jueves, 25 de marzo de 2010

Arte Minimal (Minimal Art)

Brice Marden (1938)
Robert Ryman (1930)
Agnes Martin (1912-2004)

La primera vez que se utilizó el término Minimal Art, fue cuando lo empleó el filósofo británico Richard Wolheim, en 1965 en el Arts Magazine, para referirse a ciertos objetos artísticos en los que sus formas “están reducidas a estados mínimos de orden y complejidad”. La primera exposición que se hizo del arte minimal fue en el año 1965, Shape and Structure en Tibor de Nagy Gallery y fue posible gracias a la colaboración del artista Frank Stella y la crítico de arte Barbara Rose; pero no fue hasta el año siguiente (1966) que con la participación de unos cuarenta artistas se celebró la más importante muestra del “Minimal Art”, en el “Jewish Museum de New York: “Estucturas primarias”

En ocasiones se habla del minimalismo como una reacción al expresionismo abstracto, pero más allá de lo real que pueda ser esta aseveración, por parte de algunos especialistas, lo verdaderamente importante radica en que estamos hablando de una expresión artística que va a reducir, a lo más básico, los elementos constitutivos de cualquier obra artística del llamado arte minimal.

En el minimalismo, por razones propias de su estructura fundamental, la simplicidad, tanto de forma como de significado, va a estar por encima de todo, pues es una manifestación artística fría y distante emocionalmente del espectador.

Algunos de los artistas que más se destacaron en este movimiento fueron los pintores: Robert Ryman, Agnes Martin, Brice Marden y Jo Baer.

domingo, 21 de marzo de 2010

El arte óptico (Op-Art)

Víctor Vassarely (1906-1997)

Ellsworth Kelly (1923)

Omar Rayo (1928)

El arte óptico nace oficialmente en el año 1955 con la presentación del “Manifiesto Amarillo”de Vassarely. En el que se dio a conocer por primera vez sus nuevas teorías estéticas, las cuales dieron origen a la última abstracción geométrica: el Op-Art

Esta nueva manera de hacer arte se basa en el aspecto visual del cuadro y como el mismo nos afecta ópticamente. Lo puramente visual va a ser el elemento fundamental a tener en cuenta en la construcción de las obras “ópticas”, a lo que han de subordinarse líneas, colores y puzzles compositivos.

En el Op-Art los artistas logran ilusiones visuales combinando cuadrados, triángulos, círculos y diversos tipos de líneas, para lograr diferentes elementos geométrico-constructivos que se van a ir enlazando a través de toda la obra.

El color es usualmente de altos contrastes y de un deslumbrante colorido. Todos los elementos, con lo que componen sus cuadros, van a estar en función de crear inquietantes efectos cromáticos, para provocar en los espectadores diversas ilusiones ópticas.

Algunos de los artistas de mayor trascendencia en este movimiento son Vassarely (líder del grupo), Ellswort Kelly, Omar Rayo, etc.

sábado, 13 de marzo de 2010

The Raven (El cuervo) by E. A. Poe


En una oscura noche, un cuervo planea sobre los árboles. Desciende y se posa sobre una rama. Mueve sus alas, en un intento por sacudirse la espesa nieve que lo cubre. Luego vuela hasta el umbral de la casa y con su pico toca la puerta del hombre. El hombre, sobresaltado escucha y lleno de temores vacila en abrir la puerta en esa noche invernal y tormentosa.

Con palabras similares nos va introduciendo Poe en este poema, donde el terror no rádica tanto en lo que dice; sino en como se dice, es decir, en la cadencia y repetición de ciertas palabras claves dichas a lo largo del poema y con las que logra crear en nuestra mente inquietantes imágenes.

Esta es la introducción al documental del poema “El cuervo”, de Poe, y está dicho en inglés. Idioma en el que originalmente fue concebido, pues creemos que de traducirlo le pasaría lo que a ciertas especies marinas cuando las sacamos del agua y las llevamos a la superficie: perdería su encanto.

Roberto J. Cayuso

The Raven (preview)

video

domingo, 7 de marzo de 2010

Elio Villate Lam: "Bestiario de las islas"


Cuando miramos con detenimiento la obra de Villate, son varias las cosas que nos llaman la atención, pero sin dudas la principal es la capacidad que tiene este artista de re-crear para el espectador un universo de formas y figuras de nuestra vida cotidiana y que una vez trasladadas al lienzo adquieren valores propios y percibimos de inmediato el tono satírico presente en cada una de sus producciones. Sus personajes se mueven en una atmósfera onírica donde todo es posible, pues definitivamente para él lo importante es el mensaje que nos envía y allí la gravedad no cuenta. Sus personajes están perfectamente dibujados y llenos de color

Todas estas son las herramientas que emplea Villate, para introducirnos a un mundo alucinante creado por un artista de poderosa fantasía y una limpia ejecución.

Roberto Cayuso

Catálogo de la exposición "Bestiario de las islas", de Elio Villate en Domingo Padrón Art Gallery. Miami, Florida (madlui2000@yahoo.com) . Donde se exhibieron algunos de los trabajos más recientes de este artista

jueves, 4 de marzo de 2010

La abstracción y Der Blaue Reiter (El jinete azul)


Sin título, 1910. Wassily Kandinsky


Caoutchouc”, 1909. Francis Picabia

Una acuarela de Kandinsky, fechada en 1910, ha sido considerada, por algunos, como el ejemplo más temprano del arte abstracto; aunque hoy conocemos de una acuarela de Francis Picabia, titulada: “Caoutchouc”, realizada en el 1909; pero más allá de quien fue el primero hay que tener presente que en las postrimerías del siglo XIX, la aparición de un arte no representativo fue tan evidente que dependió sólo del azar el que alguien diera el primer paso para su realización.

El llamado arte abstracto surgió, entre otras razones, como una reacción ante un arte que por siglos había sido la dominante histórica de una representación objetiva, más o menos fiel del hombre y su entorno. La abstracción desintegra la realidad visible y da paso a la forma, libre de toda carga literaria y anecdótica

Una de las mejores definiciones que han hecho sobre el abstraccionismo, fue aquella en donde Kandinsky nos dice: “Toda cosa muerta palpitaba. No solamente las estrellas, la luna, los bosques, las flores, de que hablan los poetas, sino también una colilla en un cenicero, un botón blanco, paciente que nos echa una mirada desde el charco de agua de la calle… Todo eso me mostraba su rostro, su ser interior, el alma secreta que con más frecuencia calla que habla… Eso me bastó para comprender con todo mi ser y todos mis sentidos la posibilidad y la existencia del arte que hoy se llama abstracto” por oposición “al arte figurativo”.

En el año de 1911 Kandinski forma en la ciudad alemana de Munich, junto a Franz Marc y otros expresionistas, el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul). En ese mismo año, el 18 de diciembre, organizan una exposición en la galería Tannhauser en la que se exhiben 43 obras de artistas de la talla de Robert Delaunay, Henri Epstein, Gabriele Munter y August Macke, entre otros. Tres meses más tarde, pero ahora en la galeria Goltz, se inauguró una muestra de dibujos, en blanco y negro, en la que participan Braque, Roualt, Derain, Picasso, La Fresnaye, Vlaminck, Lotiron Vera, Nathalie Gontcharova, Larinov y Malevitch.

Der Blaue Reiter se distinguió por su carácter de estilos heterogéneos, pues en esta exposición están reúnidos no sólo los viejos fauves y los nuevos cubistas ; sino que también está Kasimir Malevich, que unos años más tarde va a publicar su libro “Manifiesto del Suprematismo”, con el que se inicia en Rusia la abstracción geométrica. Igualmente allí están presentes obras del matrimonio de Natalia Gontcharova y Mihail Laroniov, dos de los más importantes artistas rusos y padres del rayonismo. Corriente estética que al igual que el suprematismo pertenecen al llamado arte abstracto.

Der Blaue Reiter, se desintegró en 1914 por causa directa de la Primera Guerra Mundial en la que mueren August Macke y Franz Marc, dos de los más importantes miembros y fundadores del grupo. Algún tiempo después Kandinski regresó a Rusia y años más tarde retorna a Alemania para formar parte junto con Paul Klee del profesorado de la escuela de la Bauhaus fundada en Weimar en 1919 por el famoso arquitecto Walter Gropius

La abstracción fue mucho más allá que el de un nuevo estilo pictórico. Fue un nuevo modo de ver. Una manera diferente de hacer y que como casi todo lo nuevo, que además propone un cambio radical, tuvo incomprensiones y detractores.

“El ascenso a la cima del arte no figurativo es penoso y lleno de tormento”, apuntaba Malevich en su libro: “El suprematismo como modelo de la no representación”, en el año 1920 y en el que más adelante nos dice: “Cuando en 1913, en mi tentativa desesperada de librar al arte del peso inútil del objeto, buscaba refugio en la forma del cuadrado y exponía un cuadro que no representaba otra cosa que un cuadrado negro sobre fondo blanco, la crítica se lamentó y con ella el público diciendo: Todo cuanto amábamos se ha perdido; estamos en un desierto; ante nosotros se alza un cuadrado negro sobre fondo blanco”.

Los diferentes caminos que tomó el arte abstracto no terminaron aquí, pues tenemos la aportación del grupo De Stijl, formado en 1917 en Holanda. Esta corriente abstracta se denominó Neoplasticismo, y pronto contactaron con la Bauhaus alemana,. En este nuevo estilo se destacaron Piet Mondrian y Theo van Doesburg, ambos fundadores del movimiento y creadores de una pintura que pretendía la bidimensionalidad del plano. Se basaron en el empleo del rectángulo y del cuadrado. Persiguieron la armonía , pero no les interesó la simetría. Usaron colores primarios: azul, rojo, amarillo. Mientras que el blanco era empleado como fondo neutro y el negro se utilizó para contornear las masas coloreadas. Doesburg adoptó la línea diagonal, en favor de composiciones más dinámicas, y también amplió la gama cromática. Posteriormente denominó como arte concreto a un estilo de arte que parte de formas y relaciones geométricas.

En 1936 se funda la Asociación Americana de Arte Abstracto y, un año después, en 1937 Moholy-Nagy crea la Escuela de dibujo de Chicago.