domingo, 31 de octubre de 2010

Constructivismo ruso

Soldados bailando por Mikhail Larionov (1881-1964)

Alexander M. Rotchenko (1891-1956)

Tercera Internacional o Torre de Vladimir Tatlin (maqueta)

El nombre del movimiento artístico “constructivismo” se dio a conocer publicamente en 1921, aunque ya existía desde bastante antes. Fue un movimimiento plástico que tuvo su mayor realce en la arquitectura, la escultura y la pintura. Pasó a incorporar, en la creación de sus nuevo formulado plástico, ciertos materiales industriales como el acero laminado, el cristal, los metales, plásticos, etc.

El "constructivismo ruso" es una forma más de la “abstracción” que tuvo primero en Rusia, antes, durante y después de la “Revolución Rusa”, su máximo apogeo. Mientras que fue hacia 1917 cuando llegó a Holanda junto a los emigrados rusos. Posteriormente, en éste país, un grupo de artistas holandeses y de otras nacionalidades constituyeron el núcleo holandés constructivista, que más tarde pasaría a ser “De Stijl”. Entre estos artistas se encontraban Piet Mondrian (1872-1944), Theo van Doesburg (1883-1931), (Georges Vantongerloo (1886-1965) y otros más quienes lograron la internacionalización de un movimiento plástico hasta entonces confinado a la frontera rusa.

Para los constructivistas rusos el arte y la utilidad van de la mano, pues concibieron sus creaciones con “ansias reconstructivas de una nueva sociedad”, es decir, con un afán de transformación profunda del entorno social y más para lo que se valieron, entre otras, de la arquitectura, el diseño y la escenografía.

Entre las figuras claves del “constructivismo ruso se encuentran ”Vladimir Yevgrafovich Tatlin (1885-1953), Alexander Rodchenko (1891-1956), Mikhail Larionov, Naum Gabo (1890-1977), Antoine Pevsner (1886-1962) y Liubov Popova (1889-1924).

Cabe destacar que muchos de estos artistas, como frecuentemente ocurre, militaron en diferentes corrientes estéticas, por lo que resulta fácil verlos en ocasiones como suprematistas, cubistas, rayonistas, etc.

Roberto Cayuso

sábado, 16 de octubre de 2010

Apropiaciones artísticas

01-Giorgione y 02-Manet

03-Pablo Picasso

Leonardo Da Vinci y Marcel Duchamp

05-Pintura de Fernand Leger-----05a-Máscara africana

“Más que un coleccionista de objetos, Picasso era un coleccionista de ideas”. Jean Paul Barbier

Lo que hoy conocemos como apropiaciones artísticas pictóricas es algo que existe desde hace mucho tiempo. Las apropiaciones pueden y de hecho son de diferentes tipos, siendo quizás una de las más frecuentes aquellas donde el artista, a través de su propia visión, retoma el tema de una obra realizada por otro con anterioridad y la desarrolla con algunas variantes y un similar arreglo compositivo. Creando así su propia versión de una obra previamente ejecutada como en el caso de “Almuerzo sobre la hierba” de Edouard Manet, realizada entre 1862 y 1863 (lámina 02), la cual independientemente de sus propios valores, que nadie cuestiona, no deja de ser una legítima apropiación temática de la “Fiesta campestre" de Giorgione -1477-1510- (lámina 01).

Otra clase de apropiación es aquella donde el artista interpreta desde otra óptica, y para ello vamos a tomar como ejemplo nuevamente el “Almuerzo sobre la hierba” de Manet, pero ahora realizado con diferentes presupuestos plásticos a los que el propio Picasso contribuyó creando una nueva expresión artística. En la apropiaciones que Picasso hizo de este tema (lámina 03) no existe el propósito de atacar el “Almuerzo sobre la hierba” de Manet, como algunos críticos han señalado, sino simplemente el placer de hacer lo mismo que hizo Manet con la obra de Giorgione, pero ahora desde una nueva manera de hacer y ver el arte: el “Cubismo”.

Existe otro tipo de apropiación, altamente corrosiva y muy a tono con la filosofía del movimiento “Dada”, aparecido en Europa y norteamérica entre 1916 y 1922, en donde un grupo de artistas van a tratar de imponer una visión de caos y destrucción del “viejo arte” en favor de lo que llamaron el “antiarte”. Una de las figuras claves de ese movimiento lo fue Marcel Duchamp (1887-1976) que un día de 1919, partiendo de una tarjeta postal de la Mona Lisa (lámina 04), una de las pinturas más famosas de la pinacoteca mundial y obra de Leonardo da Vinci. Le añadió bigote y barba, logrando así parodiar la gran obra al apropiarse de la imagen y alterarla para sacarla de de su contexto original, creando así una nueva e irreverente lectura plástica de la Mona Lisa.

Por último no queremos pasar por alto otra modalidad, bastante frecuente, de apropiación que a diferencia de las anteriores sólo va a incorporar en la obra original del artista un elemento de otra obra (pintura o escultura), que con algunos pequeños cambios va a formar parte de una nueva y diferente producción artística. (lámina 05 y 05a).

La realidad que eso de los objetos artísticos que pasan a formar parte en la creación de otras obras, fue un recurso utilizado por muchos artistas europeos en los comienzos del siglo XX. Con el surgimiento del arte contemporáneo; artistas como Matisse, Picasso, Leger y otros vieron en las máscaras africanas, que recién arribaban a París, algo que los emocionó de tal manera, que poco tiempo después los vemos coleccionándolas y reflejándolas, de mil maneras diferentes, en sus pinturas.

Roberto J. Cayuso

domingo, 3 de octubre de 2010

"Land Art" (Arte Terrestre)

Thomas Kneubühler’s “Electric Mountains”


Spiral Jetty, 1970, by Robert Smithson

Christo and Jeanne-Claude: Surrounded Islands (1983)

El Land Art o Arte Terrestre es una expresión artística que trasciende, por su monumentalidad, los soportes utilizados habitualmente por los artistas como el lienzo o la madera. Igualmente los espacios en que tradicionalmente habían sido utilizados para la exhibición de obras de arte, museos o galerías, se convirtieron en escenarios naturales como playas, islas, ríos y otras veces puentes, edificios, etc. Los cuales, dentro de su contexto natural, son alterados mediante el empleo de las más diversas técnicas y materiales.

Por razones de la monumentalidad, como parte inherente del “Land Art”, se hace imposible su traslado a los espacios tradicionales de exhibición y es en ese punto que entra a jugar la fotografía, muchas veces firmada y limitada, y los videos como elementos principalísimos de coleccionismo y divulgación.

Cuando hablamos del “Land Art” lo estamos haciendo de un arte que utiliza la naturaleza para transformarla, pero no desde un ángulo crítico desde el cual mostrarnos el uso violento e indiscriminado al que el hombre somete a la naturaleza. No, la realidad es impresionarnos con la aprehensión de un paisaje majestuoso y natural, alterado de diferentes maneras y donde lo ecológico y su preservación no sólo no es tenido en cuenta, sino que en ocasiones se ha señalado al “Land Art” como responsable de posibles daños contra la flora y la fauna en los lugares donde han sido hechas sus “instalaciones”.

Por razones obvias el “Arte terrestre” es un arte efímero y cambiante que, como ya hemos visto, se llega a él a través de su interdependencia con la naturaleza y donde lo importante reside en la visualización del paisaje como objeto transformado por el artista.

Roberto Cayuso