.

Algunos de los artistas de mayor trascendencia en este movimiento son Vassarely (líder del grupo), Ellswort Kelly, Omar Rayo, etc.

The Raven (El cuervo) by E. A. Poe

2010-03-13T19:09:00.000-08:00

En una oscura noche, un cuervo planea sobre los árboles. Desciende y se posa sobre una rama. Mueve sus alas, en un intento por sacudirse la espesa nieve que lo cubre. Luego vuela hasta el umbral de la casa y con su pico toca la puerta del hombre. El hombre, sobresaltado escucha y lleno de temores vacila en abrir la puerta en esa noche invernal y tormentosa.

Con palabras similares nos va introduciendo Poe en este poema, donde el terror no rádica tanto en lo que dice; sino en como se dice, es decir, en la cadencia y repetición de ciertas palabras claves dichas a lo largo del poema y con las que logra crear en nuestra mente inquietantes imágenes.

Esta es la introducción al documental del poema “El cuervo”, de Poe, y está dicho en inglés. Idioma en el que originalmente fue concebido, pues creemos que de traducirlo le pasaría lo que a ciertas especies marinas cuando las sacamos del agua y las llevamos a la superficie: perdería su encanto.

Roberto J. Cayuso

The Raven (preview)

2010-03-13T19:03:00.000-08:00

Elio Villate Lam: "Bestiario de las islas"

2010-03-07T20:16:00.000-08:00

Cuando miramos con detenimiento la obra de Villate, son varias las cosas que nos llaman la atención, pero sin dudas la principal es la capacidad que tiene este artista de re-crear para el espectador un universo de formas y figuras de nuestra vida cotidiana y que una vez trasladadas al lienzo adquieren valores propios y percibimos de inmediato el tono satírico presente en cada una de sus producciones. Sus personajes se mueven en una atmósfera onírica donde todo es posible, pues definitivamente para él lo importante es el mensaje que nos envía y allí la gravedad no cuenta. Sus personajes están perfectamente dibujados y llenos de color

Todas estas son las herramientas que emplea Villate, para introducirnos a un mundo alucinante creado por un artista de poderosa fantasía y una limpia ejecución.

Roberto Cayuso

Catálogo de la exposición "Bestiario de las islas", de Elio Villate en Domingo Padrón Art Gallery. Miami, Florida (madlui2000@yahoo.com) . Donde se exhibieron algunos de los trabajos más recientes de este artista

La abstracción y Der Blaue Reiter (El jinete azul)

2010-03-04T16:33:00.000-08:00

Sin título, 1910. Wassily Kandinsky

“Caoutchouc”, 1909. Francis Picabia

Una acuarela de Kandinsky, fechada en 1910, ha sido considerada, por algunos, como el ejemplo más temprano del arte abstracto; aunque hoy conocemos de una acuarela de Francis Picabia, titulada: “Caoutchouc”, realizada en el 1909; pero más allá de quien fue el primero hay que tener presente que en las postrimerías del siglo XIX, la aparición de un arte no representativo fue tan evidente que dependió sólo del azar el que alguien diera el primer paso para su realización.

El llamado arte abstracto surgió, entre otras razones, como una reacción ante un arte que por siglos había sido la dominante histórica de una representación objetiva, más o menos fiel del hombre y su entorno. La abstracción desintegra la realidad visible y da paso a la forma, libre de toda carga literaria y anecdótica

Una de las mejores definiciones que han hecho sobre el abstraccionismo, fue aquella en donde Kandinsky nos dice: “Toda cosa muerta palpitaba. No solamente las estrellas, la luna, los bosques, las flores, de que hablan los poetas, sino también una colilla en un cenicero, un botón blanco, paciente que nos echa una mirada desde el charco de agua de la calle… Todo eso me mostraba su rostro, su ser interior, el alma secreta que con más frecuencia calla que habla… Eso me bastó para comprender con todo mi ser y todos mis sentidos la posibilidad y la existencia del arte que hoy se llama abstracto” por oposición “al arte figurativo”.

En el año de 1911 Kandinski forma en la ciudad alemana de Munich, junto a Franz Marc y otros expresionistas, el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul). En ese mismo año, el 18 de diciembre, organizan una exposición en la galería Tannhauser en la que se exhiben 43 obras de artistas de la talla de Robert Delaunay, Henri Epstein, Gabriele Munter y August Macke, entre otros. Tres meses más tarde, pero ahora en la galeria Goltz, se inauguró una muestra de dibujos, en blanco y negro, en la que participan Braque, Roualt, Derain, Picasso, La Fresnaye, Vlaminck, Lotiron Vera, Nathalie Gontcharova, Larinov y Malevitch.

Der Blaue Reiter se distinguió por su carácter de estilos heterogéneos, pues en esta exposición están reúnidos no sólo los viejos fauves y los nuevos cubistas ; sino que también está Kasimir Malevich, que unos años más tarde va a publicar su libro “Manifiesto del Suprematismo”, con el que se inicia en Rusia la abstracción geométrica. Igualmente allí están presentes obras del matrimonio de Natalia Gontcharova y Mihail Laroniov, dos de los más importantes artistas rusos y padres del rayonismo. Corriente estética que al igual que el suprematismo pertenecen al llamado arte abstracto.

Der Blaue Reiter, se desintegró en 1914 por causa directa de la Primera Guerra Mundial en la que mueren August Macke y Franz Marc, dos de los más importantes miembros y fundadores del grupo. Algún tiempo después Kandinski regresó a Rusia y años más tarde retorna a Alemania para formar parte junto con Paul Klee del profesorado de la escuela de la Bauhaus fundada en Weimar en 1919 por el famoso arquitecto Walter Gropius

La abstracción fue mucho más allá que el de un nuevo estilo pictórico. Fue un nuevo modo de ver. Una manera diferente de hacer y que como casi todo lo nuevo, que además propone un cambio radical, tuvo incomprensiones y detractores.

“El ascenso a la cima del arte no figurativo es penoso y lleno de tormento”, apuntaba Malevich en su libro: “El suprematismo como modelo de la no representación”, en el año 1920 y en el que más adelante nos dice: “Cuando en 1913, en mi tentativa desesperada de librar al arte del peso inútil del objeto, buscaba refugio en la forma del cuadrado y exponía un cuadro que no representaba otra cosa que un cuadrado negro sobre fondo blanco, la crítica se lamentó y con ella el público diciendo: Todo cuanto amábamos se ha perdido; estamos en un desierto; ante nosotros se alza un cuadrado negro sobre fondo blanco”.

Los diferentes caminos que tomó el arte abstracto no terminaron aquí, pues tenemos la aportación del grupo De Stijl, formado en 1917 en Holanda. Esta corriente abstracta se denominó Neoplasticismo, y pronto contactaron con la Bauhaus alemana,. En este nuevo estilo se destacaron Piet Mondrian y Theo van Doesburg, ambos fundadores del movimiento y creadores de una pintura que pretendía la bidimensionalidad del plano. Se basaron en el empleo del rectángulo y del cuadrado. Persiguieron la armonía , pero no les interesó la simetría. Usaron colores primarios: azul, rojo, amarillo. Mientras que el blanco era empleado como fondo neutro y el negro se utilizó para contornear las masas coloreadas. Doesburg adoptó la línea diagonal, en favor de composiciones más dinámicas, y también amplió la gama cromática. Posteriormente denominó como arte concreto a un estilo de arte que parte de formas y relaciones geométricas.

En 1936 se funda la Asociación Americana de Arte Abstracto y, un año después, en 1937 Moholy-Nagy crea la Escuela de dibujo de Chicago.

El expresionismo alemán (Die Brucke)

2010-02-27T22:45:00.000-08:00

Ernst Ludwig Kirchner

Karl Schmidt-Rottluff

Antes de comenzar a comentar sobre el expresionismo, y más allá de su origen, debemos tener presente que por encima de un movimiento artístico está el hecho de que el expresionismo es una actitud en donde las emociones del artista son las que van a determinar el uso de formas y colores.

En el año 1905, un grupo de jóvenes artistas alemanes compuestos por Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff, entre otros, crearon Die Brucke (El Puente) en la ciudad alemana de Dresde. El Puente fue el primer grupo artístico al que se le atribuye la creación del llamado Expresionismo Alemán. Movimiento estético de innumerables ramificaciones y matices que fue influenciado por la pintura de los post-impresionistas Vincent Van Gogh y Paul Gauguin.

Es con los expresionistas donde la pincelada se hace violenta, empastada y agresiva en un escenario de intenso dramatismo. Aquí sus personajes más que seres humanos son seres de formas retorcidas que se mueven en composiciones agresivas con colores fuertes y puros en donde la luz y la perspectiva son alteradas con toda intención para que así predomine el sentimiento sobre el pensamiento, pues estos artistas expresionistas no pretenden por medio de sus trabajos ni describir situaciones ni hacer literatura, sino expresar emociones tan intensas que, en ocasiones, llegan a deformaciones en los personajes, que pueden parecernos excesivas, en sus afanes de expresar angustiosos sentimientos, pues es la angustia existencial del hombre el eje fundamental en una manifestación estética en donde el color, emparentado con el fauvismo por el uso de tintas intensas y contrastadas, perdió toda la intención decorativa de los fauves.

La filosofía de los expresionistas era la de lograr un trabajo en equipo, con un lenguaje en común, frente a la idea del ansia individual y estética del artista. “Es de los nuestros aquel que desea crear sin falseamiento alguno”, decían, a la vez que proclamaban, haciendo referencia al pensamiento de Nietsche: “La vocación del ser humano es de tránsito y nunca de meta”.

La paloma

2010-02-22T23:37:00.001-08:00

Cuando oigo hablar de palomas, y sobre todo de las blancas, lo primero que me viene a la mente es la paloma como símbolo del Espíritu Santo, o la pureza y sencillez que ella representa. Otras veces la asocio como la portadora de la rama de olivo, es decir, de la paz y la armonía.

Pero en aquella extraña ocasión, al ver aquella paloma muerta y tendida en un camino, vinieron a mi mente dos imágenes que nada tenían que ver con las anteriores. La primera era la paloma como representante del alma del justo, mientras la otra se refería al sacrificio de la misma como objeto de expiación de la ignorancia y la negligencia.

Todos estos pensamientos, más el terrible espectáculo de esa paloma que desguasada y ensangrentada apareció de la nada en medio de un estrecho camino. Me hizo pensar si acaso era yo el justo o el ignorante y negligente, del que hacían referencia viejos textos teológicos. Y allí estaba expiando una culpa la cual no recordaba.

En medio de esas cavilaciones se oyó el tronar de una voz que nos conminaba a detenernos. La cuerda de hombres se detuvo al instante, pues experiencias anteriores nos habían enseñado que cuando el “combatiente” ordenaba algo, lo más prudente era obedecer.

Una vez que nuestro grupo se detuvo vimos como el “combatiente” o “conductor”, como le gustaba que lo llamaran, pasó raudo a través de nosotros, mientras varios de los “suyos” nos rodeaban.

Allí, detenidos bajo el inclemente sol tropical, sucios y llenos del peor temor, ese que se intuye, pero no se ve. Me percaté de que el objeto de toda esa maniobra era producto de los restos de la paloma que, tendida en el camino, con sus alas abiertas parecía indicar que no debíamos pasar.

Justo a unos pocos metros de distancia del premonitorio cadaver nos detuvimos y vimos como el “combatiente” se paró en seco mientras que, a prudente distancia de la paloma y ligeramente inclinado sobre la misma, la miraba arqueando las cejas, mientras sus manos mostraban un leve temblor.

En ese instante comprendimos que el “conductor” se moría de miedo y vacilaba en continuar la marcha. Todo el entrenamiendo recibido durante años, dentro de una ortodoxa educación, totalmente ajena a él, se estrellaba al ser confrontado por una situación contraria a su legado cultural. Y en un instante todos pudimos ver operarse en él algo así como el regreso a sus raices.

Inmediatamente se dio la vuelta y con un breve gesto de su mano nos comunicó que marcháramos, pero esta vez en sentido contrario. Alegres y casi al borde de la euforia, pero en silencio comenzamos a andar sobre nuestras huellas. Sabiendo que al menos hoy nos habíamos librado de un oscuro final, pues más tarde alguien dijo: “del sendero de la paloma no hay retorno”.

Roberto Cayuso

Luis Miguel Rodríguez

2010-02-19T21:53:00.000-08:00

Prisionero de su Imaginación, es un documental que trata de la vida y el arte de Luis Miguel, que ha sabido llevar a su pintura elementos del folclor cubano expresado a través de campesinos, pescadores y leyendas.

Es un creador que siente una especial predilección por los temas relacionados con el mar y todo aquello que excite su imaginación, pues casi nada le es ajeno a este artista que se alimenta de recuerdos y del panorama que a diario lo rodea, lejos de su natal Regla.

En este documental, de quince minutos de duración, que hoy ponemos a la consideración del gran público. Hemos querido mostrar una parte fundamental de la obra de Luis Miguel. En la que nos enseña su capacidad en la ejecución de los más disímiles temas, muchos de ellos vistos desde una óptica surrealista, donde nos cuenta su vida, su obra y sus sueños.

Este documental ha sido dirigido y editado por Roberto Cayuso, para Art Works Productions.

Duchamp y los "Ready-made"

2010-02-15T19:17:00.000-08:00

Francis Picabia

Marcel Duchamp

Probablemente una de las más importantes contribuciones al arte moderno, y de manera especial con el movimiento “dada”, fue la desacralización de mucho de lo que hasta entonces se había considerado sagrado. Abrió las puertas a la imaginación de un grupo de jóvenes artistas que quitaron el polvo a viejos conceptos y esquemas anteriores.

Con ellos, y por primera vez, ciertos objetos industriales perdieron el carácter utilitario, para el cual fueron creados, y se convirtieron en elementos artísticos, al ser sustraídos de su función original y colocados en museos o galerías. Lo cual Duchamp, uno de los más importantes miembros del movimiento “dada”, al referirse a ellos los llamó “Ready-made” . De los cuales dijo: “no son más que objetos usuales promovidos a la dignidad de objetos de arte por la simple elección del artista”.

Ejemplo de esto lo tenemos en la obra “Urinario”, de Marcel Duchamp, que participó en una exhibición de artistas independientes de la galeria Gran Central de New York, en 1917. La obra en cuestión era un real urinario que Duchamp, firmó con el nombre de su fabricante (R. Mutt) y expuso en dicha galería de manera invertida, para así disipar cualquier duda de que su nuevo “uso” era estrictamente estético.

Artistas como Duchamp y Picabia, entre otros, fueron de los primeros en hacernos ver las posibilidades artísticas del objeto industrial. Nos enseñaron que entre la bacinilla de Napoleón, realizada por un famoso orfebre de la época, y el urinario manufacturado industrialmente en la actualidad. La única diferencia real radicaba en que el primero era pieza única, mientras que el otro era producto de la masividad.

Aprendimos con ellos a apreciar la belleza del objeto industrial, que ya habían visto los futuristas. Mientras Picabia, con sus “máquinas complicadas”, ridiculizaba el tecnicismo al revelarnos un nuevo tipo de belleza: la belleza industrial.

Belleza similar a la que Marinetti, teórico del movimiento futurista, hace referencia en su Manifiesto de la poesía futurista, de 1909. Cuando nos dice: “Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras, con su radiador adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo…, un automóvil que ruge, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”.

Roberto Cayuso

El arte en lo cotidiano

2010-02-09T23:23:00.000-08:00

El arte y la vida han estado siempre indisolublemente unidos, pero aún así hay quienes piensan que el arte es cosa de otros y dicen que a ellos simplemente no les atañe, pues infieren que el no conocer de arte, les priva del derecho a opinar sobre tan “sesudo” tema.

Los que así piensan, y son más frecuentes de lo que somos capaces de imaginar, no han comprendido que dentro de cada uno de nosotros, independientemente de la modestia de nuestras vidas, hay un artista, es decir, alguien que a diario toma decisiones estéticas.

Cada mañana comienza nuestra vida artística con el simple acto de seleccionar y combinar las diferentes prendas de vestir que vamos a usar ese día. Es una operación tan rutinaria como diaria, de la que no siempre nos percatamos de que, con esa selección de colores y diseños, estamos tomando decisiones tan artísticas como las del pintor en el momento de escoger los colores para esa nueva obra que recién comienza.

Cuando decidimos, por ejemplo, comprar ese mantel con el que cubrir nuestra mesa; de pronto nos vemos decidiendo el color, el diseño, o si es a cuadros, o simplemente geométrico. Inmediatamente pensamos en el entorno donde vamos a colocarlo y esto nos ayuda a tomar una decisión final. En la que la utilidad del mantel-objeto pierde la relevancia inicial y pasamos a conferirle más importancia a su belleza formal e interacción con los colores y formas de los otros objetos presentes en el lugar escogido.

Cuando damos color y formas a nosotros, a nuestras casas y nuestro entorno. Estamos haciendo arte. Vivimos rodeados de diseños, de todo tipo, que compiten en belleza y colorido. Ese es el caso de los frascos de perfumes, los envases para dentífricos y hasta el de los alimentos empaquetados, por citar unos pocos.

Tanto fabricantes como productores, tratan de hacer más atractiva la presentacion de sus productos, con independencia a otras consideraciones, pues la belleza del diseño y el color, venga de donde venga, siempre van a encontrar entre nosotros una muy cálida acogida para satisfacer esa sempiterna necesidad de arte que vive y se expresa en cada uno de nosotros.

Roberto Cayuso

El gran escenario

2010-02-04T22:40:00.000-08:00

"Más tarde o más temprano"

"La falsa cherna"

"Por unos huevos de más"

Los personajes que pueblan las obras de Crespo, tal parecen escapados de la “Comedia Humana” de Balzac; pero en un contexto actualizado, en donde sus “criaturas” nos van a narrar plásticamente historias en las que muchas veces la burla se vuelve escarnio. Todo esto enmarcado en un ambiente mágico, y de aparente feria, donde es fácil ver la máscara, los saltimbanquis y los bufones de la propia vida. En obras donde vivencias propia y ajenas se fusionan para producir la materia prima de las que se vale este artista para conformar cada una de las piezas que nos entrega y con las que logra desconcertantes planteamientos ante los cuales al no saber si reir o llorar, optamos por pensar.

Nada escapa a la pupila inquieta de este creador, en su afán por mostrarnos lo que hay de irracional en la conducta humana y sobre todo de ese gran juego que de la vida, algunos hacen y del que Crespo, es un maestro. Es un artista expresionista, imaginativo y moderno, que no caricaturiza a sus personajes; sino que hace caricaturas de la vida. No vino al arte para hacernos cuentos ni a entretenernos. Vino a decirnos la verdad del alma desgarrada de esos seres de su entorno y de su pueblo, que se mueven en cada una de sus obras en un ambiente de aparente feria y jolgorio.

Para lograr todo este universo mágico, de situaciones suprarreales, se vale Crespo de un dibujo incisivo y cortante donde la línea, y no el color, es el actor principal de esta puesta en escena que hace en el gran teatro que es toda su obra. Reflejo de su propia vida, donde no faltan ni los cambiantes telones de fondo.

Roberto J. Cayuso

Tomás Sánchez

2010-01-31T22:24:00.000-08:00

Cuando nos situamos como espectadores ante un grupo de cuadros de Tomás Sánchez, lo primero que uno comprende es que está contemplando algo que va más allá del dominio absoluto del oficio de pintor. No es cuestionable algo que se patentiza con tanta fuerza a la vista de unos pocos cuadros suyos: el uso de la perspectiva, la euritmia, el equilibrio de las masas, la aplicación del color, etc. Los maneja magistralmente y son, sin duda, las herramientas de la creatividad de este pintor, heredero del rico legado paisajistico finisecular cubano.

Si tenemos la oportunidad de ver un numeroso grupo de cuadros de Sánchez. Lo primero que salta a la vista son las dos grandes vertientes temáticas por donde transcurre la mayor parte de su pintura, pues son muy pocas las que verdaderamente se apartan de los temas que lo caracterizan y que de inmediato trataremos.

Comenzamos temprano en la década de los setenta, con un Tomás decididamente expresionista que nos recuerda a Ensor y Munch, pero sin la paleta oscura y terrosa del primero en sus comienzos. Al igual que Munch, su obra gira en torno al drama del hombre y su angustia existencial, aunque por diferentes caminos, pues en esta etapa de su pintura hay un alegre sarcasmo en los temas de Sánchez, acentuados por el deliberado “feismo” formal de sus personajes.

En el caso de Tomás, el expresionismo es algo más que un movimiento estilístico; es una actitud manifestada reiteradamente a lo largo de la historia del arte y que utilizó, al igual que muchos de sus predecesores, para expresarse de la realidad del medio circundante, pero sin acidez vitriólica, nos entrega un escenario donde la mascarada, la soledad, la locura o la muerte son la única realidad posible.

Durante esa etapa cabe notar el uso que hace del color, un poco a lo “fauve” por la aplicación del color puro y la mancha de color plano que podemos observar en muchas obras de este período. Así como el color local que en ocasiones resulta arbitrario y donde no siempre se halla contenido dentro de los bordes de la forma. Rechazo total de la armonía clásica y una renuncia al color que le suponemos a objetos cotidianos de nuestro mundo circundante. Son algunas de las características que dan fisonomía propia a su pintura.

En plena etapa expresionista, de acuerdo sus propias palabras, se comienza a vislumbrar con su cuadro “Excursión al natural,” de 1973, el tránsito hacia el paisajismo, pero no abandona el expresionismo hasta años más tarde y no de manera abrupta; sino por espontánea evolución en su manera de ver. Por algunos años como que mantiene un viaje itinerante estilístico entre el expresionismo y el paisajismo. Hasta llegado un momento en su obra donde ya no se entremezclan los estilos y permanence sólo el paisaje, su paisaje, lo que equivale a decir: el de sus recuerdos, el de sus sueños. No el de la interpretación del mundo real; real sí, pero a la manera de Carpentier: de lo real maravilloso.

En más de una ocasión se ha tratado de encasillar la obra plástica de Tomás, dentro del “hiperrealismo” o “fotorrealismo”, lo cual dista mucho de ser cierto, pues el paisaje suyo no tiene la frialdad de la copia fotográfica en todo su detalle y luego llevada al lienzo. Por el contrario sus pinturas nunca son copias fieles de reproducciones. Es meticuloso al pintar el detalle; pero detalle de un mundo íntimo, pensado y re-creado, donde no importan las leyes que rigen la naturaleza, pues éstas no cuentan en el gran momento de su creación.

Cuando miramos uno de los paisajes de Tomás, trátese de basureros o interpretaciones de la naturaleza, lo primero que nos impresiona es la sobrecogedora grandiosidad del tema y luego el tratamiento que hace del mismo. Donde casi podemos contra las hojas de los árboles y las ondas a las aguas. Sus nubes semejan trozos de algodón desgarrados y mecidos por el viento; creando una exquisita sinfonía de luces y colores, sin descuidar el más mínimo detalle, por pequeño que resulte, nos entrega una obra de un fuerte lirismo e insospechadas añoranzas.

El elemento humano, muchas veces presente en sus paisajes, nos muestra la preocupación del artista ante la dicotomía del hombre y la naturaleza. Muchos títulos de sus cuadros confirman nuestro criterio: Camino a la cima, Meditación en un signo de agua, etc. Son algunas muestras del compromiso del artista por un mundo mejor. En sus paisajes-basureros, a los que llama –paisajes contaminados por el hombre-, es donde esto se aprecia mejor, pues aquí el lenguaje plástico es más directo y patético; ante la visión, por ejemplo, de unos bidones derramando un líquido viscoso sobre la tierra en un inmenso basurero. O cuando nos muestra orillas devenidas en basureros y basureros convertidos en pueblos. Hasta a Cristo lo hallamos crucificado en un basurero, en clara alusión a la despreocupación del hombre por su habitat. El artista nos lanza un grito desgarrador en el que parece advertirnos sobre la inminencia de un desastre ecológico, si no hacemos algo por evitarlo.

En cierta ocasión y en referencia a sus paisajes, Sánchez dijo: -Me satisface la relación silenciosa entre el hombre y el medio. Me interesa mucho el tema de la naturaleza limpia, sin contaminar. El hombre todavía no ha aprendido a vivir en la naturaleza sin destruirla. Ha mantenido con ella una relación de dominio. No la ha trabajado de manera constructiva-.

Por todo lo antes señalado es fácil entender el abismo que separa a Tomás, de otros paisajistas y no tanto en el aspecto formal; sino en la intención o espíritu que llevan impresas sus obras, pues son capaces de transmitir un cálido mensaje que trasciende el verismo interpretativo, pues ha creado imágenes maravillosas en sí mismas; que existen y se hacen sentir presentes por su vida interna y no por semejanzas con las del mundo real, pues su valor consiste en la propia existencia, en cuanto a su vida estética.

Roberto J. Cayuso

"El arte naïf"

2010-01-28T22:11:00.000-08:00

Seraphine Louis (1864-1921)

Louis Vivin (1861-1936)

Camille Bombois (1883-1970)

Henri Rousseau (1844-1910)

"A los doce años sabía dibujar como Rafael, pero necesité toda una vida

para aprender a pintar como un niño.”

Picasso

El término naïf, que quiere decir ingenuo, fue empleado por primera vez a comienzos del siglo XX para referirse a la obra de Henri Rousseau (1844-1910). Figura clave de este movimiento y que venía participando en el “Salón de los Independientes” desde 1885.

Una de las características fundamentales de esta pintura es la candidez y la inocencia pictórica que tan fácil se aprecia en cada uno de los cuadros de esta escuela y que la definen. Aquí el tema representado se simplifica, casi a su esencia primaria, y no por cálculo; sino porque no sabían hacerlo de otra manera, pues carecían del bagaje de convencionalismos escolásticos y técnicos.

El arte naïf es producto del sentimiento y no del conocimiento. Es un arte libre en donde formas y colores tienen la frescura y brillantez de los trabajos infantiles, pues, al igual que los niños, los “ingenuos” pintan libres de ataduras obras plenas de magia y color en donde nos muestran su manera de ver el mundo e interpretar sus sueños.

En esa primera etapa del “ingenuismo” , aunque algo posterior a Rousseau, se cuentan los igualmente pintores franceses: Louis Vivin (1861-1936), Seraphine Louis (1864-1932), Camille Bombois (1883-1970), etc. Los cuales no tuvieron ni la gracia ni el colorido de Rousseau; pero coadyuvaron decisivamente a dar lustre y reconocimiento mundial a un estilo, que años más tarde y bajo otras formas, va a ser adoptado por artistas y comunidades de artístas de diferentes partes del mundo.

Roberto Cayuso

"Ritmos y colores"

2010-01-24T16:40:00.000-08:00

"Rita y la rosa"

Pablo Hermández

There are those who make dreams into reality; however, there are also a rare few who convert realities into dreams. Pablo belongs to this rare breed of creators. He is an artist capable of transforming memories or familiar anecdotes into true pieces of art which he narrates while playing the piano.

At times, he submerges us in images full of color and light which become magnificent installations and draw us into intimate moments of his life. Picture this: dozens of small multicolored birds, together with the high noon sunlight, come streaming into a bedroom to pick off threads of a chenille bedspread with their beaks, to later fly to their nests in an old poplar tree by the window.

Other times, he gives us a “happening” – where he indulges his imagination mixing music, poetry, and painting. The performance thus created has Pablo singing and telling a story in the style of the traveling minstrels, accompanying himself on the piano while a nearby easel holds his fundamental work, “Rita and The Rose.”

Pablo moves amongst arpeggios and paintbrushes, in a climate of dreams and fantasies inhabited by form and melody.

To best comprehend Pablo, one must reduce oneself to simplicity; he who thinks simple thoughts can best live in imagination and confuse it with memory.

Roberto J. Cayuso

Hay quienes convierten los sueños en realidades; pero hay otros, los menos, que las realidades las convierten en sueños. A esa rara estirpe de creadores pertenece Pablo, un artista capaz de transmutar recuerdos o anécdotas familiares en verdaderas piezas artísticas que nos va narrando mientras se acompaña al piano.

A veces nos sumerge en imágenes plásticas que, plenas de luces y colores, pasan a convertirse en magníficas “instalaciones” que nos adentran en pasajes íntimos de su vida; como ese en el que decenas de pequeñas y multicolores aves, junto al sol del mediodía, entran a raudales a su habitación para arrancar cada una con su pequeño pico un hilo de la vieja sobrecama de chenille, para luego volar al nido que cuelga del viejo álamo que crece junto a la ventana.

Otras veces se vale del “happening”, para desbordar su imaginación al mezclar música, poesía y pintura. Creando así un “performance” en el que Pablo canta y narra una historia, en el mejor estilo de los maestros juglares, mientras se acompaña al piano, junto al cual y sobre un atril nos mira el cuadro “Rita y la rosa”, eje fundamental de toda esta puesta en escena.

Así va transcurriendo la vida de este artista, que se mueve y vive entre arpergios y pinceles, en un clima de sueños y fantasías donde habitan formas y melodías.

Lo mejor para entender a Pablo es reducirse a su simplicidad; quien piensa con ideas simples puede vivir en la imaginación y confundirla con el recuerdo.

Roberto J. Cayuso

Jaime Colson

2010-01-17T21:07:00.000-08:00

Jaime Colson nació en la ciudad de Puerto Plata, República Dominicana en 1901 y murió en Santo Domingo en 1975. Realizó estudios de pintura en la Academia de San Fernando en Madrid. Estudió también en Barcelona, donde profundizo el dibujo con los maestros catalanes de principios de siglo. Vivió en París en la década de 1920, donde su pintura tomó un giro marcadamente cubista bajo la influencia de Ingres, Picasso, Braque y Léger. En este período realizó cuadros con apego estricto a lo geométrico, pero a pesar de las influencias de las corrientes de la época, su carácter, su esencia, prevalece en todas sus obras. La incorporación del dibujo en el oficio pictórico, el equilibrio de sus composiciones, su reiterado interés por la figura humana, así como la nitidez de sus formas, revelan la intensidad de su temperamento y la solidez en la creación.

Este libro está dedicado al pintor dominicano Jaime Colson (1901-1975). Recoge en sus 112 páginas una parte de la colección del Sr. Juan José Bellapart, del Museo Bellapart, en una edición ilustrada a todo color, bajo la dirección artística de Roberto J. Cayuso. Se presenta al púbico en tres idiomas (español, ingés y francés). Además cuenta con dos ensayos “El neohumanismo de Jaime Colson”, de Manuel Rueda y “Jaime Colson: Su vida y su obra”, de María Ugarte

ISBN: 0-9650650-2-2 / Palette Publications

Héctor Molné: 50 Aniversario

2010-01-13T22:00:00.000-08:00

La Habana Vieja, 2009

Héctor Molné, maestro de líneas y colores, desde siempre ha representado la realidad que lo rodea tal cual la ha visto y sentido, con independencia total al tema. Es un creador de pinturas naturalistas en las que nada se descuida y brillan plenas de luces, colores y texturas, como puertas que se abren al sol.

Molné, sabe comunicar al espectador esos sentimientos de los que están llenos los personajes que pueblan sus telas. Es uno de los artistas que mejor ha sabido penetrar en el alma cubana. El que halló la forma y la expresión que más convenían al espíritu de su pueblo.

Roberto J. Cayuso

Catálogo de la exposición 50 aniversario del maestro Héctor molné, en el que se recogen a lo largo de sus 28 páginas, una selección de algunos de los trabajos más representativos de este creador en diferentes etapas artísticas. Cuenta con un ensayo introductorio del poeta Jorge Valls. Las fotografías y el diseño gráfico estuvieron a cargo de Roberto Cayuso

"La clave la tengo yo". Dirigido por Roberto Cayuso